Paris – Broadway

“Ruddigore, or The Witch’s Curse”

Barbican Theatre, Londres • 26.11.11 à 19h15
Musique : Arthur Sullivan. Livret & lyrics : William Schwenck Gilbert.

Opera North Orchestra, John Wilson. Mise en scène : Jo Davies. Avec Amy Freston (Rose Maybud), Gillene Herbert (Zorah), Anne-Marie Owens (Dame Hannah), Grant Doyle (Robin Oakapple / Sir Ruthven Murgatroyd), Richard Angas (Old Adam Goodheart), Hal Cazalet (Richard Dauntless), Heather Shipp (Mad Margaret), Richard Burkhard (Sir Despard Murgatroyd), Steven Page (Sir Roderic Murgatroyd), …

Une occasion en or d’entendre l’une des plus belles opérettes de Gilbert & Sullivan interprétée dans des conditions exceptionnelles sous les auspices de la troupe ambulante Opera North et sous la baguette du génial John Wilson, pour lequel j’admets une admiration inconditionnelle en raison de ses concerts annuels (2009, 2010, 2011) aux Proms.

Difficile de trouver quoi que ce soit à redire à cette sympathique entreprise : l’œuvre est interprétée avec esprit et enthousiasme par une troupe irréprochable, dans laquelle on remarque particulièrement l’excellent Dick Dauntless de Hal Cazalet. La mise en scène réussit à se débrouiller fort honnêtement de moyens manifestement limités, notamment lorsqu’il faut donner vie aux ancêtres morts qui sortent de leurs portraits respectifs à l’acte 2.

La musique est évidemment interprétée de manière superlative sous la baguette infaillible de John Wilson. L’orchestre d’Opera North trouve le ton idéal pour rendre justice aux accents de la musique de Sullivan, parfois aussi acérés que l’humour du livret de Sullivan. On note tout particulièrement l’excellente prestation du trompette solo, Murray Greig.

“Un de la Canebière”

Théâtre 14, Paris • 1.3.11 à 20h30
Musique : Vincent Scotto (1935). Lyrics : René Sarvil. Livret : Henri Alibert.

Adaptation et mise en scène : Frédéric Muhl Valentin. Avec Cristos Mitropoulos (Toinet), Léo Guillaume (Girelle), Marc Pistolesi (Pénible), Barthélémy Giulj (Bienaimé des Accoules), Benjamin Falletto (Maître d’Hôtel / Garopouloff), Mathieu Becquerelle (Manosque), Lucile Pessey (Francine), Sonia Pintor i Font (Malou), Laure Dessertine (Margot), Edwige Pellissier (Clarisse).

J’allais voir ce spectacle sans attente particulière, heureux de voir enfin sur scène cette célèbre “opérette marseillaise” de Vincent Scotto, qui a légué pas mal de chansons au répertoire populaire.

Ce fut donc une délicieuse surprise de découvrir une production pleine de malice et d’énergie, montée par Les Carboni, une “troupe de théâtre forain”, et qui s’est semble-t-il distinguée lors du dernier Festival d’Avignon. Quelques accessoires et effets de lumière font office de décor. L’interprétation prend de légères distances par rapport au texte, mais sans jamais le trahir et en conservant de bout en bout une forme de finesse presque étonnante. Les comédiens sont remarquablement dirigés ; mention spéciale à Marc Pistolesi, dont le Pénible est un bonheur de bout en bout.

C’est intelligent, léger et élégant. Et d’autant plus agréable que les arrangements musicaux, réécrits pour un trio de jazz (augmenté d’une guitare), sont exquisément entraînants. Bravo.

“Ô mon bel inconnu”

Opéra Comique, Paris • 20.1.11 à 20h
Raynaldo Hahn (1933). Livret de Sacha Guitry.

Orchestre des lauréats du Conservatoire national supérieur de musique de Paris, Emmanuel Olivier. Mise en scène : Emmanuelle Cordoliani. Avec Arnaud Guillou (Prosper Aubertin), Cécilé Achille (Antoinette), Estelle Lefort (Marie-Anne), Blandine Folio Peres (Félicie), Safir Behloul (Lallumette / Jean-Paul), Nicolas Certenais (Xavier / Victor), Florent Baffi (Claude Aviland).

“Der Bettelstudent”

StadtTheater, Klagenfurt • 7.1.11 à 19h30
Karl Millöcker (1882). Livret de Friedrich Zell & Richard Genée, d’après notamment Fernande de Victorien Sardou et The Lady of Lyons de Edward Bulwer-Lytton. Dialogues revus par Emmy Werner pour cette production.

