Paris – Broadway

“Das Rheingold”

Opéra de Leipzig • 18.5.13 à 20h
Wagner (1869)

Gewandhausorchester, Ulf Schirmer. Mise en scène : Rosamund Gilmore. Avec Tuomas Pursio (Wotan), Thomas Mohr (Loge), Jürgen Linn (Alberich), Nicole Piccolomini (Erda), Stephan Klemm (Fasolt), James Moellenhoff (Fafner), Karin Lovelius (Fricka), Sandra Trattnigg (Freia), Michael Kraus (Donner), James Allen Smith (Froh), Dan Karlström (Mime), Eun Yee You (Woglinde), Kathring Göring (Wellgunde), Sandra Janke (Floßhilde).

Les célébrations en l’honneur du 200e anniversaire de la naissance de Richard Wagner battent leur plein dans le monde entier… et notamment, bien sûr, dans sa ville natale de Leipzig, qui lui consacre un festival riche de nombreux événements. (“Richard ist Leipziger”, affirme en une un magazine local, comme s’il ne fallait pas oublier de revendiquer cette paternité).

Cette production de Rheingold est contrastée car elle semble avoir été réalisée avec des moyens contraints — décor unique, distribution passable —, qui contrastent avec le luxe musical qui émane de la fosse, où le Gewandhausorchester propose une musique d’un infini lyrisme, sous la direction d’un Ulf Schirmer dont le seul défaut est de ne pas appuyer davantage certains accents. Les cors, en particulier, sont tout simplement sublimes.

Si la qualité des chanteurs est variable, on s’agace de devoir supporter le Fasolt très défaillant de Stephan Klemm, incapable de tenir une note longue sans partir dans des trémolos incontrôlés qui ne méritent pas l’appellation de vibrato. La meilleure prestation est celle du Loge espiègle de Thomas Mohr (mon Siegmund de Cologne d’il y a sept ans — il était déjà excellent).

La mise en scène est assez convaincante malgré le budget manifestement limité. Rosamund Gilmore utilise de manière assez aboutie une série de figurants / danseurs : c’est infiniment plus intelligent que ce que propose le duo Cassiers / Cherkaoui à Milan et plus convaincant que les tentatives un peu désordonnées de Kriegenburg à Munich. Et elle marque beaucoup de points dans mon estime en marquant visuellement de manière très nette le basculement que constitue à mon avis l’introduction du thème du renoncement à l’amour.

Et, pendant ce temps, Leipzig accueille comme chaque année l’un des plus grands rassemblements mondiaux de gothiques et assimilés. Le moins qu’on puisse dire, c’est qu’il y a du spectacle dans la rue.

“Parsifal”

Staatstheater, Stuttgart • 5.5.13 à 16h
Wagner (1882)

Direction musicale : Sylvain Cambreling. Mise en scène : Calixto Bieito. Avec Andrew Richards (Parsifal), Christiane Iven (Kundry), Attila Jun (Gurnemanz), Levente Molnár (Amfortas), Martin Winkler (Klingsor), Matthias Hölle (Titurel), …

Je savais que je prenais un risque en allant voir un Parsifal dirigé par Sylvain Cambreling, mais je sous-estimais le talent destructeur du chef français. Certains font de l’assurance “zéro tracas, zéro blabla” ; eh bien, Cambreling fait de la musique “zéro tension”. C’est-à-dire de la non-musique. Une succession ordonnée de notes sans la moindre trace de contenu dramatique. À croire qu’on lui a greffé un métronome dans le cerveau et que la moindre déviation par rapport à une battue réglée à la milliseconde lui envoie une décharge électrique pour le punir.

Le premier acte, qui n’est qu’une succession de tensions et de détentes, en souffre tout particulièrement. Au point que j’ai trouvé l’heure et demie interminable et que je me suis demandé au premier entracte si j’allais rester. Mais comme Stuttgart n’offre pas nécessairement beaucoup d’alternatives, j’ai descendu un grand verre de Riesling et j’y suis retourné courageusement.

Calixto Bieito fait partie de ces metteurs en scène que je suis avec intérêt (sauf erreur, ma dernière rencontre avec lui date du Carmen de l’ENO). Son Parsifal est glauque mais intéressant — transposé dans un monde post-apocalyptique et dystopique, la rédemption y prend une connotation nettement moins spirituelle que celle imaginée par Wagner. Comme toujours avec Bieito, c’est la chair et ses faiblesses qui prennent le devant la scène.

La distribution n’est pas très enthousiasmante, même si Andrew Richards est un Parsifal solide. Il termine la pièce nu (la marque de fabrique de Bieito) et on découvre qu’il a un très joli… sourire, très américain, lors des saluts. Christiane Iven est un peu juste pour chanter Kundry — ses aigus sont stridents et laids. Attila Jun est un très bon Gurnemanz, mais il n’est pas aussi spectaculaire que lors du remplacement de dernière minute qu’il a assuré à Munich récemment. Amfortas et Klingsor très honnêtes de Levente Molnár et Martin Winkler.

Sans doute le moins bon Parsifal que j’aie vu depuis un moment.

Autant j’étais plutôt moins habillé que la moyenne la veille à Dresde, autant à Stuttgart, je n’ai pas l’ombre d’un complexe. Il y a même un jeune-homme en short et débardeur très échancré au parterre. S’il y a une caractéristique qui unit tous les publics de la Terre, c’est la propension à se mettre à tousser dès qu’une vague trace de fumée — pourtant parfaitement inerte et inodore — apparaît sur scène. Le public de Stuttgart est particulièrement tonique ce ce point de vue — il faut dire que, contrairement à Dresde ou Lucerne, les bonbons Ricola ne sont pas fournis à l’entrée.

“Manon Lescaut”

Semperoper, Dresde • 4.5.13 à 19h
Puccini (1893). Livret : c’est compliqué… d’après L’Abbé Prévost.

Direction musicale : Asher Fisch. Mise en scène : Stefan Herheim. Avec Norma Fantini (Manon Lescaut), Christoph Pohl (Lescaut), Thiago Arancam (Renato des Grieux), Maurizio Muraro (Geronte di Ravoir), Giorgio Berrugi (Edmondo), …

Stefan Herheim est devenu pour moi depuis quelque temps le metteur en scène à suivre. Après son Parsifal de Bayreuth, son Eugène Onéguine d’Amsterdam, sa Bohème d’Oslo, sa Rusalka de Bruxelles, je guette avec trépidation chacune de ses nouvelles aventures. Je ne prétendrai pas avoir compris tous les aspects de sa mise en scène de Manon Lescaut, qui repose sur un triangle étonnant constitué de Puccini lui-même (un rôle muet), un des Grieux qui, tel Bartholdi, est en train de concevoir la Statue de la Liberté (magnifique décor de Heike Scheele)… et une Manon qui semble être restée dans son époque originelle.

Mais ce n’est pas que sur scène que Puccini est mis en valeur. L’orchestre mené par Asher Fischer (décidément génial dans Puccini — sa Bohème du TCE était incandescente) fait des merveilles avec l’une des plus belles partitions du répertoire, remarquable pour son inspiration mélodique et harmonique autant que pour les trouvailles de son instrumentation ou encore son irrésistible intensité dramatique. Je trouve le génie musical de Puccini sous-estimé… il y a même dans la musique de Manon Lescaut une préfiguration du thème de Star Wars.

Le sublime Intermezzo qui sert normalement de jointure entre l’acte 2 et l’acte 3 a été transformé en ouverture (par Christian Thielemann, qui dirigeait la première). On sent bien qu’il n’a rien à faire là, mais la musique en est tellement magnifique qu’on s’en fiche éperdument. Le sommet musical de la représentation est le défilé des courtisanes qui embarquent à l’acte 3 : la stratification de la musique et des voix en est aussi virtuose que fascinante… et l’expérience fut d’autant plus réussie que le chœur était impeccable.

Distribution contrastée : Norma Fantini a une voix un peu “lourde” pour le rôle, mais au moins elle assure dans les climax ; Thiago Arancam a fait faire une annonce avant la représentation (enfin je pense que c’était pour lui, je n’ai rien compris)… et, effectivement, la voix était fatiguée et régulièrement couverte par l’orchestre, même si Asher Fisch se montrait particulièrement attentif à son égard. Les seconds rôles sont, quant à eux, globalement solides.

Quelques photos de Dresde ici.

“Die Walküre”

De Nederlandse Opera, Amsterdam • 28.4.13 à 13h30
Wagner (1870)

Orchestre Philharmonique des Pays-Bas, Harmut Haenchen. Mise en scène : Pierre Audi. Avec Christopher Ventris (Siegmund), Catherine Naglestad (Sieglinde), Thomas Johannes Mayer (Wotan), Catherine Foster (Brünnhilde), Günther Groissböck (Hunding), Doris Soffel (Fricka), Marion Ammann (Gerhilde), Elaine McKrill (Helmwige), Lien Haegeman (Waltraute), Julia Faylenbogen (Schwertleite), Martina Prins (Ortlinde), Wilke te Brummelstroete (Siegrune), Helena Rasker (Grimgerde), Cécile van de Sant (Rossweisse).

“Vivement la suite”, écrivais-je en sortant de Das Rheingold en novembre dernier. Eh bien la suite se révèle tout aussi magnifique.

La mise en scène de Pierre Audi, sans perdre son caractère un peu générique, impressionne par sa monumentalité assumée. La direction musicale de Harmut Haenchen est une merveille avec ses contrastes dramatiques bouillonnants et son lyrisme magnifique — d’autant plus perceptible que le positionnement de l’orchestre au sein du dispositif scénique rend l’acoustique particulièrement plaisante.

Distribution honnête, à l’exception d’une Doris Soffel stridente, fatiguée et fatigante. Catherine Naglestad est obligée de forcer un peu trop sa voix pour se hisser au niveau sonore général. Les Walkyries sont très hétérogènes. Wotan et Brünnhilde finissent tous les deux sur les rotules, avec des voix éteintes. La meilleure prestations de l’après-midi est sans conteste celle du génial Günther Groissböck, qui propose un Hunding d’anthologie avec sa magnifique voix grave.

Rien compris à l’image finale — quelque chose a dû dysfonctionner.

“Parsifal”

Vlaamse Opera – Opéra de Gand • 20.4.13 à 18h
Wagner (1882)

Direction musicale : Eliahu Inbal. Mise en scène : Tatjana Gürbaca. Avec Zoran Todorovich (Parsifal), Susan Maclean (Kundry), Georg Zeppenfeld (Gurnemanz), Werner Van Mechelen (Amfortas), Robert Bork (Klingsor), Jaco Huijpen (Titurel), …

Un Parsifal superbe sur le plan musical. Eliahu Inbal dirige sur un mode résolument liturgique et l’orchestre de l’Opéra des Flandres fait des étincelles. L’acoustique étonnante du théâtre assure une séparation presque surnaturelle des plans sonores ; en particulier, j’entends la flûte et le basson comme s’ils étaient à côté de moi, ce qui est à la fois déstabilisant et passionnant. Les fortissimi sont à mourir de bonheur. 

La distribution est d’excellente tenue. Elle est dominée par le Gurnemanz sen-sa-tion-nel et sonore de Georg Zeppenfeld, déjà ovationné à Lyon. Il semble s’être encore amélioré depuis… et sa prestation est d’autant plus remarquable que la mise en scène le confine à un fauteuil roulant les trois quarts du temps. Zoran Todorovich est un Parsifal solide (on se souvient de son Jean dans Hérodiade), mais il peine à tenir la distance. J’avais déjà vu la belle Kundry de Susan Maclean à Bayreuth ; elle a toujours autant de mal à aller accrocher les notes aiguës — et son taux de succès s’est maheureusement dégradé.

Mise en scène pas totalement compréhensible sans aller lire les intentions de la metteuse en scène, même si quelques concepts sont identifiables (le Graal symbolisant le culte de la jeunesse dans un monde vieillissant… une situation d’autant plus difficile que les hommes et les femmes se trouvent séparés…). Quelques visuels font mouche (le sang qui dégouline le long de l’immense cyclo qui sert de toile de fond), mais on reste dubitatif devant la mise en scène du dernier tableau, qui montre en substance le lynchage d’Amfortas (et le suicide subséquent de Kundry, qui s’était déjà ouvert les veines à la fin de l’acte 2) afin d’installer Parsifal… au grand chagrin de Gurnemanz, qui a pourtant chanté quelques mesures plus tôt son allégeance inconditionnelle à son nouveau maître.

“Parsifal”

Oper am Dom, Cologne • 14.4.13 à 16h
Wagner (1882)

Direction musicale : Markus Stenz. Mise en scène : Carlus Padrissa (La Fura dels Baus). Avec Marco Jentzsch (Parsifal), Dalia Schaechter (Kundry), Matti Salminen (Gurnemanz), Samuel Youn (Amfortas / Klingsor), Young Doo Park (Titurel), …

Carlus Padrissa est l’artisan du magnifique Ring co-produit par Florence et Valence, dont je n’ai malheureusement vu que trois épisodes (R, S, G). Son récent Turandot à Munich ne m’avait en revanche qu’à moitié convaincu, tant le metteur en scène semblait avoir du mal à canaliser sa foisonnante inspiration visuelle.

On retrouve ce foisonnement dans la mise en scène de Parsifal que Padrissa signe pour l’Opéra de Cologne, actuellement hors ses murs tandis que sa salle historique est en travaux. Et, globalement, on adhère assez, même si le dernier tableau déçoit quelque peu.

Padrissa nourrit sa conception de nombreuses projections, pour une bonne partie sur un rideau à l’avant-scène. Il utilise des images, mais aussi du texte (beaucoup… notamment “Zeit” et “Raum” pendant les deux cérémonies… ou encore cette citation de Nietzsche : “Der Mensch ist ein Seil, geknüpft zwischen Tier und Übermensch”) et une abondance de motifs abstraits. Les effets obtenus sont souvent saisissants, comme à l’arrivée de Kundry, accompagnée d’un superbe effet visuel que l’on met du temps à déchiffrer.

On aime aussi l’odeur de l’encens qui envahit la salle pendant la première cérémonie, la spatialisation des voix du chœur, très réussie… ou encore ces immenses gradins sur lesquels prennent place les figurants et qui reconfigurent joliment l’espace scénique. L’un des coups de génie de la mise en scène est de placer l’antre de Klingsor littéralement à l’envers du décor… un concept renforcé par le fait que c’est le même chanteur qui assume les deux rôles “jumeaux” d’Amfortas et de Klingsor.

J’ai la plus grande admiration pour Markus Stenz depuis que j’ai assisté au Ring de Cologne, dont la mise en scène est signée par Robert Carsen, une première fois à Cologne en 2006 (trois épisodes seulement : R, W, G) et à nouveau à Shanghai en 2010 (R, W, S, G). Il signe à nouveau une très belle prestation musicale, à la tête d’un orchestre généralement en grande forme… même s’il y a quelques dérapages regrettables (le trompette solo qui introduit un mordant bien malencontreux dans le thème du Graal… ou encore le tuba qui attaque un peu trop tôt l’accord final du deuxième acte).

La distribution est honnête. Matti Salminen a été un très grand Gurnemanz ; il lui reste aujourd’hui environ 80 % de ses moyens, ce qui reste magnifique. Dalia Schaechter est peut-être le maillon faible de la distribution : son premier acte est vraiment mauvais… mais elle se rachète quelque peu dans le deuxième acte. Parsifal très acceptable de Marco Jentzsch, qui dérape une ou deux fois dans les aigus. On admire Samuel Youn d’assurer (fort bien) à la fois le rôle d’Amfortas et celui de Klingsor. Et on aime beaucoup la prestation de Young Doo Park, qui chante magnifiquement Titurel depuis la coulisse tandis que le visage de Richard Wagner (le “père”, donc) est projeté en tournant sur le rideau d’avant-scène. 

Le parti pris le plus curieux de cette mise en scène est de montrer Gurnemanz sous les traits d’une espèce de boulanger. Au premier acte, il collecte la farine auprès des héros morts qui l’entourent et pétrit les pâtons avec l’aide de deux assistants. Au troisième acte, il enfourne les miches pour les récupérer, cuites, lors du dernier tableau, où elles sont partagées par les protagonistes en signe de communion… tandis que les figurants font circuler des paniers de pain parmi le public. Ce n’est malheureusement pas du pain fraîchement cuit… en tout cas pas au balcon, où il faut se contenter de tranches de Schwarzbrot un peu sèches.

“Parsifal”

Bayerische Staatsoper, Munich • 31.3.13 à 17h
Wagner (1882)

Direction musicale : Kent Nagano. Mise en scène : Peter Konwitschny. Avec Michael Weinius (Parsifal), Petra Lang (Kundry), Attila Jun (Gurnemanz [voix]), John Tomlinson (Gurnemanz [mouvements]), Michael Volle (Amfortas), John Wegner (Klingsor), Diogenes Randes (Titurel), …

Un Parsifal d’exception sur le plan musical, même si aucun des chanteurs n’est inoubliable. La conduite de Nagano est tout simplement miraculeuse, et ce qu’il obtient de l’orchestre dès les premières notes du prologue est bouleversant. On est beaucoup plus proche du style de Thielemann (tout en rondeurs et en rutilances) que de celui de Gatti (intérieur, tendu, presque grinçant), mais les deux partis pris fonctionnent à merveille.

Paradoxalement, le chanteur qui fait la plus forte impression est le remplaçant de dernière minute, Attila Jun, venu chanter le rôle de Gurnemanz en urgence alors que John Tomlinson était contrait de se cantonner aux mouvements. Le pauvre devait rechanter Gurnemanz dès le lendemain à Stuttgart. Je me réjouis de l’y revoir bientôt car c’est un Gurnemanz extraordinaire, presque aussi bon que son compatriote Kwangchul Youn (il reste quelques montées dans les aigus à travailler).

Pour le reste, la distribution est homogène et de bon niveau, avec peut-être une petite préférence pour l’excellent Amfortas de Michael Volle. C’est John Wegner qui fait la moins forte impression avec son Klingsor très en retrait.

Je découvrais enfin la fameuse mise en scène de Peter Konwitschny, qui date du milieu des années 1990. Elle est bien moins désarmante que ce que laissaient présager les photos que j’en avais vues. Elle reste lisible malgré une symbolique dépouillée et parfois un peu déroutante. On y retrouve la tendance déjà vue chez Claude Guth à Zurich à considérer Klingsor comme le jumeau satanique d’Amfortas.

La faiblesse principale de cette mise en scène, c’est qu’elle semble réduire ses ambitions progressivement au fil de l’eau : si le premier acte est monumental et impressionnant, les deux autres sont assez décevants sur le plan visuel… à part la destruction du château de Klingsor, très réussie.

“Tannhäuser”

Opéra national du Rhin, Strasbourg • 30.3.13 à 19h
Wagner (1845)

Orchestre philharmonique de Strasbourg, Constantin Trinks. Mise en scène : Keith Warner. Avec Scott MacAllister (Tannhäuser), Barbara Haveman (Elisabeth), Béatrice Uria-Monzon (Venus), Jochen Kupfer (Wolfram von Eschenbach), Kristinn Sigmundsson (le Landgrave), …

Une représentation inégale mais finalement très plaisante.

Le maillon faible, malheureusement, est le Tannhäuser de Scott MacAllister. Sa prestation dans le premier acte me met les nerfs à vif, comme ces Siegfried dont chaque montée dans l’aigu semble relever de l’exploit. La fin du deuxième acte est un désastre : les aigus ne sortent plus du tout, au point qu’on se demande s’il osera remettre les pieds sur scène pour le troisième acte. Après le deuxième entracte, surprise : non seulement MacAllister est là, mais il termine très honorablement. S’il avait été à ce niveau pendant toute la représentation, il aurait été excellent. Impressionné sans doute par sa persévérance, le public ne lui tient pas rigueur de ses faiblesses et lui réserve un accueil très chaleureux aux saluts.

Le reste de la distribution est bien plus solide. On y distingue notamment le Landgrave irrésistible de Kristin Sigmundsson (déjà remarqué à New York en Ochs), le Wolfram solide de Jochen Kupfer (qui réussit brillamment son “O Du, Mein Holder Abendstern“) et l’Elisabeth à la fois tragique et lyrique de Barbara Haveman.

Mais c’est la direction musicale bouillonnante de Constantin Trinks qui rend l’expérience électrique. Il emmène merveilleusement bien l’Orchestre philharmonique de Strasbourg et les excellents Chœurs de l’Opéra national du Rhin dans une lecture intense et passionnante de la partition de Wagner.

Tout en précisant que je ne voyais pas entièrement la scène depuis ma place, j’ai trouvé la mise en scène de Keith Warner bien peu intéressante. Pas très surprenant : son Ring de Covent Garden (R, W, S, G) était un bric-à-brac très inégal. Si on peut comprendre l’ambiance de lupanar qu’il concocte pour le Venusberg, on accepte mal que le décor reste largement le même à la Wartburg. Et l’espèce de bidule intergalactique qui descend des cintres pour transfigurer les personnages constitue un faux pas monumental, à la fois sur le plan visuel et sur le plan du sens… car on en retire l’impression que les métamorphoses du cœur et de l’âme résultent de l’action de causes extérieures.

“Das Rheingold”

Grand Théâtre de Genève • 24.3.13 à 15h
Wagner (1862)

Orchestre de la Suisse Romande, Ingo Metzmacher. Mise en scène : Dieter Dorn. Avec Tom Fox (Wotan), Corby Welch (Loge), John Lundgren (Alberich), Andreas Conrad (Mime), Alfred Reiter (Fasolt), Steven Humes (Fafner), Thomas Oliemans (Donner), Christoph Strehl (Froh), Elena Zhidkova (Fricka), Agneta Eichenholz (Freia), Maria Radner (Erda), Polina Pasztircsák (Woglinde), Stephanie Lauricella (Wellgunde), Laura Nykänen (Floßhilde).

Jusqu’aux deux tiers de la représentation environ, je me disais que j’étais en train de voir l’un des meilleurs Rheingold de ma vie : prestations très solides de chanteurs peu connus, mise en scène inspirée, direction musicale inhabituellement rapide mais étonnamment efficace du bouillonnant Ingo Metzmacher. Puis les choses se sont distendues sur la fin et l’exaltation est retombée.

On peut ne pas aimer les tempi de Metzmacher, mais il emmènent l’opéra dans une sorte de tourbillon irrésistible, d’autant que l’orchestre et les chanteurs suivent vaillamment le rythme. On est particulièrement impressionné par l’Alberich de John Lundgren et par la Fricka d’Elena Zhidkova : tous deux chantent leur rôle jusque dans les dernières notes de leur tessiture, contrairement à beaucoup de chanteurs wagnériens, qui ont tendance à prendre des raccourcis (les Alberich étant particulièrement tentés par l’aboiement dans les passages les plus difficiles).

On apprécie beaucoup la mise en scène, qui utilise généreusement la machinerie du théâtre. C’est généralement le signe de metteurs en scène d’un certain âge… mais c’est aussi le signe d’une foi dans la force du théâtre qui semble avoir déserté la jeune génération. Le Nibelheim est particulièrement spectaculaire… et l’utilisation de la technique du Pepper’s ghost pour les métamorphoses d’Alberich est tellement évidente qu’on se demande pourquoi elle n’est pas plus fréquente.

J’étais inquiet de voir que l’on sortait les harpes de la fosse pendant la représentation… mais c’était pour préparer l’apparition de six harpes sur scène au moment du tableau final. À ce moment-là, la mise en place laissait à désirer… mais rien ne pouvait me faire plus plaisir, moi qui trouve souvent que l’on n’entend pas assez ces arpèges finals.

“Die Zauberflöte”

Festspielhaus, Baden-Baden • 23.3.13 à 18h
Mozart (1791). Livret : Emanuel Schikaneder.

Orchestre Philharmonique de Berlin, Simon Rattle. Mise en scène : Robert Carsen. Avec Pavol Breslik (Tamino), Kate Royal (Pamina), Dimitry Ivashchenko (Sarastro), Ana Durlovski (Königin der Nacht), Michael Nagy (Papageno), Regula Mühlemann (Papagena), Annick Massis (Erste Dame), Magdalena Kožená (Zweite Dame), Nathalie Stutzmann (Dritte Dame), José van Dam (Sprecher), James Elliott (Monostatos), …

Quelle distribution luxueuse ! Simone Kermes avait dû renoncer à chanter La Reine de la nuit quelques jours avant la représentation (sa remplaçante, très solide, sera à Bastille la saison prochaine), mais Massis / Kožená / Stutzmann dans les trois Dames, on croit rêver. La distribution est dominée par le Sarastro génial d’autorité et d’élégance de Dimitry Ivashchenko, le Papageno irrésistible de Michael Nagy et, dans une moindre mesure, la Pamina lumineuse de Kate Royal. Le seul vrai maillon faible est le Monostatos très médiocre de James Elliott.

Malheureusement, Rattle semble viser une forme d’élégance qui lasse assez vite. Du coup, la musique manque cruellement de sel.

Carsen signe, comme toujours, une mise en scène ingénieuse et inventive, très lisible (ce qui n’est pas gagné d’avance, avec ce livret)… mais la réalisation fait un peu pauvre. Je suis presque surpris qu’il ne soit pas hué aux saluts pour ses quelques audaces… mais on est beaucoup plus ouvert, de ce côté de la frontière.

“The Gospel According to the Other Mary”

Barbican Hall, Londres • 16.3.13 à 19h30
Musique : John Adams. Livret : Peter Sellars. 

Los Angeles Philharmonic, Gustavo Dudamel. Mise en scène : Peter Sellars. Avec Kelley O’Connor (Mary), Tamara Mumford (Martha), Russell Thomas (Lazarus), Daniel Bubeck, Brian Cummings, Nathan Medley (narrators), …

Création européenne du nouvel opéra de John Adams, conçu en collaboration avec son complice habituel Peter Sellars. Plus qu’un opéra, The Gospel According to the Other Mary est un oratorio construit autour de saynètes tirées de la Passion du Christ, ou plutôt d’une Passion du Christ, car la narration est très libre et souvent déroutante. Comme d’habitude, la musique de John Adams est resplendissante. Elle est interprétée avec infiniment d’élégance par le Los Angeles Philharmonic et par des solistes solides, sous la baguette attentive et précise d’un Gustavo Dudamel aussi discret qu’efficace.

“Parsifal”

Metropolitan Opera, New York • 2.3.13 à 12h
Wagner (1882)

Direction musicale : Daniele Gatti. Mise en scène : François Girard. Avec Jonas Kaufmann (Parsifal), Katarina Dalayman (Kundry), René Pape (Gurnemanz), Peter Mattei (Amfortas), Evgeny Nikitin (Klingsor), Rúni Brattaberg (Titurel), …

Le Met crée à son tour cette mise en scène de François Girard, coproduite avec l’Opéra de Lyon, où je l’avais vue l’année dernière.

La lecture de la distribution à elle-seule suffit à donner le vertige. Mais le héros de la représentation est Daniele Gatti, au sommet de son art, qui donne une lecture proprement somptueuse de la partition de Wagner, dont il tire des phrases d’une indescriptible beauté, toutes en tensions internes et en couleurs chatoyantes. L’entente avec l’orchestre du Met est étonnante, en particulier du côté des cuivres. Dès la première citation du thème du Graal à la trompette dans le prologue, on monte sur un petit nuage dont on ne redescend presque jamais… sauf par moments dans le deuxième acte, décidément en-dessous des deux autres.

On bénéficie simultanément avec Kaufmann, Pape et Mattei de l’un des meilleurs Parsifal, de l’un des meilleurs Gurnemanz et de l’un des meilleurs Amfortas du moment. Tous sont parfaitement en phase avec Gatti. Kaufmann et Pape, en particulier, sont capables d’un merveilleux mezza voce qui décuple la puissance dramatique de certains passages — le long récit de Gurnemanz, au premier acte, en est une illustration frappante. Frissons prolongés garantis.

“Les Pêcheurs de perles” en concert

Salle Pleyel, Paris • 17.2.13 à 16h
Georges Bizet (1863). Livret : Eugène Cormon et Michel Carré.

Orchestre de chambre de Paris, Chœur Opella Nova, Giorgio Croci. Avec Roberto Alagna (Nadir), Nino Machaidze (Léïla), Alexandre Duhamel (Zurga), …

Deux constats, à l’issue de cette belle représentation.

D’une part, cette partition de Bizet est un bonheur absolu, de la première à la dernière note… un constat encore plus évident dans cette configuration de concert, avec l’orchestre sur scène plutôt que dans une fosse. Chapeau à l’Orchestre de Chambre de Paris et à la direction remarquable de Giorgio Croci. C’est impressionnant ce qu’un orchestre peut se métamorphoser d’un chef à l’autre…

D’autre part, Roberto Alagna n’est plus vraiment au sommet de son art… mais sa générosité évidente compense l’impression laissée, par exemple, par un “Je crois entendre encore” interprété dans une voix de tête ténue, détimbrée, presque éraillée, au vibrato incertain (exactement comme dans cet extrait… que l’on comparera, pour se faire mal, à ça).

Très bon Zurga d’Alexandre Duhamel. Léïla correcte mais largement incompréhensible de Nino Machaidze, qu’Alagna ne semble pas pouvoir s’empêcher de toucher à tout bout de champ…

“Příhody lišky Bystroušky”

Opéra National du Rhin, Strasbourg • 16.2.13 à 20h
La Petite Renarde rusée. Leoš Janáček (1924). 

Direction musicale : Friedemann Layer. Mise en scène : Robert Carsen. Avec Rosemary Joshua (la Renarde), Hannah Esther Minutillo (le Renard), Scott Hendricks (le Garde-chasse), Corinne Romijn (la Femme du garde-chasse, le Hibou), Gijs Van der Linden (l’Instituteur), Enric Martinez-Catignani (le Curé / le Blaireau), …

Robert Carsen poursuit avec bonheur (et pour le nôtre) son exploration de l’œuvre de Janáček : après une Kát’a Kabanová d’anthologie à Milan et une Věc Makropulos parfaitement inspirée à Nuremberg, voici donc qu’il s’attaque à cette fresque bucolique et vaguement philosophique sur les cycles de la vie.

Comme pour Dialogues des Carmélites, on ne peut guère transposer le propos… Carsen utilise donc principalement son instinct visuel très assuré, quitte à bouleverser un peu l’ordre des saisons du livret. Carsen limite le nombre d’espèces animales présentes sur scène et se concentre beaucoup sur les renards : “Il y en avait trop”, dira une spectatrice en sortant. Peut-être, mais ils sont sacrément attachants. Et la scène où le Renard et la Renarde se font la cour au deuxième acte est magnifique.

Rosemary Joshua est irrésistible dans le rôle-titre. Très belle prestation musicale sous la direction de Friedemann Layer. La partition de Janáček est un enchantement.

Il semble que Carsen ait prévu de boucler son cycle Janáček avec De la Maison des morts. L’œuvre paraît à cent mille lieues de son univers naturel. Je suis impatient de voir le résultat…

“Der Zwerg” / “L’Enfant et les sortilèges”

Palais-Garnier, Paris • 11.2.13 à 19h30
Direction musicale : Paul Daniel. Mise en scène : Richard Jones et Antony Mcdonald.

Le Nain. Zemlinksy (1922). Livret : Georg Klaren, d’après Oscar Wilde. Avec Nicola Beller Carbone (Donna Clara), Béatrice Uria-Monzon (Ghita), Vincent Le Texier (Don Estoban), Charles Workman (Der Zwerg), Melody Louledjian (Première servante), Diana Axentii (Deuxième servante), Delphine Haidan (Troisième servante), …

L’Enfant et les sortilèges. Ravel (1926). Livret : Colette. Avec Gaëlle Méchaly (L’Enfant), Cornelia Oncioiu (Maman, la Tasse chinoise, la Libellule), Valérie Condoluci (La Bergère, la Chauve-souris), Melody Louledjian (Le Feu, le Rossignol), Amel Brahim-Djelloul (La Princesse), Diana Axentii (La Chatte, l’Ecureuil), Andrea Hill (La Chouette, un Pâtre), Chenxing Yuan (Une Pastourelle), François Lis (Le Fauteuil, un Arbre), Alexandre Duhamel (L’Horloge comtoise, un Chat), François Piolino (La Théière, la Rainette, le Petit Vieillard), Anne-Sophie Ducret, Caroline Petit, Vincent Morell, Chae Wook Lim (Les Animaux).

L’Opéra de Paris propose un joli couplage entre deux œuvres charmantes du 20e siècle, dont l’une assez rare. La mise en scène tente un parallèle plus ou moins réussi entre les deux, mais elle souffre de son côté légèrement artisanal, même si quelques unes des images de L’Enfant parviennent à émouvoir (ou à amuser — l’une des scènes fait furieusement penser à Matilda). Distribution honnête mais sans éclat, joli travail dans la fosse.

“Der fliegende Holländer”

Magyar Állami Operaház, Budapest • 2.2.13 à 19h
Le Vaisseau fantôme, Wagner (1843)

Direction musicale : János Kovács. Mise en scène : János Szikora. Avec Thomas Gazheli (Le Hollandais), András Palerdi (Daland), Gyöngyi Lukács (Senta), Attila Fekete (Erik), …

À l’Opéra de Budapest, on représente Le Vaisseau fantôme sans entracte… Pourquoi pas ? Mais la représentation prend trop souvent des allures de routine pour que l’on se laisse totalement convaincre par l’entreprise. Les images scéniques sont plutôt travaillées (malgré des images de synthèse un peu vieillotes), mais ni les chanteurs ni les choristes ne semblent vouloir habiter la scène avec un minimum de vraisemblance.

Musicalement, c’est à l’avenant. Un peu planplan. Honnête mais pas inoubliable.

C’est finalement la découverte du magnifique bâtiment qui constitue le clou de la soirée.

“Das Rheingold”

Opéra Bastille, Paris • 29.1.13 à 19h30
Wagner (1869)

Direction musicale : Philippe Jordan. Mise en scène : Günter Krämer. Avec Thomas Johannes Mayer (Wotan), Samuel Youn (Donner), Bernard Richter (Froh), Kim Begley (Loge), Peter Sidhom (Alberich), Wolfgang Ablinger-Sperrhacke (Mime), Lars Woldt (Fasolt), Günther Groissböck (Fafner), Sophie Koch (Fricka), Edith Haller (Freia), Qiu Lin Zhang (Erda), Caroline Stein (Woglinde), Louise Callinan (Wellgunde), Wiebke Lehmkuhl (Flosshilde).

Finalement, la meilleure façon de se ménager de bonnes surprises, c’est de retourner voir des mises en scène dont on avait oublié à quel point on les avait appréciées afin de revivre le plaisir qu’on avait pris à les découvrir. La Tétralogie de Krämer pour l’Opéra Bastille a des hauts et des bas, mais ce Rheingold est d’excellente facture… d’autant plus apparente dans cette reprise que la réalisation m’en semble supérieure à celle de la création.

Par contraste à ce que j’écrivais en mars 2010, j’ai eu beaucoup de mal à accrocher cette fois à la direction musicale de Philippe Jordan, d’autant que l’orchestre semblait en petite forme. Mais j’ai en revanche redécouvert avec plaisir la succession de visuels inspirés qui jalonnent ce premier volet d’un Ring que je n’ai pas prévu a priori d’aller revoir dans son intégralité.

Excellente distribution, constituée presque exclusivement de grands habitués de leurs rôles. J’ai été curieusement beaucoup moins convaincu par la Fricka de Sophie Koch que lors de la création. Mention très spéciale en revanche pour le Fafner absolument sublime de Günther Groissböck.

“Dialogues des Carmélites”

Opéra de Toulon • 27.1.13 à 14h30
Francis Poulenc (1957)

Direction musicale : Serge Baudo. Mise en scène : Jean-Philippe Clarac et Olivier Delœuil. Avec Ermonela Jaho (Blanche de la Force), Nadine Denize (Madame de Croissy), Angeles Blancas Gulin (Madame Lidoine), Sophie Fournier (Mère Marie de l’Incarnation), Viriginie Pochon (Sœur Constance), Laurent Alvaro (le Marquis de la Force), Stanislas de Barbeyrac (le Chevalier de la Force), Olivier Dumait (L’Aumônier), …

Une mise en scène sans génie mais sans sans audace déplacée du chef d’œuvre de Poulenc. On aimerait néanmoins que les bouts de concepts semés aux quatre vents (le musée, les cailloux) soient mis au service d’une vision compréhensible.

Sur le plan musical aussi, la réalisation est sans génie particulier. L’orchestre est placé sous la direction du vénérable Serge Baudo, qui avait déjà l’air bien vieux lorsque je le voyais diriger l’Orchestre de Lyon il y a trente ans. Le rôle de Madame de Croissy est confié à Nadine Denize, inconsidérément tirée d’une retraite bien méritée après une belle carrière à l’Opéra de Paris. J’aime beaucoup Ermonela Jaho depuis que je l’ai vue en Violetta à Londres et en Manon à Marseille. Sa voix, malheureusement, semble déjà un peu fatiguée… et le vibrato s’est considérablement élargi. Jolies prestations dans les seconds rôles, avec notamment le Marquis exceptionnel de Laurent Alvaro.

“Street Scene”

Théâtre du Châtelet, Paris • 25.1.13 à 20h
Musique : Kurt Weill (1946). Livret : Elmer Rice, d’après sa pièce. Lyrics : Langston Hughes.

Mise en scène : John Fulljames. Orchestre Pasdeloup, Tim Murray. Avec Geof Dolton (Frank Maurrant), Sarah Redgwick (Anna Maurrant), