Paris – Broadway

“The Pitmen Painters”

Duchess Theatre, Londres • 2.12.11 à 19h30
Une pièce de Lee Hall, d’après le livre de William Feaver

Mise en scène : Max Roberts. Avec Joy Brook, Joe Caffrey, Trevor Fox, Michael Hodgson, Viktoria Kay, Ian Kelly, Brian Lonsdale, David Whitaker.

Cette irrésistible petite pièce de Lee Hall — l’auteur de Billy Elliot — est encore une histoire de mineurs dans son nord natal. Mais, cette fois, Hall s’est fondé sur des faits réels en contant l’histoire du “groupe d’Ashington”, des mineurs qui, à compter de 1934 et durant cinquante ans environ, ont produit une série de tableaux assez étonnants pour des ouvriers qui avaient arrêté l’école très tôt et qui n’avaient jamais reçu le moindre enseignement artistique. Ils le firent notamment grâce aux encouragements d’un dénommé Robert Lyon, un enseignant qui les prit sous son aile et contribua à les faire connaître.

La pièce est particulièrement poignante dans le premier acte. On ne peut qu’être profondément touché par la façon dont Hall nous montre ces mineurs avides de compléter leur éducation et qui souhaitent “comprendre” la peinture. Compte tenu de leur absence totale de repères, le professeur que leur syndicat leur a choisi décide de les faire peindre plutôt que théoriser. La succession des épiphanies qu’ils vivent individuellement et collectivement est superbement conçue. Hall sait jouer sur la corde sensible en brossant le portrait d’hommes à la fois parfaitement conscients de leur ignorance, d’une grande curiosité, d’une candeur touchante… et qui se soutiennent sans jamais se juger.

La pièce a été créée à Newcastle en 2007, puis elle a fait sensation à Londres où elle a été présentée par le National Theatre en 2008. Après être passée du “petit” théâtre du National, le Cottesloe, à son théâtre “moyen”, le Lyttleton, elle est désormais présentée dans le West End après une tentative infructueuse à Broadway à l’automne 2010.

La belle mise en scène de Max Roberts utilise des projections d’œuvres du groupe d’Ashington, qui sont réellement superbes. Les comédiens sont absolument géniaux, à commencer par le fabuleux Trevor Fox, qui campe le plus attachant des personnages, tiraillé entre une conscience aiguë de son appartenance à une classe sociale et une intelligence manifestement supérieure.

Malheureusement, le deuxième acte est un peu en retrait par rapport au premier. L’essentiel a été dit — et fort bien — dans le premier acte. Le discours politique, qui était déjà présent en filigrane, devient le thème majeur, tandis que le parcours initiatique des mineurs stagne. C’est le seul reproche que l’on puisse faire à une pièce par ailleurs magnifique et empoignante.

“The Railway Children”

Waterloo Station, Londres • 13.11.11 à 14h30
Une pièce de Mike Kenny, d’après le roman d’Edith Nesbit

Mise en scène : Damian Cruden. Avec Amy Noble (Roberta), Tim Lewis (Peter), Grace Rowe (Phyllis), Pandora Clifford (Mother), Stephen Beckett (Father / Doctor / Railwayman), David Baron (Old Gentleman / Policeman), Mark Benton (Mr. Perks), Elizabeth Keates (Mrs. Perks / Between Maid), Amanda Prior (Mrs. Viney / Cook), Blair Plant (Butler / Schepansky / Railwayman), James Rigby (Jim / District Superintendant / Policeman [understudy / remplaçant]), Francesca Ellis, Felicity Houlbrooke.

L’inspiration originelle de cette pièce est un roman de 1906, bien que la majorité du public anglais connaisse l’histoire par le biais d’un film de 1970. Trois enfants et leur mère se retrouvent livrés à eux-mêmes le jour où leur père (et mari) est emmené un soir par deux hommes. Ils sont finalement obligés de quitter leur demeure londonienne pour aller vivre pauvrement dans un cottage du Yorkshire, non loin d’une voie ferrée. Ils vont y vivre des aventures typiques d’une enfance innocente… marquée cependant par l’absence inexpliquée d’un père.

La particularité de cette production est d’avoir été installée dans l’ancien terminal Eurostar de la gare de Waterloo, fermé depuis quatre ans. Des gradins ont été installés de part et d’autre de l’une des voies : des chariots sur lesquels prennent place décors et comédiens y circulent. Une véritable locomotive à vapeur apparaît à la fin de chaque acte.

L’originalité du dispositif pourrait à elle seule justifier une visite… mais c’est, pour être honnête, l’envie de revoir le terminal Eurostar, si souvent traversé pendant ses 13 ans de service, qui m’a poussé. Le hasard a par ailleurs fort bien fait les choses : comme je suis arrivé un peu au dernier moment, les spectateurs avaient déjà tous pris place et la zone d’embarquement du terminal se trouvait donc totalement vide lorsque je l’ai traversée.

L’expérience est d’autant plus saisissante que, quatre ans après sa fermeture, le terminal n’a pas changé : le mobilier et la signalisation sont toujours présents, ainsi que le salon des voyageurs fréquents, les rampes d’accès, les trottoirs roulants, le kiosque touristique à la sortie, etc. Cette traversée de la zone d’embarquement déserte a provoqué chez moi une sensation d’émerveillement difficile à décrire.