Direction musicale : Mitsugu Hoshino. Mise en scène : Emmy Werner. Avec Kurt Schreibmayer (Colonel Ollendorf), Daniel Prohaska (Symon Rymanowicz), Erwin Belakowitsch (Jan Janicki), Torsten Frisch (Enterich), Martin Leitner (Piffke), Gerhard Kuschej (Puffke), Stefan Bischoff (von Richthofen), Gisela Ehrensperger (Palmatica, Comtesse Nowalska), Frauke Schäfer (Laura Nowalska), Simona Eisinger (Bronislawa), Franz Wyzner (Onuphrie), Thomas Tischler (Bogumil Malachowski), Dorothea Zimmermann (Eva), Jens Schnarre (von Wangenheim), Florian Claus (von Schweinitz), Erik Göller (von Henrici).

Le magnifique théâtre de Klagenfurt offre l’opportunité trop rare d’entendre l’un des joyaux du répertoire de l’opérette, Der Bettelstudent, du Viennois Karl Millöcker. Une œuvre qui fit la fortune de son auteur et qui fit le tour du monde, même si elle est aujourd’hui moins célèbre que les opérettes de Johan Strauss II ou de Gilbert & Sullivan, dont elle est contemporaine. (Millöcker est enterré au Zentralfriedhof de Vienne : voici la photo de sa tombe, prise lors d’une visite en 2008.)

Le théâtre a mis les petits plats dans les grands en proposant une production à grande échelle, avec un orchestre au grand complet (l’excellent Kärtner Sinfonieorchester) et une distribution nombreuse. La plupart des chanteurs sont issus de la troupe permanente du théâtre : ils sont globalement de bon niveau, même si les premiers rôles ont un peu de mal avec les passages les plus difficiles, notamment les fréquentes montées dans l’aigu.

Mais cela n’empêche en rien la représentation d’être un vrai plaisir tant la partition de Millöcker est charmante. Elle regarde fréquemment du côté de la valse, de la polka, de la polonaise… et elle enchante par son irrésistible contenu mélodique.

Le public ne s’y est pas trompé : le spectacle se joue à guichet fermé.

“The Mikado”

Barbican Hall, Londres • 2.1.11 à 15h
Musique : Arthur Sullivan (1885). Livret : W. S. Gilbert.

London Concert Orchestra & Chorus, Richard Balcombe. Mise en scène : Alistair McGowan. Avec Alistair McGowan (le Mikado), Oliver White (Nanki-Poo), Richard Suart (Ko-Ko), Bruce Graham (Pooh-Bah), Giles Davies (Pish-Tush), Charlotte Page (Yum-Yum), Sophie-Louise Dann (Pitti-Sing), Anna Lowe (Peep-Bo), Jill Pert (Katisha).

Je finis en beauté cette série des représentations organisées par le producteur Raymond Gubbay avec une version concert (mais mise en scène) du chef d’œuvre de Gilbert & Sullivan, l’une des opérettes les plus délicieuses du répertoire, The Mikado or, The Town of Titipu.

On pourrait difficilement rêver de meilleures conditions : l’orchestre est sur scène, ce qui permet à la somptueuse musique de Sullivan de s’épanouir bien mieux que lorsque les musiciens sont placés au fond d’une fosse ; les chœurs sont installés au-dessus de l’orchestre et chantent sans bouger, ce qui leur permet de se concentrer sur la musique ; les solistes, à l’exception de Jill Pert, sont tous excellents.

Ils sont également excellents comédiens, notamment Richard Suart, qui joue depuis des années le rôle de Ko-Ko, à qui revient la célèbre chanson à liste “As some day it may happen”, qu’il est de tradition d’actualiser en fonction des événements du jour. Tout le monde en prend pour son grade.

Du coup, on vogue de sommet en sommet, grâce à une interprétation magnifiquement attentive, joliment guidée par un Richard Balcombe très inspiré. Les nombreux numéros à plusieurs voix sont tous exquisement mis en place. On en reprendrait bien.

“La Belle Hélène”

Opéra de Marseille • 26.12.10 à 14h30
Jacques Offenbach (1864). Livret de Meilhac et Halévy.

Direction musicale : Nader Abbassi. Mise en scène : Jérôme Savary, recréée par Frédérique Lombart. Avec Mireille Delunsch (Mireille Delunsch), Alexander Swan (Pâris), Christine Tocci (Oreste), Éric Huchet (Ménélas), Marc Barrard (Agamemnon), Francis Dudziak (Calchas), Jacques Lemaire & Dominique Côté (les deux Ajax), Till Fechner (Achille)…

Les mises en scène de Jérôme Savary semblent plus supportables lorsque Savary n’est pas présent. La version de ce chef d’œuvre d’Offenbach que propose l’Opéra de Marseille pour les fêtes de fin d’année est excessivement divertissante ; j’ai souvenir d’avoir vu la même mise en scène à la Salle Favart et je m’y étais beaucoup moins diverti.

