Paris – Broadway

“Ciboulette”

Opéra-Comique, Paris • 18.2.13 à 20h
Musique : Reynaldo Hahn (1923). Livret : Robert de Flers et Francis de Croisset.

Orchestre symphonique de l’Opéra de Toulon, Laurence Equilbey. Mise en scène : Michel Fau. Avec Julie Fuchs (Ciboulette), Julien Behr (Antonin), Jean-François Lapointe (Duparquet), Jean-Claude Sarragosse (Grenu), Jérôme Deschamps (Olivier Métra), Eva Ganizate (Zénobie), Bernadette Lafont (Madame Pingret), Guillemette Laurens (la Mère Grenu), Ronan Debois (Roger), Michel Fau (la Comtesse de Castiglione), …

Beaucoup de choses détonnent, dans cette production du trop rare chef d’œuvre de Reynaldo Hahn : des chanteurs peu au fait du “style français”, une direction musicale sans génie, des lumières crépusculaires et glauques, une mise en scène qui accumule les maladresses, au point d’être totalement démissionnaire dans le troisième acte — plombé de surcroît par un malencontreux numéro de travesti bien mal avisé, …

Et pourtant… et pourtant… la partition de Hahn est une telle merveille qu’il est impossible de résister au charme considérable de cette musique si raffinée, si inventive… et si sublimement orchestrée. Certains passages, comme l’underscore qui accompagne les réminiscences de Duparquet avant qu’il n’attaque “C’est tout ce qui me reste d’elle…” laissent pantois d’admiration.

On note quelques belles prestations sur scène, notamment le Duparquet très solide de Jean-François Lapointe. Tout le monde semble prendre un grand plaisir à ressusciter ce chef d’œuvre oublié… Tant mieux, car Hahn est l’un des génies oubliés de la musique française… desservi, sans doute, par cette redoutable et ambiguë étiquette de compositeur d’opérette.

“Le Gros, la vache et le mainate”

Théâtre Comédia, Paris • 7.12.12 à 20h
Texte : Pierre Guillois. Musique : François Fouqué.

Mise en scène : Bernard Menez. Avec Pierre Vial, Jean-Paul Muel, Guillaume Bouchède, Grégory Gerreboo, Simon-Luca Oldani.

Comment décrire cette pièce en forme d’opérette déjantée sans en déflorer le charme ? En disant que les rebondissements s’y enchaînent à un rythme effréné, que c’est un bonheur de voir les vénérables Muel et Vial prendre autant de plaisir à jouer leurs rôles travestis, qu’on finit par ne plus chercher à savoir où va la pièce tant on s’enfonce avec bonheur dans cette spirale absurde et saugrenue.

“The Merry Widow”

Royal Festival Hall, Londres • 2.12.12 à 15h
Franz Lehár (1905). Livret : Viktor Léon et Leo Stein, d’après la pièce L’Attaché d’ambassade de Henri Meilhac. Le programme ne dit pas de qui est l’adaptation des paroles en anglais.

Philharmonia Orchestra, John Wilson. Mise en scène et narration : Simon Butteriss. Avec Claudia Boyle (Hanna Glawari), Daniel Prohaska (Count Danilo Danilowitsch), Alan Opie (Baron Mirko Zeta), Sarah Tynan (Valencienne), Nicholas Sharratt (Camille), Simon Butteriss (Njegus), Oliver Dunn (Vicomte Cascada), Anthony Gregory (Raoul de St Brioche), …

John Wilson

La même équipe qui avait concocté la délicieuse représentation de The Yeomen of the Guard il y a huit mois nous propose une irrésistible Veuve joyeuse, dans le même format et en anglais. Les dialogues ont été heureusement remplacés par une réjouissante narration écrite et dite par l’excellent Simon Butteriss, qui signe également la mise en scène. 

Après la lamentable production de l’Opéra de Paris, on atteint des sommets. Le Philharmonia se régale… et nous régale… avec la partition exquise et aérienne de Lehár, dirigée avec son talent habituel par le génial John Wilson qui, décidément, réussit tout ce qu’il entreprend. Les chanteurs sont déchaînés et le format compact évite habilement toute longueur.

Seul grief : la prise de son est tellement mal équilibrée que l’on n’entend parfois qu’à peine les chanteurs pendant le premier acte. Heureusement, tout s’arrange après l’entracte.