Pour le reste, le spectacle est honnête. On regrette quelque peu que l’auteur ait autant ressenti le besoin de recourir à des passages narratifs dits par les personnages, parfois directement au public. La convention théâtrale s’en trouve quelque peu malmenée ; d’autres solutions étaient sans doute possibles. L’un des personnages se tourne même vers le public pour lui dire “You’re going to have to use your imagination, now.” Sacrilège ! Laisser courir son imagination est précisément ce que tout spectateur de théâtre fait lorsqu’il pratique ce que les Anglo-Saxons appellent très joliment “the suspension of disbelief”, la désactivation de l’incrédulité.

“Love, Loss and What I Wore”

Broadway Playhouse, Chicago • 8.11.11 à 19h30
Nora Ephron & Delia Ephron, d’après le livre d’Ilene Beckerman

Mise en scène : Karen Carpenter. Avec Roni Geva, Cindy Gold, Taylor Miller, Loretta Swit, Whitney White.

Cette pièce, qui est à l’affiche à New York depuis deux ans environ, est actuellement proposée également au public de Chicago. Elle est basée sur un livre d’Ilene Beckerman dans lequel cette dernière évoque des moments qui sont restés gravés dans sa mémoire, en utilisant comme fil conducteur le souvenir de robes ou autres tenues vestimentaires associées. Nora et Delia Ephron en ont tiré une série de sketches destinés à être joués par cinq comédiennes.

La réception critique a été plutôt bonne, mais un certain nombre de voix se sont élevées pour dénoncer la frivolité apparente de sketches évoquant des robes ou encore (pour l’un des plus hilarants) le contenu des sacs à mains. Ces “problèmes de femmes” donneraient de la gent féminine une image bien caricaturale. Le propos n’est pourtant pas si superficiel, et plusieurs des saynètes évoquent des sujets graves comme la maladie ou le viol.

Le format de la pièce, depuis sa création, consiste à assembler une distribution tournante de cinq comédiennes (dont certaines doivent répondre à certaines caractéristiques : il faut “une grosse”, “une vieille”…) Compte tenu du renouvellement rapide, les cinq comédiennes sont assises côte à côte sur des tabourets et lisent leurs scripts posés sur des lutrins devant elles. Ça n’empêche nullement la représentation d’être rythmée et parfaitement au point, avec des moments où la mise en place, cruciale, est irréprochable.

Les comédiennes sont manifestement choisies parce qu’elles sont censées évoquer des souvenirs à au moins une partie du public. Pour ma part, la seule figure connue était celle de Loretta Swit, qui a joué dans la série M*A*S*H, et qui conserve une forme d’entrain juvénile étonnant pour une femme de 74 ans. (Lors de sa création à New York, la pièce pouvait s’enorgueillir de compter Tyne Daly et Rosie O’Donnell parmi ses comédiennes.)

Je me suis beaucoup amusé à écouter ces “histoires de femmes”, dont beaucoup ne sont pas si spécifiques aux femmes. Le seul reproche, au fond, c’est que 90 minutes, c’est bien peu… surtout lorsqu’on a payé son billet près de 70 dollars.

Et j’ai été heureux de revoir ce théâtre, autrefois baptisé le Drury Lane Water Tower, où j’ai vu une splendide production de la comédie musicale Grand Hotel en 2005.

“Othello”

Folger Theatre, Washington DC • 30.10.11 à 19h
Shakespeare (ca. 1603)

Mise en scène : Robert Richmond. Avec Owiso Odera (Othello), Ian Merrill Peakes (Iago), Janie Brookshire (Desdemona), Karen Peakes (Emilia), Louis Butelli (Roderigo), Thomas Keegan (Cassio), Jeff Allin (Brabantio), Todd Scofield (The Duke / Gratiano), Joe Guzman (Lodovico), Chris Genebach (Montano), Zehra Fazal (Bianca).

Quel lieu étonnant que ce Folger Theatre, reconstitution d’un théâtre élisabethain en bois à l’intérieur d’un bâtiment moderne, la Folger Shakespeare Library, un lieu monumental dédié à Shakespeare et à son époque, financé en 1932 par un mécène privé.

Le simple fait d’assister à une représentation à l’intérieur de ce lieu étonnant constituerait une expérience forte… mais la qualité de cette production d’Othello contribue aussi beaucoup au plaisir. La mise en scène pleine d’énergie et l’enthousiasmante prestation des comédiens pourrait presque créer l’illusion que le texte est contemporain tant il est bien dit et bien mis en contexte.

Robert Richmond utilise expertement toutes les ficelles de la mise en ambiance : bruitages de toutes natures, musique, bruits blancs, échos et réverbération, souffleries… sans compter d’époustouflants effets de lumière sur le décor polymorphe, coloré et plein de surprises de Tony Cisek (le même Tony Cisek dont le décor pour Parade m’a paru bien fade). Les costumes de William Ivey Long, un nom bien connu à Broadway, où il a conçu les costumes pour plus de 60 productions, sont magnifiques.