La distribution est honnête, même si Mireille Delunsch n’a pas le grain de folie d’une Felicity Lott. C’est de la fosse que viennent les plus grands plaisirs : Nader Abbassi, déjà remarqué dans Hamlet, fait preuve d’une grande intelligence de la partition et, une fois encore, il obtient de l’Orchestre de l’Opéra de Marseille une prestation remarquable.

“Phi-Phi”

Théâtre de l’Athénée – Louis-Jouvet, Paris • 22.12.10 à 20h
Musique : Henri Christiné (1918). Livret : Albert Willemetz et Fabien Sollar.

Direction musicale : Christophe Grapperon. Mise en scène : Johanny Bert. Avec Gilles Bugeaud (Phidias, dit Phi-Phi), Emmanuelle Goizé (Madame Phidias), Olivier Hernandez (Ardimédon), Lara Neumann (Aspasie), Antoine Sastre (Le Pirée)…

Le spectacle annuel de la Compagnie Les Brigands revient aux sources en présentant l’un des plus grands chefs d’œuvre de la comédie musicale à la française, Phi-Phi. Et il n’y a pas de doute : musicalement, on vogue de sommet en sommet avec les extraordinaires chansons de Christiné et Willemetz… même si l’orchestre n’est pas vraimet impeccable.

La mise en scène proposée, qui utilise des marionnettes, est extrêmement originale et inattendue sur le plan visuel. Elle est aussi un peu intellectuelle et prive la pièce d’un premier degré qui lui ferait le plus grand bien. Je suis un peu resté sur ma faim.

“Au Temps des croisades”

Théâtre de l’Athénée – Louis-Jouvet, Paris • 23.12.09 à 20h
Claude Terrasse (1901). Livret : Franc-Nohain.

Direction musicale : Christophe Grapperon. Mise en scène : Philippe Nicolle. Avec Gilles Bugeaud (Hippolyte), Olivier Dureuil (Patrick), Anne-Lise Faucon (Karine), Emmanuelle Goizé (Corinne), Olivier Hernandez (Thierry), Flannan Obé (Didier), Charlotte Saliou (Bertrade), Valérie Véril (une servante), Jacques Ville (Adalbert).

Une production d’une telle indigence que je préfère m’abstenir de commenter. Et dire qu’il y a eu une époque où pour rien au monde je n’aurais manqué un spectacle de la compagnie Les Brigands…

“Friederike”

Opéra Berlioz, Montpellier • 31.7.09 à 21h
Franz Lehár (1928), livret de Ludwig Herzer et Fritz Löhner-Beda

Orchestre National de Montpellier Languedoc-Roussillon, Lawrence Foster. Avec Nicola Beller Carbone (Friederike), Marius Brenciu (Goethe), Yves Saelens (Lenz), Mirjam Neururer (Salomea)…

Belle idée de la part du Festival de Montpellier que de proposer en deuxième partie de cette soirée de clôture une version concert de ce singspiel rarement entendu du génial Franz Lehár (et dont, par coïncidence, un enregistrement a priori alléchant — avec Klaus Florian Vogt en Goethe — est annoncé chez CPO dans quelques jours). Les dialogues ont été supprimés et remplacés par un récit ânonné sans beaucoup d’inspiration par une comédienne dont le programme de salle choisit sagement d’omettre le nom. 

La partition de Lehár est d’une impressionnante richesse mélodique et elle reste le plus souvent dans le registre de la ballade, même si la valse et la polka font de discrètes mais remarquées apparitions. Le grand air de tristesse de l’héroïne dans le deuxième acte, “Warum hast du mich wachgeküsst?”, est une petite merveille, à la fois pour son invention mélodique et pour le somptueux accompagnement orchestral en secondes descendantes, d’une tristesse infinie. (Il a d’ailleurs été enregistré par Barbara Hendricks sur son CD d’airs d’opérettes, avec… un certain Lawrence Foster. La version anglaise, “Why Did You Kiss My Heart Awake?”, est très présente sur les anthologies d’opérette.)

Interprétation très honnête dans l’ensemble, quoique le pauvre Marius Brenciu (déjà aperçu en Lenski dans un Eugène Onéguine bien peu convaincant) glace régulièrement les sangs des spectateurs avec ses aigus mal assurés. Lawrence Foster et l’Orchestre National de Montpellier réservent des égards immenses à la partition — peut-être un peu trop, d’ailleurs, par moments : la polka en perdrait presque sa charmante rusticité.

“La Cour du roi Pétaud”

Théâtre de l'Athénée – Louis-Jouvet, Paris • 20.12.08 à 20h
Musique : Léo Delibes (1869). Livret : Adolphe Jaime et Philippe Gille.