“Merrie England”

Finborough Theatre, Londres • 11.6.12 à 16h
Musique : Edward German (1902). Livret : Basil Hood.

Mise en scène : Alex Sutton. Direction musicale : Eamonn O’Dwyer. Avec Jamie Birkett (The May Queen), Nichola Jolley (Jill-All-Alone), Gemma Sandzer (Bessie Throckmorton), Virge Gilchrist (Queen Elizabeth I), Stuart Hickey (Big Ben), Christopher Killik (Long Tom), Daniel Cane (Walter Wilkins), Michael Riseley (Sir Walter Raleigh), Stephen Darcy (The Earl of Essex), Tom Giles (Silas Simkins), Alexander Beck (A Butcher), Luke Courtier (A Baker), Rhys Saunders (A Tinker), Brendan Matthew (A Tailor), Ruth Leavesley, Rachel Holbrook, Jody Ellen Robinson, Sammy Andrews, Rachel Holbrook.

Cela faisait plus de cinquante ans que Londres n’avait pas eu la chance de revoir cette opérette de 1902, dotée pourtant d’une partition somptueuse. Edward German est parfois considéré comme le successeur d’Arthur Sullivan. Comme lui, il a souffert de ne pas être reconnu pour des œuvres plus sérieuses. Mais je le trouve supérieur à Sullivan par la variété de l’inspiration mélodique, sa relative modernité et, surtout, la beauté confondante de son écriture chorale. Les numéros à deux, trois, quatre voix ou plus abondent… et ils sont tous superbes.

Le livret de Basil Hood, qui place l’action à la cour d’Elizabeth I, est un petit bijou bourré de traits d’esprit réjouissants. L’espèce de parodie “alphabétique” de Romeo and Juliet écrite pour le personnage de Walter Wilkins est un régal.

Production impeccable du petit Finborough Theatre, qui poursuit son œuvre de redécouverte de pages moins connues du théatre musical anglais. Mise en scène au cordeau, servie par une distribution fort jeune mais aussi très talentueuse — le Walter Winkins de Daniel Cane, notamment, est un triomphe comique permanent. À une exception près, les voix sont tout aussi remarquables, avec une mention spéciale pour la Bessie irrésistible de Gemma Sandzer (qui ne fait qu’une bouchée de la redoutable et magnifique chanson “She Had a Letter From Her Love”).

Il faut bien sûr se contenter d’un piano… malheureusement électrique… mais, devant autant de richesses, il serait mal venu de faire la fine bouche.

Et comme on célèbre le Jubilée de diamant d’Élisabeth II, celle-ci apparaît lors des saluts… sous la forme d’une silhouette en carton plus vraie que nature…

“The Yeomen of the Guard”

Royal Festival Hall, Londres • 15.4.12 à 15h
Arthur Sullivan (1888). Livret : William Schwenck Gilbert.

Philharmonia, John Wilson. Mise en scène : Simon Butteriss. Avec Steven Page (Sir Richard Cholmondely), Oliver White (Colonel Fairfax), Bruce Graham (Sergeant Meryll), Alexander Sprague (Leonard Meryll), Simon Butteriss (Jack Point), Richard Angas (Wilfred Shadbolt), Sarah Fox (Elsie Maynard), Heather Shipp (Phoebe Meryll), Jill Pert (Dame Carruthers), Rebecca Moon (Kate).

Quel plaisir d’entendre l’une des plus belles opérettes de Gilbert & Sullivan interprétée d’aussi belle manière ! The Yeomen of the Guard date de l’époque où Sullivan souhaitait laisser le souvenir d’un “grand” compositeur et il a soigné sa partition encore plus qu’à l’accoutumée, utilisant magnifiquement le deuxième basson et le troisième trombone qu’il avait obtenus de son producteur et allant exceptionnellement jusqu’à composer lui-même une sublime ouverture en forme sonate plutôt que de laisser un collaborateur réaliser l’habituel pot-pourri d’extraits de la partition.