Cette mise en scène somptueuse n’est nullement conçue pour distraire l’attention de la performance des acteurs. Au contraire, elle ne met que davantage en lumière les prestations exceptionnellement magnétiques de l’Othello d’Owiso Odera ou du Iago de Ian Merrill Peakes. Les seconds rôles sont tout aussi remarquables, avec une mention particulière pour le Roderigo déjanté et attachant de Louis Butelli.

La représentation est tellement prenante qu’elle semble s’écouler en un battement de paupières. Le plus beau témoignage que l’on puisse rendre à la beauté de l’écriture de Shakespeare.

“Le Jeu de l’amour et du hasard”

Comédie-Française (Salle Richelieu), Paris • 16.10.11 à 20h30
Marivaux (1730)

Mise en scène : Galin Stoev. Avec Alexandre Pavloff (Dorante), Léonie Simaga (Silvia), Pierre Louis-Calixte (Arlequin), Christian Hecq (Monsieur Orgon), Suliane Brahim (Lisette), Pierre Niney (Mario).

Le décor hideux et inutile était pourtant de mauvais augure. Mais, à peine la pièce commencée, impossible de ne pas succomber aux charmes d’un texte proprement irrésistible, superbement mis en valeur par une interprétation tonique. Les six comédiens sont magnifiques, avec une mention particulière pour le Dorante d’Alexandre Pavloff. Verdict partagé sur la mise en scène : autant je déteste cette manie de faire courir les comédiens en permanence en tous sens comme des marionnettes épileptiques, autant il faut reconnaître à Stoev un vrai talent de mise en énergie du texte. Pas une réplique qui ne soit travaillée avec soin, avec un résultat toujours réjouissant. On en redemande.

Je regrette quand même l’époque où l’on ne bafouillait pas à la Comédie-Française.

“Salieri, le mal-aimé de Dieu”

Lucernaire, Paris • 17.8.11 à 18h30
Écrit et interprété par Jean Hache. Mise en scène : Jean Hache et Roland Hergault.

Cette petite pièce en forme de monologue n’a au fond qu’un défaut bien pardonnable : celui de faire perdurer l’image d’un Salieri amer et animé par un inextinguible ressentiment à l’égard d’un Mozart qui lui aurait indûment volé sa relation privilégiée avec Dieu.

Car, pour le reste, on est enchanté d’entendre un texte bien écrit, dit avec talent et sensibilité, dans la belle tradition des monologues historiques comme L’Allée du Roi. Quelques accessoires et quelques lumières bien pensées démontrent que la magie du théâtre n’a pas besoin de gros moyens.

“One Man, Two Guvnors”

National Theatre (Lyttelton Theatre), Londres • 11.6.11 à 14h15
Richard Bean, d’après Il servitore di due padroni (Arlequin serviteur de deux maîtres) de Goldoni. Chansons : Grant Olding.

Mise en scène : Nicholas Hytner. Avec James Corden (Francis Henshall), Suzie Toase (Dolly), Trevor Laird (Lloyd Boateng), Fred Ridgeway (Charlie “the Duck” Clench), Claire Lams (Pauline Clench), Martyn Ellis (Harry Dangle), Daniel Rigby (Alan Dangle), Jemima Rooper (Rachel Crabbe), Oliver Chris (Stanley Stubbers), David Benson (Gareth), Tom Edden (Alfie), …

Le National Theatre crée l’événement une fois de plus en proposant une réécriture contemporaine d’Arlequin serviteur de deux maîtres, dans une mise en scène reposant largement sur ce que les Anglais appellent le slapstick, un humour très physique et pas du tout subtil, héritier de la commedia dell’arte et de ses avatars contemporains (Buster Keaton, Charlie Chaplin, … Benny Hill !)

Et c’est peu dire qu’on rigole de bon cœur tant l’avalanche de gags visuels est irrésistible. On repense à Noises Off, un autre très bel exemple de comique visuel réglé au cordeau. Bien sûr, il y a des moments plus réussis que d’autres : la deuxième moitié du premier acte est une telle escalade comique que le deuxième acte a bien du mal à repartir.

Le seul point faible de l’aventure, ce sont les chansons de Grant Olding (le compositeur de Simply Cinderella) qui ponctuent la représentation. Elles sont écrites dans un idiome vaguement rockabilly que je trouve totalement insupportable.

“Butley”

Duchess Theatre, Londres • 9.6.11 à 15h
Simon Gray (1971)

Mise en scène : Lindsay Posner. Avec Dominic West (Ben Butley), Martin Hutson (Joseph Keyston), Emma Hiddleston (Miss Heasman), Penny Downie (Edna Shaft), Amanda Drew (Anne Butley), Paul McGann (Reg Nuttall), Cai Brigden (Mr. Gardner).

La production originale de Butley, en 1971, avait été un triomphe pour le comédien Alan Bates et pour le metteur en scène de la pièce, qui n’était autre que Harold Pinter. Cette nouvelle production confie le rôle-titre à l’excellent Dominic West, qui crève l’écran dans la série télévisée The Wire.

Et c’est un régal. Le héros de la pièce, Ben Butley, est un professeur d’anglais trop honnête et trop intelligent : il sombre vite dans un cynisme noir, aidé par l’alcool. Les choses ne vont pas exactement s’arranger lorsqu’il apprend, dans la même journée, qu’il a perdu définitivement sa femme puis son protégé, devenu son amant. Il se réfugie dans une dérision grinçante et tranchante, le seul rempart que son cerveau puisse ériger contre un désespoir réel mais qu’il refuse de prendre trop sérieusement.