Compagnie Les Brigands. Direction musicale : Christophe Grapperon. Mise en scène : Jean-Philippe Salério. Avec Rodolphe Briand (Le roi Pétaud VIII), Flannan Obé (Volteface), Emmanuelle Goizé (Le prince Léo), Mélody Louledjian (Girandole), Vincent Deliau (Alexibus XXIV), Jean-Philippe Catusse (Tournebride), Gilles Favreau (Zéro), Claire Delgado-Boge (Mademoiselle de Formerose), Olivier Hernandez/François Rougier (Pitois), Estelle Kaïque (Madame de la Pinchette), Xavier Mauconduit (Corbillon), Camille Slosse/Marie-Bénédicte Souquet (Madame de Bois-pigeon), Ainhoa Zuazua Rubira (Mademoiselle de Belleausoir).

Cet opéra-bouffe de Léo Délibes, connu aujourd’hui surtout pour ses ballets (Coppélia) ou pour Lakmé, est un petit délice. La partition (ici très joliment orchestrée pour une formation réduite par Thibault Perrine) est charmante et le livret est plein d’esprit. Certes il est possible que certaines références historiques nous échappent — notamment les gentilles pointes contre Napoléon III —, mais le programme de salle aide bien à remettre à l’œuvre en contexte.

Je n’avais pas été tendre avec la dernière production des Brigands (ici), mais tout ce qui m’avait agacé l’année dernière a disparu ici : la mise en scène est inspirée ; le texte et la partition sont respectés (même si j’imagine que la citation du fameux “Air des clochettes” de Lakmé n’est pas d’origine puisqu’elle est anachronique) ; les interprètes font montre d’une relative sobriété qui ne sert que mieux le rythme du livret et le tempo, fort inspiré, de la mise en scène.

En bref, cette production présente toutes les qualités que l’on aime lorsque Les Brigands sont inspirés. Pourvu qu’ils continuent à ressusciter tous ces chefs d’œuvre oubliés.

“La Generala”

Théâtre du Châtelet, Paris • 27.5.08 à 20h

[billet en préparation]

“The Merry Widow”

Coliseum (English National Opera), Londres • 10.5.08 à 18h30
La Veuve joyeuse. Franz Lehár (1905). Livret de Viktor Léon et Leo Stein, d’après L’Attaché d’embassade d’Henry Meilhac. Adaptation en anglais de Jeremy Sams.

Direction musicale : Oliver von Dohnányi. Mise en scène : John Copley. Avec Michelle Walton (Hanna Glawari), John Graham-Hall (le Comte Danilo Danilowitsch), Richard Suart (le Baron Mirko Zeta), Alfie Boe (Camille de Roussillon), Fiona Murphy (Valencienne), Hal Cazalet (le Vicomte Cascada), Daniel Hoadley (Raoul de St Brioche), Roy Hudd (Njegus)…

Il est toujours un peu déroutant de se souvenir que La Veuve joyeuse (enfin, Die lustige Witwe, plus précisément) a été créée — au vénérable Theater an der Wien de Vienne — trois semaines après la première du Salome de Strauss au Hofoper de Dresde. Mais la musique de Lehár est un total enchantement. D’une certaine façon, elle redonne vie à un genre, l’opérette, qui commençait à donner de sérieux signes de faiblesse.

Cette toute nouvelle production de l’English National Opera est une réussite sur bien des plans : superbe direction musicale du chef slovaque Oliver von Dohnányi, qui éclaire la voluptueuse sensualité de la partition de Lehár ; magnifique adaptation de Jeremy Sams, riche en ressorts comiques et qui sait se faire délicieusement poétique par moments ; belle mise en scène pleine d’énergie, qui sert habilement tous les registres, y compris la farce avec la chanson “Quite Parisian” de Njegus au troisième acte, dans laquelle le comédien Roy Hudd fait des étincelles. Tout cela est indicutablement plus réussi qu’à l’Opéra de Lyon dans la désastreuse “adaptation” de Macha Makeïeff.

Belle distribution de manière générale : on y retrouve Richard Suart, récemment vu dans The Mikado, et Alfie Boe, vu dans Kismet. Le rôle de Hanna Glawari devait être tenu par Amanda Roocroft mais celle-ci, souffrante, a été remplacée “au pied levé” par Michelle Walton, qui doit assurer la représentation du 21 mai. Bilan : onze jours plus tôt, elle est déjà parfaitement prête. Quant à Danilo, il est interprété avec beaucoup de finesse par un John Graham-Hall qui se révèle très bon comédien en plus d’être bon chanteur.

Notre plaisir serait sans borne si l’acoustique du Coliseum ne se révélait une fois de plus parfaitement désastreuse. Les chanteurs portent des micros, mais je suis à peu près sûr qu’ils ne sont utilisés que pour les dialogues. Avec ou sans amplification, le résultat est épouvantablement mauvais. Cette salle est éprouvante.

“The Mikado”

English National Opera, Londres • 23.2.08 à 14h30
Arthur Sullivan (1885). Livret et lyrics : W. S. Gilbert.