John Wilson, que l’on avait déjà croisé récemment dans Gilbert & Sullivan avec Ruddigore, dirige l’excellent Philharmonia avec son talent habituel, tandis qu’on se régale de l’interprétation inspirée d’une distribution irréprochable de comédiens/chanteurs parfaitement dirigés par Simon Butteriss. C’est que, contrairement aux habituelles présentations en version concert, celle-ci est complètement mise en scène, et les interprètes sont en costume. Un régal.

“Die Lustige Witwe”

Palais-Garnier, Paris • 19.3.12 à 19h30
La Veuve joyeuse, Franz Lehár (1905). Livret de Victor Léon & Leo Stein, d’après Meilhac.

Direction musicale : Asher Fisch. Mise en scène : Jorge Lavelli. Avec Susan Graham (Hanna Glawari), Bo Skovhus (Graf Danilo Danilowitsch), Harald Serafin (Baron Mirko Zeta), Ana Maria Labin (Valencienne), Daniel Behle (Camille de Rosillon), Franz Mazura (Njegus), Francis Dudziak (Kromow), Francis Bouyer (Bogdanovitch), Claudia Galli (Sylviane), François Piolino (Raoul de St-Brioche), Edwin Crossley-Mercer (Vicomte Cascada), Andrea Hill (Olga), Fabrice Dalis (Pritschitsch), Michèle Lagrange (Praskowia), …

Mauvaise série… Cette représentation m’a plongé dans un ennui insondable. Lavelli semble vouloir chercher un second degré parfaitement inexistant dans une œuvre qui exige littéralité et légèreté décomplexée. Le décor indéchiffrable et caverneux, la scène largement vide et les éclairages crépusculaires donneraient presque le cafard. On n’arrive pas à se faire une opinion sur la prestation des chanteurs tant ils sont livrés à eux-mêmes, presque systématiquement à la face lorsqu’ils chantent leurs airs. La prestation de Bo Skovhus me confirme mon habituelle indifférence à son égard.

“Patience”

Union Theatre, Londres • 4.3.12 à 14h
Musique : Arthur Sullivan. Livret : W. S. Gilbert.

Mise en scène : Sasha Regan. Direction musicale (piano) : Richard Bates. Avec Edward Charles Bernstone (Patience), Stiofàn O’Doherty (Archibald Grosvenor), Dominic Brewer (Reginald Bunthorne), Sean Quigley (The Lady Jane), Matthew James Willis (The Duke of Dunstable), Thomas Heard (Major Murgatroyd), Edward Simpson (Colonel Calverley), James Lacey (The Lady Angela), Mark Gillon (The Lady Saphir), Matthew Markwick (The Lady Ella), Oliver Metcalfe (Maiden), William Whelton (Maiden), Daniel Bartlett (Maiden), Raymond Tait (Dragoon), Jarred Page (Dragoon), Gareth Andrews (Dragoon).

Le petit Union Theatre propose une production fort plaisante d’une opérette de Gilbert & Sullivan un peu moins connue que d’autres mais dotée d’une partition tout à fait exquise. Comme d’habitude, la mise en scène se débrouille fort bien de l’exiguïté des lieux… et la chorégraphie inventive du décidément talentueux Drew McOnie ajoute une touche d’originalité fort appréciable.

Reste une énigme : pourquoi diable avoir choisi de faire jouer tous les rôles par des hommes ? Ce n’est pas comme si Londres manquait de chanteuses capables de rendre justice au sublime chœur “Twenty Lovesick Maidens We” qui ouvre l’opérette. Ce n’est pas qu’ils chantent mal, non… mais entendre des hommes chanter deux heures en voix de fausset est un peu épuisant. (Le théâtre anglais aime bien les rôles travestis… On en trouve notamment dans les “pantos”, un genre assez incompréhensible pour les continentaux.)

“Ruddigore, or The Witch’s Curse”

Barbican Theatre, Londres • 26.11.11 à 19h15
Musique : Arthur Sullivan. Livret & lyrics : William Schwenck Gilbert.