L’écriture de Simon Gray est incisive à souhait, un matériau idéal pour un comédien de la trempe de Dominic West. Les salves cruelles et humoristiques se succèdent à un rythme jubilatoire, tandis que West parvient à projeter brillamment la réelle détresse que cachent les bons mots de son personnage.

Les seconds rôles sont tous excellents, tandis que la mise en scène de Lindsay Posner rajoute quelques touches d’humour très bien trouvées. Mention spéciale au décor épatant de Peter McKintosh. Du théâtre irrésistible.

À l’entracte, un monsieur s’approche de moi : “Vous avez aimé She Loves Me, hier soir ?” Ce n’est pas la première fois que ça m’arrive, mais ça fait toujours un drôle d’effet, surtout quand les deux spectacles ne se déroulent pas dans la même ville.

“Frankenstein”

National Theatre (Olivier Theatre), Londres • 30.4.11 à 14h
Une pièce de Nick Dear, d’après le roman de Mary Shelley

Mise en scène : Danny Boyle. Avec Benedict Cumberbatch (The Creature), Jonny Lee Miller (Victor Frankenstein), Naomie Harris (Elizabeth Lavenza), Jared Richard (William Frankenstein), George Harris (Mr. Frankenstein), Karl Johnson (De Lacey), Lizzie Winkler (Agatha), Daniel Millar (Felix), Ella Smith (Gretel / Clarice), John Killoran (Gustav), Steven Elliott (Klaus), Andreea Padurariu (Female Creature), …

Je n’avais pas eu l’occasion de revenir dans le grand Olivier Theatre depuis War Horse il y a plus de deux ans. (Entre temps, War Horse est parti à l’assaut de la planète et vient d’ouvrir ses portes à New York.) C’est avec plaisir que j’y retournais car je conserve beaucoup de très bons souvenirs de comédies musicales vues sur cette immense scène circulaire dotée d’une machinerie étonnante : A Little Night Music au tout premier plan, mais aussi Guys and Dolls, Oklahoma!, A Funny Thing Happened on the Way to the Forum ou Honk!.

Les concepteurs de cette nouvelle pièce nous proposent une expérience théâtrale saisissante inspirée par le célèbre roman de Mary Shelley. C’est un théâtre d’atmosphère dont les dimensions physique et visuelle sont primordiales. Les dix premières minutes, sans dialogue, sont consacrées à la “naissance” de la créature de Frankenstein : après être littéralement tombé de sa matrice, il s’éveille à la vie, prenant graduellement possession de son corps et de ses membres tandis qu’il est sujet à des spasmes intenses. C’est d’une intensité et d’une beauté irrésistibles, avec juste ce qu’il faut d’humour.

La pièce suit ensuite la complexité des relations entre le monstre et son créateur. C’est poignant, intense… et sublimement mis en scène. Les images magnifiques succèdent aux images magnifiques. L’évolution de la créature est captivante… et les inévitables confrontations avec Frankenstein, dans le deuxième acte, sont très intelligemment écrites. La belle scène finale, peut-être amenée de manière un peu brusque, ne manque pas de prendre à la gorge. Du très beau théâtre.

Comme si leurs rôles n’étaient pas assez intenses comme ça, les deux comédiens principaux alternent dans les rôles de Frankenstein et de la créature ! C’est Benedict Cumberbatch que j’ai vu dans le rôle de la créature : une performance à inscrire directement dans les annales ! On aurait presque envie de voir une représentation dans laquelle les rôles sont inversés pour pouvoir comparer.

Les représentations de Frankenstein s’achèvent prochainement ; elles ont toutes plus ou moins été complètes dans les minutes suivant la mise en vente des billets. Je serais vraiment surpris que le National Theatre (où les productions, par définition, ne peuvent pas être représentées sans limite de temps) n’essaie pas de donner un avenir à cette pièce qui, à mon humble avis, mérite largement plus que War Horse de partir à la conquête de la planète.

“The Blue Dragon”

Barbican Theatre, Londres • 26.2.11 à 19h45
Marie Michaud et Robert Lepage. Traduction en anglais : Michael Mackenzie.

Mise en scène : Robert Lepage. Avec Robert Lepage (Pierre Lamontagne), Marie Michaud (Claire Forêt), Tai Wei Foo (Xiao Ling).

Robert Lepage fait partie de ces metteurs en scène connus pour leur génie visuel (La Damnation de Faust, The Rake’s Progress et un Ring en cours à New York). Il s’est fait remarquer au milieu des années 1980 avec sa Dragons’ Trilogy, une œuvre ambitieuse sur la Chine et l’Occident généralement considérée comme l’un des chefs d’œuvre théâtraux de la fin du 20ème siècle… que je n’ai malheureusement pas eu l’occasion de voir. C’est une sorte de “suite” qu’il propose aujourd’hui avec ce Blue Dragon, puisque l’on y retrouve ses personnages dans le contexte de la Chine d’aujourd’hui, notamment le Shanghai de la période qui a précédé immédiatement l’Exposition Universelle.

Le théâtre de Lepage est un savant mélange de fond et de forme. Il ne serait rien sans l’utilisation d’effets visuels particulièrement léchés et parfois assez bluffants. Le hic, c’est que ces effets font maintenant partie d’un patrimoine largement partagé et que beaucoup de spectacles à dominante visuelle finissent par se ressembler. Si l’on met côte à côte, par exemple, les productions de Complicite (A Disappearing Number), de Catalyst (Nevermore), de Kneehigh (Brief Encounter, The Umbrellas of Cherbourg) et donc aussi de Robert Lepage, le lien de parenté est évident. Les pièces sont loin d’être superposables, mais elles partagent tant de caractéristiques formelles que l’on ne peut s’empêcher d’être troublé : car ce sont des œuvres dont le propos ne se suffit jamais à lui-même tant il est indissociable d’une conception visuelle.

Reste que la pièce se regarde avec plaisir. Elle a la particularité d’être représentée pour 50 % environ en français, le reste se partageant à peu près à égalité entre l’anglais et le mandarin, ce qui en fait une œuvre particulièrement cosmopolite. Elle se termine de manière amusante puisque trois fins possibles sont interprétées l’une derrière l’autre. J’ai regretté que les comédiens ne parviennent pas à conserver la même intonation pour les répliques communes aux trois fins : cela gâche un peu la magie de l’effet. Ce théâtre visuel est pourtant un théâtre de la précision.

“Le Nombril”

Comédie des Champs-Élysées, Paris • 30.1.11 à 16h30
Jean Anouilh (1981)

Mise en scène : Michel Fagadau. Avec Francis Perrin (Léon), Francine Bergé (Ardelle), Éric Laugérias (Gaston), Davy Sardou (Bernard), Jean-Paul Bordes (le Docteur), Christian Bouillette (le vieux déménageur), …

Il me semble que je n’avais jamais vu cette délicieuse pièce, la dernière écrite par Anouilh, semble-t-il, qui parvient à être à la fois une comédie affûtée sur l’égoïsme et une sorte de réflexion douce-amère d’un auteur dramatique à succès parvenu au crépuscule de sa vie.

Belle distribution menée par un Francis Perrin étonnant (le rôle avait été créé par Bernard Blier). Des petits problèmes de tempo apparus dans les premières minutes de la pièce disparaissent rapidement une fois les comédiens chauffés.

Michel Fagadau, une fois encore, propose une mise en scène intelligente et fluide dans un joli décor de Mathieu Lorry-Dupuy. Il utilise avec brio de très courtes ponctuations musicales pour marquer l’entrée ou la sortie de certains personnages. Et a décidé de manière fort appropriée de donner la pièce sans entracte.

“Un Fil à la patte”

Comédie-Française (Salle Richelieu), Paris • 27.12.10 à 20h30
Georges Feydeau (1894)

Mise en scène : Jérôme Deschamps. Avec Dominique Constanza (la Baronne), Claude Mathieu (Marceline), Thierry Hancisse (le Général), Florence Viala (Lucette), Céline Samie (Nini), Jérôme Pouly (Jean), Guillaume Gallienne (Chenneviette / Miss Betting), Christian Gonon (Firmin), Serge Bagdassarian (Fontanet), Hervé Pierre (Bois d’Enghien), Gilles David (Antonio), Christian Hecq (Bouzin), Georgia Scalliet (Viviane), Pierre Niney (Émile / l’Homme en retard), Jérémy Lopez (le Concierge / le Militaire)…

Confier Feydeau à Jérôme Deschamps n’est évidemment pas une garantie de sobriété dans la recherche des effets comiques, mais force est de constater que ce Fil à la patte est extrêmement réussi, bien cadencé, et que l’on y rit presque sans s’arrêter.

Alors que les premières minutes laissent un peu perplexe quant à la capacité des Comédiens Français à épouser le style comique requis de ce type de texte, on est vite conquis par la suite… et notamment par le style très physique de certaines prestations, tout particulièrement celle de Christian Hecq, qui doit perdre un bon kilo à chaque représentation tellement son Bouzin semble monté sur ressorts.

Si certains comédiens peinent plus que d’autres à trouver le bon ton (j’avoue ne pas avoir été emballé par la Baronne de Dominique Constanza), d’autres conquièrent instantanément le public par la fraîcheur de leur approche (irrésistible Céline Samie) ou par leur aisance comique (impayable Thierry Hancisse).

Mais pourquoi Dominique Constanza prend-elle cet air outragé pendant les saluts ?

“Novecento”

Trafalfar Studios (Studio 2), Londres • 20.11.10 à 15h
Alessandro Baricco, traduction de Ann Goldstein.

Mise en scène : Róisín McBrinn. Avec Mark Bonnar.

Je ne manque jamais une occasion de me confronter à ce sublime texte, découvert lors de la sortie de son adaptation cinématographique de 1998, La leggenda del pianista sull’oceano.

Texte intensément évocateur, d’une poésie fascinante, Novecento raconte l’histoire de Novecento, cet homme né sur un bateau où il a été abandonné, et qui devient un pianiste incomparable. Tout le talent de Baricco est d’ailleurs d’avoir pu donner corps à cet enchantement musical au moyen des seuls mots de ce monologue dit par l’un des musiciens du bateau, un trompettiste.

La mise en scène qu’en propose le Donmar Warehouse, installé pour l’occasion hors les murs dans le minuscule Studio 2 des Trafalgar Studios, est sidérante. Sidérante par l’intensité de la réalisation, qui s’appuie sur un décor génial et des effets sonores et lumineux particulièrement inspirés. Sidérante surtout par l’interprétation phénoménale de Mark Bonnar, un comédien tellement habité que l’on jurerait parfois voir dans ses yeux les scènes qu’il décrit.

Le passage le plus bouleversant est celui dans lequel Novecento, en pleine tempête, se met au clavier du piano à queue de la salle de bal du navire après en avoir déserré les freins. Il conduit alors le piano dans une sorte de danse fantastique cadencée par les embardées du navire. La réalisation en est absolument enthousiasmante.

“Driving Miss Daisy”

Golden Theatre, New York • 13.11.10 à 20h
Alfred Uhry (1987)

Mise en scène : David Esbjornson. Avec James Earl Jones (Hoke Coleburn), Vanessa Redgrave (Daisy Werthan), Boyd Gaines (Boolie Werthan).

Cette pièce de Alfred Uhry date de 1987. Elle a acquis une notoriété particulière grâce à la version cinématographique de 1989 avec Morgan Freeman et Jessica Tandy (Freeman avait créé la version théâtrale, aux côtés de Dana Ivey).

C’est un texte charmant et nostalgique qui mélange une réflexion douce-amère sur le temps qui passe avec quelques considérations pas très originales mais sincères sur les noirs et les juifs. C’est une pièce conçue pour mettre en valeur des comédiens hors pair ; c’est donc avec beaucoup de plaisir que l’on y retrouve les excellents James Earl Jones et Vanessa Redgrave dans les deux rôles principaux. Ils sont tous les deux assez vieux et tout n’est pas parfait… mais leur charisme et leur complicité font le reste.

Très belle prestation également de Boyd Gaines, dans une mise en scène très effacée, peut-être un peu trop.

“Le Roi se meurt”

Comédie des Champs-Élysées, Paris • 27.10.10 à 20h45
Eugène Ionesco (1962)

Mise en scène : Georges Werler. Avec Michel Bouquet, Juliette Carré, Sophie Artur, Christian Bouillette, Vanessa Fonte, Pierre Forest.

Hélas, la déception fut à la hauteur du plaisir que je ressentais à l’idée de voir Michel Bouquet, que j’adore, interpréter ce rôle merveilleux. Très vite, on sent que quelque chose ne va pas : lorsque Marguerite (la merveilleuse Juliette Carré) annonce “Sire, on doit vous annoncer que vous allez mourir”, Michel Bouquet reste silencieux. Oh, il a du métier, donc il meuble avec des grognements et des grimaces. Et les autres comédiens font ce qu’ils peuvent, allant jusqu’à dire ses répliques à sa place lorsque cela ne choque pas trop la vraisemblance dramatique.

Le plus triste, c’est que Bouquet semble être le seul à ne pas entendre la souffleuse, que l’on entend presque comme si elle était sur scène. De temps en temps, une réplique sort… et le comédien d’exception reprend le dessus. Mais, la plupart du temps, on lit dans les yeux de Bouquet que la panique s’installe : le texte se dérobe. Je n’arrive d’ailleurs plus à regarder, tellement la situation est douloureuse.

On tiendra ainsi une trentaine de minutes, en ayant sauté des pages entières du texte — ce qui ne doit d’ailleurs pas l’aider à retrouver le fil qu’il a perdu. Bouquet quitte la scène à un moment où la mise en scène le demande… et ne revient pas. On baisse le rideau, on nous demande de patienter quelques instants, on va chercher madame le médecin de service… puis on nous annonce que Michel Bouquet est trop fatigué pour poursuivre et l’on interrompt la représentation.

Il y a évidemment quelque chose de poignant à voir ainsi la vie réelle rejoindre le texte de la pièce. Sans sentimentalisme exagéré, le parallèle entre le roi qui ne veut pas reconnaître qu’il va mourir et le  comédien vieillissant qui présume peut-être un peu trop de ses forces est inévitable. À en juger par les conversations entendues autour de moi, une bonne partie du public n’a absolument pas vu le drame se dérouler. Certes, on s’attend volontiers à ce qu’un texte d’Ionesco soit inattendu et un peu décousu. Mais de là à ce que le personnage principal ne prononce aucune réplique de plus d’une phrase ?

Il faut espérer de tout cœur que Michel Bouquet ne soit victime que d’une méforme passagère et qu’il puisse reprendre très rapidement les représentations de cette pièce dans laquelle il doit être phénoménal.

“La Bête”

Comedy Theatre, Londres • 31.7.10 à 14h30
David Hirson (1991)

Mise en scène : Matthew Warchus. Avec Mark Rylance (Valere), David Hyde Pierce (Elomire), Joanna Lumley (la Princesse), Mark Rylance (Valère), Greta Lee (Dorine), Stephen Ouimette (Béjart), Sally Wingert (Madeleine Béjart), Robert Lonsdale (René du Parc), Lisa Joyce (Marquise-Thérèse du Parc), Michael Milligan (de Brie), Liza Sadovy (Catherine de Brie).

Curieux opus que cette pièce en vers de 1991, reprise ici à Londres avant de se transporter à New York — c’est du moins le projet officiel — à l’automne. L’affiche fait fort au rayon vedettes avec la présence de David Hyde Pierce (le Niles de la série Frasier, également créateur du rôle de Cioffi dans Curtains) et Joanna Lumley (la Purdey de The Avengers, la Patsy de Absolutely Fabulous, déjà vue sur scène à Sheffield).

La pièce n’est pourtant pas très bonne… et on n’est pas si surpris qu’elle ait tenu l’affiche moins d’un mois lors de sa création à Broadway. Le thème est assez simple : Elomire (anagramme de Molière) est l’auteur attitré de “la Princesse”, qui accueille sa troupe à sa cour. (Dans la version originale de la pièce, en 1991, ce n’était pas “la Princesse”, mais “le Prince Conti”… ce qui accentuait l’assimilation avec Molière, dont la troupe passa effectivement sous la protection du Prince Conti en 1653.) Mais voilà, la Princesse est éprise de nouveautés, et elle demande à Elomire de travailler avec Valère, un auteur / comédien vulgaire et populiste, amateur de farces bien grasses… aux antipodes du raffinement prisé par Elomire. On sent vite qu’il n’y aura pas assez de place pour les deux. (Là, la pièce s’écarte de l’Histoire car, outre le fait que Molière n’était peut-être pas si rétif que ça à la farce, ce n’est pas l’arrivée d’un nouvel auteur, mais une crise religieuse, qui éloignera Molière du Prince Conti.)

La pièce mérite d’être vue pour le sidérant monologue de près de 45 minutes qu’entame Valère à peine arrivé sur scène, sous les yeux médusés d’Elomire et de Béjart (encore un clin d’œil à Molière), qui n’arrivent pas à en placer une tandis que Valère éructe, se complaît dans l’auto-congratulation et fait étalage d’un tempérament bien grossier. La scène culmine quand Valère ouvre une porte dans l’immense bibliothèque qui entoure la scène sur trois côtés et se déculotte sans arrêter de parler pour utiliser les cabinets d’aisance. Numéro d’acteur exceptionnel de Mark Rylance, qui marquera sans doute durablement les mémoires.

Pour le reste, on ne peut pas dire que l’on trouve beaucoup de satisfaction à assister à la suite de l’histoire, assez prévisible. La Princesse, mise en position d’arbitrer, décide de ne pas choisir… ne laissant à Elomire, incapable d’imaginer le moindre compromis, d’autre choix que celui de quitter la cour, tandis que sa troupe, elle, décide de rester et de profiter du confort auquel elle s’est habituée.

Je ne suis pas très sûr de comprendre comment David Hyde Pierce et Joanna Lumley ont pu décider d’accepter des rôles assez mal servis par l’auteur et qui ont beaucoup de mal à exister à côté du tourbillon comique qui entoure chaque apparition de Valère. Je ne pense pas que la pièce tienne bien longtemps l’affiche à Broadway.

“Enron”

Noël Coward Theatre, Londres • 3.6.10 à 19h30
Lucy Prebble

Mise en scène : Rupert Goold. Avec Corey Johnson (Jeffrey Skilling), Paul Chahidi (Andy Fastow), Sara Stewart (Claudia Roe), Clive Francis (Ken Lay), …

Cette pièce de théâtre improbable met en scène la faillite mémorable d’Enron fin 2001 à la suite de l’un des plus grands scandales financiers de ces dernières années. Elle a été créée il y a un an environ au festival de Chichester, dans le Sussex, avant d’être représentée à Londres, où elle a été bien accueillie par la critique et par le public. Je n’avais en réalité pas vraiment l’intention d’aller la voir, mais ma curiosité a été éveillée par le fait que la musique originale composée pour la pièce par Adam Cork (déjà remarqué pour son travail sur The Cherry Orchard et sur Madame de Sade) a été “nominée” pour un Tony Award à Broadway, où la pièce a été représentée pendant un mois avant de fermer ses portes, victime d’une très faible fréquentation.

Enron est la deuxième pièce seulement d’une jeune auteure, Lucy Prebble. Le programme se sent obligé de proposer deux pages de lexique visant à décrypter des expressions comme mark-to-market ou special purpose entity. Bien inutilement à mon sens, car la pièce est d’une clarté totale sur les mécanismes terrifiants qui ont conduit à la faillite de l’entreprise. Et ces mécanismes sont à peu près aussi effroyables que l’observation d’une foule à la dérive dans un stade de football.

Enron pointe du doigt avec une acuité étonnante des phénomènes que nous avons tous observés à un moment ou à un autre : la foi irrationnelle dans l’implacable logique du “marché”, la facilité avec laquelle des hommes pourtant intelligents en viennent à croire à la réalité de phénomènes économiques totalement virtuels, l’obstination avec laquelle ces mêmes hommes intelligents ignorent des signaux d’alarme pourtant évidents, le rôle incroyablement ambigu et le comportement moutonnier des analystes financiers, le nivellement par le bas de l’intelligence collective, etc.