Direction musicale : Wyn Davies. Mise en scène : Jonathan Miller, recréée par David Ritch. Avec Richard Suart (Ko-Ko), Robert Murray (Nanki-Poo), Sarah Tynan (Yum-Yum), Graeme Danby (Pooh-Bah), Frances McCafferty (Katisha), Richard Angas (Le Mikado), Richard Burkhard (Pish-Tush), Anna Grevelius (Pitti-Sing), Fiona Canfield (Peep-Bo)…

The Mikado occupe sans doute dans la culture populaire anglaise la place que La Vie parisienne occupe dans la culture française. Il faut dire que la partition de Gilbert & Sullivan est un véritable régal. (Pour ceux qui ne connaîtraient pas, une excellente introduction est fournie par le chef d’œuvre de Mike Leigh, Topsy-Turvy.)

Cela fait 20 ans que l’English National Opera ressort régulièrement cette production imaginée par Jonathan Miller, et dont l’affiche originale incluait rien moins que Eric Idle en Ko-Ko, Lesley Garrett en Yum-Yum et Felicity Palmer en Katisha (un enregistrement est disponible en DVD). C’est une production peu conventionnelle, transposant l’action dans un hôtel des années 1920 (magnifique décor entièrement blanc de Stefanos Lazaridis) et prenant quelques petites libertés que ne se permettent pas les productions plus “conventionnelles” comme celle de la compagnie Carl Rosa que j’avais vue il y a quelques années.

Le rôle principal de Ko-Ko est tenu par Richard Suart, qui est aussi bon comédien qu’il est bon chanteur. La première chanson de son personnage, intitulée “As Some Day It May Happen”, est l’une des plus célèbres “patter songs” de Gilbert & Sullivan. Ko-Ko y énumère les noms de ceux sur lesquels pourrait s’exercer son office de “Lord High Executioner”… si le besoin s’en faisait sentir. La chanson est d’ailleurs connue aussi sous deux autres noms qui sont des extraits des paroles : “I’ve Got a Little List” et “They’d None of ’em Be Missed”. La coutume veut que les paroles de cette chanson soient plus ou moins actualisées en fonction de l’actualité : Suart s’en prend ainsi indifféremment à Nigella Lawson (une reine de la cuisine télévisée), à Derek Conway (un député au centre d’un récent scandale d’emploi fictif au profit de son fils) et… à Facebook.

C’est, globalement, une belle réussite. Je trouve toujours l’acoustique du Coliseum (la salle de l’English National Opera) très sourde, mais j’ai pris un grand plaisir à cette représentation.

“Véronique”

Théâtre du Châtelet, Paris • 29.1.08 à 20h
André Messager (1898). Livret d’Albert Vanloo et Georges Duval, adapté par Benoît Duteurtre.

Ensemble Matheus, Jean-Christophe Spinosi. Mise en scène : Fanny Ardant. Avec Amel Brahim-Djelloul (Hélène Morange / Véronique), Dietrich Henschel (Florestan de Valaincourt), Ingrid Perruche (Agathe Coquenard), Doris Lamprecht (Ermerance de Champ d’Azur / Estelle), Laurent Alvaro (Gaston Coquenard), Gilles Ragon (Jacques Loustot), Patrice Lamure (Séraphin), Catherine Hosmalin (Tant Benoît)…

Pourrait-il y avoir production plus charmante de ce chef d’œuvre injustement oublié ? On est en droit d’en douter. Tous les choix de Fanny Ardant et de l’équipe à l’origine de la conception de ce spectacle se distinguent par leur pertinence et leur bon goût. À commencer par la distribution, tout simplement idéale — avec une très légère réserve pour Ingrid Perruche, dont la prononciation est perfectible. Tous les comédiens/chanteurs montrent le même engagement gagnant dans l’interprétation de leurs personnages et dans la mise en valeur de la délicieuse musique d’André Messager.

Le décor de Ian Falconer (auteur de nombreuses couvertures pour le New Yorker, dont une excellente série mettant en scène une petite dame en tailleur strict), mêlant éléments physiques et projections, est un enchantement. Les costumes de Dominique Borg sont un régal pour les yeux. Et la mise en scène de Fanny Ardant est presque miraculeusement juste dans son équilibre entre le respect dû à l’œuvre et l’alimentation de la comédie. On lui pardonne, du coup, l’absence d’âne sur scène pour “De-ci de-là…” L’escarpolette, elle, est bien là.

Dans la fosse, on a la confirmation que les baroqueux n’aspirent qu’à une chose : échapper à leur univers un peu monochrome. Après Minkowski devenu le champion d’Offenbach et Gardiner dans Chabrier, c’est donc au tour de Spinosi d’aspirer à plus de couleur en se mettant temporairement en congé de son interminable série d’œuvres de Vivaldi. Et le succès est total : la musique de Messager pourrait difficilement être présentée sous un meilleur jour, tant l’interprétation de l’Ensemble Matheus est exquise de bout en bout.