Opera North Orchestra, John Wilson. Mise en scène : Jo Davies. Avec Amy Freston (Rose Maybud), Gillene Herbert (Zorah), Anne-Marie Owens (Dame Hannah), Grant Doyle (Robin Oakapple / Sir Ruthven Murgatroyd), Richard Angas (Old Adam Goodheart), Hal Cazalet (Richard Dauntless), Heather Shipp (Mad Margaret), Richard Burkhard (Sir Despard Murgatroyd), Steven Page (Sir Roderic Murgatroyd), …

Une occasion en or d’entendre l’une des plus belles opérettes de Gilbert & Sullivan interprétée dans des conditions exceptionnelles sous les auspices de la troupe ambulante Opera North et sous la baguette du génial John Wilson, pour lequel j’admets une admiration inconditionnelle en raison de ses concerts annuels (2009, 2010, 2011) aux Proms.

Difficile de trouver quoi que ce soit à redire à cette sympathique entreprise : l’œuvre est interprétée avec esprit et enthousiasme par une troupe irréprochable, dans laquelle on remarque particulièrement l’excellent Dick Dauntless de Hal Cazalet. La mise en scène réussit à se débrouiller fort honnêtement de moyens manifestement limités, notamment lorsqu’il faut donner vie aux ancêtres morts qui sortent de leurs portraits respectifs à l’acte 2.

La musique est évidemment interprétée de manière superlative sous la baguette infaillible de John Wilson. L’orchestre d’Opera North trouve le ton idéal pour rendre justice aux accents de la musique de Sullivan, parfois aussi acérés que l’humour du livret de Sullivan. On note tout particulièrement l’excellente prestation du trompette solo, Murray Greig.

“Un de la Canebière”

Théâtre 14, Paris • 1.3.11 à 20h30
Musique : Vincent Scotto (1935). Lyrics : René Sarvil. Livret : Henri Alibert.

Adaptation et mise en scène : Frédéric Muhl Valentin. Avec Cristos Mitropoulos (Toinet), Léo Guillaume (Girelle), Marc Pistolesi (Pénible), Barthélémy Giulj (Bienaimé des Accoules), Benjamin Falletto (Maître d’Hôtel / Garopouloff), Mathieu Becquerelle (Manosque), Lucile Pessey (Francine), Sonia Pintor i Font (Malou), Laure Dessertine (Margot), Edwige Pellissier (Clarisse).

J’allais voir ce spectacle sans attente particulière, heureux de voir enfin sur scène cette célèbre “opérette marseillaise” de Vincent Scotto, qui a légué pas mal de chansons au répertoire populaire.

Ce fut donc une délicieuse surprise de découvrir une production pleine de malice et d’énergie, montée par Les Carboni, une “troupe de théâtre forain”, et qui s’est semble-t-il distinguée lors du dernier Festival d’Avignon. Quelques accessoires et effets de lumière font office de décor. L’interprétation prend de légères distances par rapport au texte, mais sans jamais le trahir et en conservant de bout en bout une forme de finesse presque étonnante. Les comédiens sont remarquablement dirigés ; mention spéciale à Marc Pistolesi, dont le Pénible est un bonheur de bout en bout.

C’est intelligent, léger et élégant. Et d’autant plus agréable que les arrangements musicaux, réécrits pour un trio de jazz (augmenté d’une guitare), sont exquisément entraînants. Bravo.

“Ô mon bel inconnu”

Opéra Comique, Paris • 20.1.11 à 20h
Raynaldo Hahn (1933). Livret de Sacha Guitry.

Orchestre des lauréats du Conservatoire national supérieur de musique de Paris, Emmanuel Olivier. Mise en scène : Emmanuelle Cordoliani. Avec Arnaud Guillou (Prosper Aubertin), Cécilé Achille (Antoinette), Estelle Lefort (Marie-Anne), Blandine Folio Peres (Félicie), Safir Behloul (Lallumette / Jean-Paul), Nicolas Certenais (Xavier / Victor), Florent Baffi (Claude Aviland).

“Der Bettelstudent”

StadtTheater, Klagenfurt • 7.1.11 à 19h30
Karl Millöcker (1882). Livret de Friedrich Zell & Richard Genée, d’après notamment Fernande de Victorien Sardou et The Lady of Lyons de Edward Bulwer-Lytton. Dialogues revus par Emmy Werner pour cette production.