Critique facile sur des thèmes éculés ? Peut-être… si ce n’est que le talent de Prebble est d’avoir réussi à illustrer de manière assez magistrale comment des épisodes individuellement compréhensibles peuvent conduire, mis bout à bout, à l’une des aventures les plus aberrantes de l’histoire économique. Ça commence lorsque Ken Lay, le fondateur historique d’Enron, préfère pour lui succéder un homme obsédé par les transactions financières sur produits dérivés à une femme (y aurait-il un message ?) uniquement préoccupée de construire des usines et des pipelines pour conquérir de nouveaux marchés. Et ça ne s’arrête plus… jusqu’à la chute, tandis que le cours de l’action Enron défile inexorablement sur le fond du décor.

Tout cela est remarquablement interprété et superbement mis en scène… et ça fait drôlement réfléchir. La musique contribue grandement à créer cette atmosphère aussi exaltée qu’elle est pesante. Il y a même quelques numéros chantés : on n’est pas si loin de la comédie musicale.

“Mrs. Warren’s Profession”

Comedy Theatre, Londres • 8.5.10 à 19h30
George Bernard Shaw (1893).

Mise en scène : Michael Rudman. Avec Felicity Kendal (Mrs. Warren), Lucy Briggs-Owen (Vivie), David Yelland (Crofts), Eric Carte (Reverend Samuel Gardner), Mark Tandy (Praed) Max Bennett (Frank).

Belle occasion de voir pour la première fois cette pièce de Shaw, connue pour avoir osé traiter du sujet de la prostitution en plein puritanisme victorien. On ne peut pas dire que le texte soit immortel, mais la qualité de l’interprétation et les superbes décors de Paul Farnsworth permettent de passer un excellent moment.

“Shirley Valentine”

Menier Chocolate Factory, Londres • 2.5.10 à 15h30
Willy Russell (1986)

Mise en scène : Glen Walford. Avec Meera Syal (Shirley Valentine Bradshaw).

Rien n’égale l’expérience consistant à arriver dans un théâtre pour voir une pièce dont on ignore tout et à en ressortir en tremblant d’émotion.

La Menier Chocolate Factory présente actuellement en alternance deux pièces de Willy Russell : Educating Rita, dont j’ai parlé il y a deux jours, et cette Shirley Valentine, dont je ne connaissais rien. Il s’agit d’une pièce pour un unique personnage, une femme au foyer de 42 ans qui se rend compte soudain que sa vie lui a échappé sans qu’elle s’en aperçoive. Le thème n’est pas très original, mais l’écriture de Russell, qui manie extrêmement bien la comédie à double tranchant, rend le monologue incisif et poignant.

D’autant qu’il est confié à une comédienne vraiment attachante, la belle et touchante Meera Syal, qui infuse beaucoup de nostalgie dans le texte et qui mène de manière très convaincante son personnage dans son voyage vers un renouveau salvateur… voyage d’ailleurs à la fois psychologique et géographique.

C’est le premier acte, cependant, qui constitue l’apogée de la pièce tant l’écriture y est intelligente et acérée. Le rire n’est jamais aussi efficace que lorsqu’il révèle la souffrance : Russell est incontestablement un maître du genre.

“Private Lives”

Vaudeville Theatre, Londres • 1.5.10 à 14h30
Noël Coward (1930)

Mise en scène : Richard Eyre. Avec Kim Cattrall (Amanda), Matthew Macfadyen (Elyot), Lisa Dillon (Sybil), Simon Paisley Day (Victor), Caroline Lena Olsson (Maid).

Private Lives marque un apogée du genre de la comédie au 20ème siècle : cinq ans après leur divorce, Amanda et Elyot se retrouvent accidentellement logés dans dans deux suites voisines d’un hôtel deauvillais alors que chacun célèbre sa lune de miel avec son nouvel époux. L’attraction mutuelle fait rapidement surface et la pièce se dirige inéluctablement vers la farce et le chaos.

Œuvre la plus connue de Noël Coward, Private Lives repose sur un fourmillement de répliques plus acérées les unes que les autres. Avec le bon quatuor de comédiens, elle peut déclencher un irrésistible feu d’artifices comique. C’est le cas ici avec cette excellente distribution menée par Kim Cattrall (la Samantha de Sex and the City, qui est native de Liverpool… et dont la voix est curieusement aiguë) et Matthew Macfadyen (l’excellent Darcy de la récente adaptation cinématographique de Pride & Prejudice). Le casting, crucial, des rôles secondaires est tout aussi réussi, avec la Sybil de Lisa Dillon (déjà croisée dans une pièce de Coward, Present Laughter) et Simon Paisley Day (vu récemment dans une pièce qui doit peut-être plus à Coward qu’on ne pourrait le penser à première vue, l’excellent Entertaining Mr Sloane de Joe Orton).

La mise en scène de Richard Eyre est très physique et n’hésite pas à en rajouter sur le plan visuel. Il joue ainsi plusieurs fois à la frontière dangereuse du manque de subtilité et de l’efficacité comique, mais il réussit son coup neuf fois sur dix. On ressort ravi d’avoir autant ri de bon cœur, quasiment sans interruption.