“Arsène Lupin banquier”

Théâtre de l’Athénée – Louis-Jouvet, Paris • 26.12.07 à 20h
Marcel Lattès (1930). Livret d’Yves Mirande. Lyrics d’Albert Willemetz et Charles-Louis Pothier.

Compagnie Les Brigands. Direction musicale : Christophe Grapperon. Mise en scène : Philippe Labonne. Avec Gilles Bugeaud (Arsène Lupin), Flannan Obé (Gontran), Alain Trétout (Legrand-Jolly), Gilles Favreau (Millepertuis), Loïc Boissier (Bourdin), Emmanuelle Goizé (Flo), Léticia Giuffredi ou Marie-Bénédicte Souquet (Francine), Isabelle Mazin (Liane / Mme Legrand-Jolly), Thomas Gornet (Claude).

Les Brigands continuent leur exploration du répertoire du théâtre musical français “de qualité” et consacrent une troisième production à une œuvre de Willemetz, après Ta Bouche (1922, musique Maurice Yvain) en 2004/2005 et Toi c’est moi (1934, musique de Moyses Simons) en 2005/2006. Si ces deux œuvres étaient relativement connues, cet Arsène Lupin, en revanche, est tombé fort injustement aux oubliettes. Car la partition de Marcel Lattès, disciple de Messager, est un régal… sans doute plus encore que celles des deux œuvres précitées.

Curieux sujet que se choisit cette comédie, qui voit le héros de Maurice Leblanc suspendre provisoirement ses activités pour venir en aide à une jeune-fille fort marrie de voir ses noces rendues incertaines par la déconfiture probable de la banque dirigée par son oncle. Le sang de Lupin ne fait qu’un tour : il se déguise pour prendre la place de l’oncle, Bourdin, et rétablit vite la situation. Si le livret d’Yves Mirande paraît parfois un peu paresseux, les chansons sont, elles, de la meilleure facture. Les lyrics de Willemetz et Pothier et la musique de Lattès se marient superbement dans leurs rythmes et leurs sonorités. Certaines pages instrumentales, comme le prélude du troisième acte, sont d’une beauté troublante qui les rendraient dignes du répertoire symphonique.

On ne sait que dire de la qualité de la production, qui oscille entre le “pas très bon” et le “plutôt moyen”. On est en permanence en équilibre sur la ligne jaune, mais on embarde plus souvent du mauvais côté que du bon. Le “look” de la production est pourtant très supérieur à ce à quoi Les Brigands nous avaient habitués, mais la distribution n’arrive à “porter” l’œuvre qu’imparfaitement et, surtout, certains choix de mise en scène laissent littéralement sans voix, notamment dans la présentation des chansons. Ils traduisent un manque de confiance phénoménal dans une œuvre pourtant solide, qui n’a pas besoin de ces procédés aussi contre-productifs que déplacés et insultants envers l’œuvre. Ça s’arrange heureusement un peu dans le troisième acte.

On n’est pas convaincu non plus par la performance de l’orchestre, qui ne semble pas très à l’aise et par une direction musicale qui a du mal à emmener tout le monde — chanteurs, musiciens — dans la même histoire. (On reconnaît dans l’orchestre plusieurs musiciens de l’Orchestre de chambre Pelléas, entendu la veille.) C’est dommage… mais on est reconnaissant malgré tout aux Brigands de nous permettre de redécouvrir ce répertoire disparu.

“Fisch-Ton-Kan” / “Une Éducation manquée”

Opéra-Comique, Paris • 25.12.07 à 20h
Emmanuel Chabrier (1865, 1879)

Orchestre de chambre Pelléas, Benjamin Lévy. Avec Olivia Doray (Hélène), Jennifer Tani (Goulgouly, Gontran), Vincent Ordonneau (Fisch-Ton-Kan), Ronan Nédélec (Poussah/Kakao 62, Pausanias).

Après L’Étoile (que je n’ai pas pu voir pour cause de gros rhume), l’Opéra-Comique nous propose de découvrir d’autres facettes de Chabrier avec ces deux opérettes assez mythiques : Fisch-Ton-Kan, paroles de Verlaine, d’après le vaudeville de Sauvage et Lurieu, dont l’orchestration originale est perdue et qui a donc été donnée dans une orchestration nouvelle de Thibault Perrine ; et Une Éducation manquée, livret d’Eugène Leterrier et Albert Vanloo (les librettistes de L'Étoile), dont un air n’est pas de Chabrier mais de Darius Milhaud, qui a fourni aussi plusieurs pages instrumentales, non représentées ici.

On est frappé tout de suite par le goût exquis de l’écriture de Chabrier, peut-être plus raffinée encore que dans la partition de L’Étoile. C’est particulièrement vrai dans Une Éducation manquée, absolument irrésistible, notamment dans l’écriture pour les bois.

Interprétation solide ; le baryton Ronan Nédélec se détache très nettement du lot par ses capacités interprétatives et la belle ampleur de sa voix. Benjamin Lévy, un protégé de Marc Minkowski (présent dans la salle), mène son monde avec un joli sens du rythme ; on observe cependant de temps en temps un certain décalage entre l’impulsion qu’il semble donner et le faible résultat obtenu.

En ouverture (et clôture… on n’en demandait pas tant) de programme, une nouvelle orchestration de La Bourrée fantasque par Thibault Perrine (Perrine comme Lévy sont liés à la compagnie Les Brigands, d’ailleurs issue à l’origine du Chœur des Musiciens du Louvre…) Le monde avait-il besoin d’une nouvelle orchestration de cette œuvre ? L’avenir le dira. Je suis trop attaché à la version pour piano pour me prononcer.

“Le Chanteur de Mexico”

Théâtre du Châtelet, Paris • 21.6.07 à 20h
Francis Lopez (1951). Paroles : Félix Gandéra, Maurice Lehmann, André Mouëzy-Eon, Berthe Poncet, Raymond Vincy, Henri Wernert. Livret revu par Agathe Mélinand.

Orchestre National d’Île-de-France, Fayçal Karoui. Mise en scène : Emilio Sagi. Avec Mathieu Abelli (Vincent), Rossy de Palma (Eva), Clotilde Courau (Cricri), Franck Leguérinel (Bilou), Jean Benguigui (Cartoni)…

J’avais fait sur ce spectacle des commentaires mitigés en septembre dernier. Cette deuxième représentation confirme les faiblesses horripilantes de la production : un livret qui part en quenouille dans le deuxième acte, une mise en scène qui multiplie les temps morts, un horrible décor noir qui plombe la plupart des visuels, une vedette féminine (Rossy de Palma) dont on ne comprend pas un traître mot, une autre (Clotilde Courau) qui chante comme une casserole…

Malgré tout, le spectacle fonctionne plutôt bien grâce à ses points forts, au premier rang desquels figure la superbe direction musicale de Fayçal Karoui, qui fait des merveilles avec la belle partition de Lopez (agrémentée des jolies orchestrations de Thibault Perrine). En outre, même si la mise en scène manque de rythme, elle sait se faire inventive, notamment dans le deuxième acte.

Et puis il y a l’étonnant Mathieu Abelli, dont je n’avais pas entendu dire que du bien, mais qui est pour moi le socle sur lequel repose le succès du spectacle. Abelli sait jouer la comédie ; il a une diction parfaite, et il interprète ses chansons de manière élégante et subtile, à mille lieux des maniérismes hispanisants dont son prédécesseur, Ismaël Jordi, entourait le rôle. Sa voix n’est pas très puissante, mais elle est racée, stylée et sait se faire envoûtante — son “Acapulco” était magnifique. Bref, il réalise un sans-faute, qui contribue beaucoup à rendre la soirée agréable.

“The Gondoliers”

Coliseum (English National Opera), Londres • 17.3.07 à 14h30
Arthur Sullivan (1889), livret de W. S. Gilbert.

Direction musicale : Murray Hipkin. Mise en scène : Martin Duncan. Avec Henry Goodman (the Duke of Plaza-Toro), Ann Murray (the Duchess of Plaza-Toro), Rebecca Bottone (Casilda), Robert Murray (Luiz), Donald Maxwell (Don Alhambra del Bolero), Sarah Tynan (Gianetta), Stephanie Marshall (Tessa), David Curry (Marco), Toby Stafford-Allen (Giuseppe)…

The Gondoliers est le dernier grand succès de Gilbert & Sullivan. La partition de Sullivan est délicieuse, comme toujours (l’ouverture à elle seule justifierait d’acheter un billet). Quant au livret, c’est un petit bijou bourré de trouvailles comiques et dont le contenu satirique est réjouissant.

Comme d’habitude avec l’English National Opera, il semble manquer quelque chose pour que la mayonnaise prenne totalement. Les premiers rôles sont pourtant irréprochables : Henry Goodman, vu pour la dernière fois dans Fiddler on the Roof à Sheffield, campe un duc de Plaza-Toro exubérant à souhait ; et c’est un plaisir de retrouver la délicieuse Ann Murray, la célèbre mezzo irlandaise, dans le rôle de la Duchesse. Donald Maxwell est un Grand Inquisiteur absolument truculent, tandis que les quatre jeunes tourtereaux montrent de réels talents pour la comédie comme pour le chant.

Non, c’est dans la mise en place générale que quelque chose ne colle pas. Service minimum du côté de la mise en scène, qui ne sait pas trop quoi faire d’un décor plutôt ingénieux mais qui paraît finalement assez raté. Il y a peu de direction d’acteurs, qui se contentent trop souvent d’entrer, de chanter et de ressortir. Et puis c’est le chœur, surtout, qui déçoit. Les choristes de l’ENO ne semblent pas à l’aise dans ce genre musical… et c’est dommage, car les dix premières minutes de la pièce reposent sur eux. Du coup, on met beaucoup de temps à se mettre dans l’ambiance.

“La Périchole”

Opéra-Comique, Paris • 9.3.07 à 20h
Jacques Offenbach (1868). Livret de Henri Meilhac et Ludovic Halévy, d’après une nouvelle de Prosper Mérimée. Version “comédie musicale” de Jérôme Savary et Gérard Daguerre.

Direction musicale : Gérard Daguerre. Mise en scène : Jérôme Savary. Avec Marc Laho (Piquillo), Sophie Haudebourg (La Périchole), Patrick Rocca (Don Leon de Ribeira), Sabine Jeangeorges, Nina Savary, Ariane Pirie (les trois cousines), Frédéric Longbois (Miguel de Panatellas), Denis Brandon (Don Pedro de Hinoyosa), Olivier Podestà (Premier notaire), Michel Dussarrat (Second notaire, Tarapote, Offenbach, le vieux Prisonnier)…

Ce n’est pas sans appréhension que je suis retourné voir cette version de La Périchole, que j’avais déjà vue à sa création en 2000 mais dont je ne me souvenais pas très bien. En effet, je trouve Savary irrégulier et ses excès potaches ne sont pas toujours à mon goût. En outre, cette Périchole est une adaptation “libre” de l’œuvre d’Offenbach, même si elle en respecte l’intrigue et la trame.

Le premier acte ne m’a gère rassuré, car il est un peu brouillon et croule sous des gags diversement réussis. Mais la suite m’a réconcilié avec Savary. C’est du bon théâtre, plein d’idées, bien rythmé et plutôt intelligent, qui se nourrit de gags visuels, de jeux de mots et de nombreux clins d’œil (à Offenbach, à Carmen, à l’actualité…) On sent également de la part de Savary un véritable et louable souci de ne jamais laisser retomber l’attention, de maintenir un tempo à peu près régulier.

Le talentueux Gérard Daguerre a réorchestré la partition d’Offenbach en incorporant des rythmes nouveaux (samba, gospel…) et, là aussi, quelques clins d’œil et citations. Le résultat est superbe, parfaitement en phase avec l’imagination scénique débridée de Savary. Les deux tableaux de can-can sont rondement et joliment menés tant du point de vue musical que du point de vue chorégraphique.

Parmi la distribution, on retrouve avec plaisir quelques valeurs sûres : le magnifique Patrick Rocca (dont la prestation dans la comédie musicale La Cage aux Folles à Mogador m’a laissé un souvenir inoubliable), l’irrésistible Ariane Pirie, le déjanté Michel Dussarrat…

C’est donc un spectacle plein de fantaisie et d’invention, mais aussi respectueux de sa source, que nous propose Savary. Du bon “divertissement populaire”, pour reprendre l’un de ses refrains. Chapeau.

“L’Amour masqué”

Grand Théâtre, Reims • 17.2.07 à 20h30
André Messager (1923). Livret et lyrics de Sacha Guitry.

Direction musicale : Christophe Talmont. Mise en scène : Bernard Pisani. Avec Caroline Mutel (Elle), Jean Dalric (Lui), Sophie Hervé et Lydia Mayo (les servantes), Bernard Pisani (le Baron d’Agnot), Jacques Gay (le Maharadjah), Franck Cassard (l’interprète)…

Rencontre du plus délicieux compositeur de musique légère et d’un librettiste au raffinement extrême, L’Amour masqué fut à sa création un triomphe pour la remarquable Yvonne Printemps (dont nous avons déjà eu l’occasion de parler ici). Cette production, originellement montée à Tours, rend à cette œuvre magnifique un hommage mérité et inspiré.

Dans un décor couvert de roses blanches, la mise en scène respectueuse et rythmée de Bernard Pisani tombe juste : en traitant L’Amour masqué avec respect mais sans révérence excessive, il en souligne toutes les qualités. Les alexandrins de Guitry sont exquis… et jouent merveilleusement avec les mots. La partition de Messager est un cocktail de bonheur sans cesse renouvelé, alliant irrésistibles mélodies et harmonies enchanteresses.

Joli travail de Christophe Talmont à la tête d’un orchestre qui parvient bien à se laisser aller dans l’insouciante élégance de la partition. Sur scène, l’interprétation est très correcte. Caroline Mutel fait du très bon travail dans le rôle principal. On retrouve toujours avec plaisir le fiable et efficace Franck Cassard, et on se régale de la belle voix de Jacques Gay, dont le rôle est malheureusement peu fourni.