Direction musicale : Mitsugu Hoshino. Mise en scène : Emmy Werner. Avec Kurt Schreibmayer (Colonel Ollendorf), Daniel Prohaska (Symon Rymanowicz), Erwin Belakowitsch (Jan Janicki), Torsten Frisch (Enterich), Martin Leitner (Piffke), Gerhard Kuschej (Puffke), Stefan Bischoff (von Richthofen), Gisela Ehrensperger (Palmatica, Comtesse Nowalska), Frauke Schäfer (Laura Nowalska), Simona Eisinger (Bronislawa), Franz Wyzner (Onuphrie), Thomas Tischler (Bogumil Malachowski), Dorothea Zimmermann (Eva), Jens Schnarre (von Wangenheim), Florian Claus (von Schweinitz), Erik Göller (von Henrici).

Le magnifique théâtre de Klagenfurt offre l’opportunité trop rare d’entendre l’un des joyaux du répertoire de l’opérette, Der Bettelstudent, du Viennois Karl Millöcker. Une œuvre qui fit la fortune de son auteur et qui fit le tour du monde, même si elle est aujourd’hui moins célèbre que les opérettes de Johan Strauss II ou de Gilbert & Sullivan, dont elle est contemporaine. (Millöcker est enterré au Zentralfriedhof de Vienne : voici la photo de sa tombe, prise lors d’une visite en 2008.)

Le théâtre a mis les petits plats dans les grands en proposant une production à grande échelle, avec un orchestre au grand complet (l’excellent Kärtner Sinfonieorchester) et une distribution nombreuse. La plupart des chanteurs sont issus de la troupe permanente du théâtre : ils sont globalement de bon niveau, même si les premiers rôles ont un peu de mal avec les passages les plus difficiles, notamment les fréquentes montées dans l’aigu.

Mais cela n’empêche en rien la représentation d’être un vrai plaisir tant la partition de Millöcker est charmante. Elle regarde fréquemment du côté de la valse, de la polka, de la polonaise… et elle enchante par son irrésistible contenu mélodique.

Le public ne s’y est pas trompé : le spectacle se joue à guichet fermé.

“The Mikado”

Barbican Hall, Londres • 2.1.11 à 15h
Musique : Arthur Sullivan (1885). Livret : W. S. Gilbert.

London Concert Orchestra & Chorus, Richard Balcombe. Mise en scène : Alistair McGowan. Avec Alistair McGowan (le Mikado), Oliver White (Nanki-Poo), Richard Suart (Ko-Ko), Bruce Graham (Pooh-Bah), Giles Davies (Pish-Tush), Charlotte Page (Yum-Yum), Sophie-Louise Dann (Pitti-Sing), Anna Lowe (Peep-Bo), Jill Pert (Katisha).

Je finis en beauté cette série des représentations organisées par le producteur Raymond Gubbay avec une version concert (mais mise en scène) du chef d’œuvre de Gilbert & Sullivan, l’une des opérettes les plus délicieuses du répertoire, The Mikado or, The Town of Titipu.

On pourrait difficilement rêver de meilleures conditions : l’orchestre est sur scène, ce qui permet à la somptueuse musique de Sullivan de s’épanouir bien mieux que lorsque les musiciens sont placés au fond d’une fosse ; les chœurs sont installés au-dessus de l’orchestre et chantent sans bouger, ce qui leur permet de se concentrer sur la musique ; les solistes, à l’exception de Jill Pert, sont tous excellents.

Ils sont également excellents comédiens, notamment Richard Suart, qui joue depuis des années le rôle de Ko-Ko, à qui revient la célèbre chanson à liste “As some day it may happen”, qu’il est de tradition d’actualiser en fonction des événements du jour. Tout le monde en prend pour son grade.

Du coup, on vogue de sommet en sommet, grâce à une interprétation magnifiquement attentive, joliment guidée par un Richard Balcombe très inspiré. Les nombreux numéros à plusieurs voix sont tous exquisement mis en place. On en reprendrait bien.

“La Belle Hélène”

Opéra de Marseille • 26.12.10 à 14h30
Jacques Offenbach (1864). Livret de Meilhac et Halévy.

Direction musicale : Nader Abbassi. Mise en scène : Jérôme Savary, recréée par Frédérique Lombart. Avec Mireille Delunsch (Mireille Delunsch), Alexander Swan (Pâris), Christine Tocci (Oreste), Éric Huchet (Ménélas), Marc Barrard (Agamemnon), Francis Dudziak (Calchas), Jacques Lemaire & Dominique Côté (les deux Ajax), Till Fechner (Achille)…

Les mises en scène de Jérôme Savary semblent plus supportables lorsque Savary n’est pas présent. La version de ce chef d’œuvre d’Offenbach que propose l’Opéra de Marseille pour les fêtes de fin d’année est excessivement divertissante ; j’ai souvenir d’avoir vu la même mise en scène à la Salle Favart et je m’y étais beaucoup moins diverti.

La distribution est honnête, même si Mireille Delunsch n’a pas le grain de folie d’une Felicity Lott. C’est de la fosse que viennent les plus grands plaisirs : Nader Abbassi, déjà remarqué dans Hamlet, fait preuve d’une grande intelligence de la partition et, une fois encore, il obtient de l’Orchestre de l’Opéra de Marseille une prestation remarquable.

“Phi-Phi”

Théâtre de l’Athénée – Louis-Jouvet, Paris • 22.12.10 à 20h
Musique : Henri Christiné (1918). Livret : Albert Willemetz et Fabien Sollar.

Direction musicale : Christophe Grapperon. Mise en scène : Johanny Bert. Avec Gilles Bugeaud (Phidias, dit Phi-Phi), Emmanuelle Goizé (Madame Phidias), Olivier Hernandez (Ardimédon), Lara Neumann (Aspasie), Antoine Sastre (Le Pirée)…

Le spectacle annuel de la Compagnie Les Brigands revient aux sources en présentant l’un des plus grands chefs d’œuvre de la comédie musicale à la française, Phi-Phi. Et il n’y a pas de doute : musicalement, on vogue de sommet en sommet avec les extraordinaires chansons de Christiné et Willemetz… même si l’orchestre n’est pas vraimet impeccable.

La mise en scène proposée, qui utilise des marionnettes, est extrêmement originale et inattendue sur le plan visuel. Elle est aussi un peu intellectuelle et prive la pièce d’un premier degré qui lui ferait le plus grand bien. Je suis un peu resté sur ma faim.

“Au Temps des croisades”

Théâtre de l’Athénée – Louis-Jouvet, Paris • 23.12.09 à 20h
Claude Terrasse (1901). Livret : Franc-Nohain.

Direction musicale : Christophe Grapperon. Mise en scène : Philippe Nicolle. Avec Gilles Bugeaud (Hippolyte), Olivier Dureuil (Patrick), Anne-Lise Faucon (Karine), Emmanuelle Goizé (Corinne), Olivier Hernandez (Thierry), Flannan Obé (Didier), Charlotte Saliou (Bertrade), Valérie Véril (une servante), Jacques Ville (Adalbert).

Une production d’une telle indigence que je préfère m’abstenir de commenter. Et dire qu’il y a eu une époque où pour rien au monde je n’aurais manqué un spectacle de la compagnie Les Brigands…

“Friederike”

Opéra Berlioz, Montpellier • 31.7.09 à 21h
Franz Lehár (1928), livret de Ludwig Herzer et Fritz Löhner-Beda

Orchestre National de Montpellier Languedoc-Roussillon, Lawrence Foster. Avec Nicola Beller Carbone (Friederike), Marius Brenciu (Goethe), Yves Saelens (Lenz), Mirjam Neururer (Salomea)…

Belle idée de la part du Festival de Montpellier que de proposer en deuxième partie de cette soirée de clôture une version concert de ce singspiel rarement entendu du génial Franz Lehár (et dont, par coïncidence, un enregistrement a priori alléchant — avec Klaus Florian Vogt en Goethe — est annoncé chez CPO dans quelques jours). Les dialogues ont été supprimés et remplacés par un récit ânonné sans beaucoup d’inspiration par une comédienne dont le programme de salle choisit sagement d’omettre le nom. 

La partition de Lehár est d’une impressionnante richesse mélodique et elle reste le plus souvent dans le registre de la ballade, même si la valse et la polka font de discrètes mais remarquées apparitions. Le grand air de tristesse de l’héroïne dans le deuxième acte, “Warum hast du mich wachgeküsst?”, est une petite merveille, à la fois pour son invention mélodique et pour le somptueux accompagnement orchestral en secondes descendantes, d’une tristesse infinie. (Il a d’ailleurs été enregistré par Barbara Hendricks sur son CD d’airs d’opérettes, avec… un certain Lawrence Foster. La version anglaise, “Why Did You Kiss My Heart Awake?”, est très présente sur les anthologies d’opérette.)

Interprétation très honnête dans l’ensemble, quoique le pauvre Marius Brenciu (déjà aperçu en Lenski dans un Eugène Onéguine bien peu convaincant) glace régulièrement les sangs des spectateurs avec ses aigus mal assurés. Lawrence Foster et l’Orchestre National de Montpellier réservent des égards immenses à la partition — peut-être un peu trop, d’ailleurs, par moments : la polka en perdrait presque sa charmante rusticité.

“La Cour du roi Pétaud”

Théâtre de l'Athénée – Louis-Jouvet, Paris • 20.12.08 à 20h
Musique : Léo Delibes (1869). Livret : Adolphe Jaime et Philippe Gille.

Compagnie Les Brigands. Direction musicale : Christophe Grapperon. Mise en scène : Jean-Philippe Salério. Avec Rodolphe Briand (Le roi Pétaud VIII), Flannan Obé (Volteface), Emmanuelle Goizé (Le prince Léo), Mélody Louledjian (Girandole), Vincent Deliau (Alexibus XXIV), Jean-Philippe Catusse (Tournebride), Gilles Favreau (Zéro), Claire Delgado-Boge (Mademoiselle de Formerose), Olivier Hernandez/François Rougier (Pitois), Estelle Kaïque (Madame de la Pinchette), Xavier Mauconduit (Corbillon), Camille Slosse/Marie-Bénédicte Souquet (Madame de Bois-pigeon), Ainhoa Zuazua Rubira (Mademoiselle de Belleausoir).

Cet opéra-bouffe de Léo Délibes, connu aujourd’hui surtout pour ses ballets (Coppélia) ou pour Lakmé, est un petit délice. La partition (ici très joliment orchestrée pour une formation réduite par Thibault Perrine) est charmante et le livret est plein d’esprit. Certes il est possible que certaines références historiques nous échappent — notamment les gentilles pointes contre Napoléon III —, mais le programme de salle aide bien à remettre à l’œuvre en contexte.

Je n’avais pas été tendre avec la dernière production des Brigands (ici), mais tout ce qui m’avait agacé l’année dernière a disparu ici : la mise en scène est inspirée ; le texte et la partition sont respectés (même si j’imagine que la citation du fameux “Air des clochettes” de Lakmé n’est pas d’origine puisqu’elle est anachronique) ; les interprètes font montre d’une relative sobriété qui ne sert que mieux le rythme du livret et le tempo, fort inspiré, de la mise en scène.

En bref, cette production présente toutes les qualités que l’on aime lorsque Les Brigands sont inspirés. Pourvu qu’ils continuent à ressusciter tous ces chefs d’œuvre oubliés.

“La Generala”

Théâtre du Châtelet, Paris • 27.5.08 à 20h

[billet en préparation]

“The Merry Widow”

Coliseum (English National Opera), Londres • 10.5.08 à 18h30
La Veuve joyeuse. Franz Lehár (1905). Livret de Viktor Léon et Leo Stein, d’après L’Attaché d’embassade d’Henry Meilhac. Adaptation en anglais de Jeremy Sams.

Direction musicale : Oliver von Dohnányi. Mise en scène : John Copley. Avec Michelle Walton (Hanna Glawari), John Graham-Hall (le Comte Danilo Danilowitsch), Richard Suart (le Baron Mirko Zeta), Alfie Boe (Camille de Roussillon), Fiona Murphy (Valencienne), Hal Cazalet (le Vicomte Cascada), Daniel Hoadley (Raoul de St Brioche), Roy Hudd (Njegus)…

Il est toujours un peu déroutant de se souvenir que La Veuve joyeuse (enfin, Die lustige Witwe, plus précisément) a été créée — au vénérable Theater an der Wien de Vienne — trois semaines après la première du Salome de Strauss au Hofoper de Dresde. Mais la musique de Lehár est un total enchantement. D’une certaine façon, elle redonne vie à un genre, l’opérette, qui commençait à donner de sérieux signes de faiblesse.

Cette toute nouvelle production de l’English National Opera est une réussite sur bien des plans : superbe direction musicale du chef slovaque Oliver von Dohnányi, qui éclaire la voluptueuse sensualité de la partition de Lehár ; magnifique adaptation de Jeremy Sams, riche en ressorts comiques et qui sait se faire délicieusement poétique par moments ; belle mise en scène pleine d’énergie, qui sert habilement tous les registres, y compris la farce avec la chanson “Quite Parisian” de Njegus au troisième acte, dans laquelle le comédien Roy Hudd fait des étincelles. Tout cela est indicutablement plus réussi qu’à l’Opéra de Lyon dans la désastreuse “adaptation” de Macha Makeïeff.

Belle distribution de manière générale : on y retrouve Richard Suart, récemment vu dans The Mikado, et Alfie Boe, vu dans Kismet. Le rôle de Hanna Glawari devait être tenu par Amanda Roocroft mais celle-ci, souffrante, a été remplacée “au pied levé” par Michelle Walton, qui doit assurer la représentation du 21 mai. Bilan : onze jours plus tôt, elle est déjà parfaitement prête. Quant à Danilo, il est interprété avec beaucoup de finesse par un John Graham-Hall qui se révèle très bon comédien en plus d’être bon chanteur.

Notre plaisir serait sans borne si l’acoustique du Coliseum ne se révélait une fois de plus parfaitement désastreuse. Les chanteurs portent des micros, mais je suis à peu près sûr qu’ils ne sont utilisés que pour les dialogues. Avec ou sans amplification, le résultat est épouvantablement mauvais. Cette salle est éprouvante.

“The Mikado”

English National Opera, Londres • 23.2.08 à 14h30
Arthur Sullivan (1885). Livret et lyrics : W. S. Gilbert.

Direction musicale : Wyn Davies. Mise en scène : Jonathan Miller, recréée par David Ritch. Avec Richard Suart (Ko-Ko), Robert Murray (Nanki-Poo), Sarah Tynan (Yum-Yum), Graeme Danby (Pooh-Bah), Frances McCafferty (Katisha), Richard Angas (Le Mikado), Richard Burkhard (Pish-Tush), Anna Grevelius (Pitti-Sing), Fiona Canfield (Peep-Bo)…

The Mikado occupe sans doute dans la culture populaire anglaise la place que La Vie parisienne occupe dans la culture française. Il faut dire que la partition de Gilbert & Sullivan est un véritable régal. (Pour ceux qui ne connaîtraient pas, une excellente introduction est fournie par le chef d’œuvre de Mike Leigh, Topsy-Turvy.)

Cela fait 20 ans que l’English National Opera ressort régulièrement cette production imaginée par Jonathan Miller, et dont l’affiche originale incluait rien moins que Eric Idle en Ko-Ko, Lesley Garrett en Yum-Yum et Felicity Palmer en Katisha (un enregistrement est disponible en DVD). C’est une production peu conventionnelle, transposant l’action dans un hôtel des années 1920 (magnifique décor entièrement blanc de Stefanos Lazaridis) et prenant quelques petites libertés que ne se permettent pas les productions plus “conventionnelles” comme celle de la compagnie Carl Rosa que j’avais vue il y a quelques années.

Le rôle principal de Ko-Ko est tenu par Richard Suart, qui est aussi bon comédien qu’il est bon chanteur. La première chanson de son personnage, intitulée “As Some Day It May Happen”, est l’une des plus célèbres “patter songs” de Gilbert & Sullivan. Ko-Ko y énumère les noms de ceux sur lesquels pourrait s’exercer son office de “Lord High Executioner”… si le besoin s’en faisait sentir. La chanson est d’ailleurs connue aussi sous deux autres noms qui sont des extraits des paroles : “I’ve Got a Little List” et “They’d None of ’em Be Missed”. La coutume veut que les paroles de cette chanson soient plus ou moins actualisées en fonction de l’actualité : Suart s’en prend ainsi indifféremment à Nigella Lawson (une reine de la cuisine télévisée), à Derek Conway (un député au centre d’un récent scandale d’emploi fictif au profit de son fils) et… à Facebook.

C’est, globalement, une belle réussite. Je trouve toujours l’acoustique du Coliseum (la salle de l’English National Opera) très sourde, mais j’ai pris un grand plaisir à cette représentation.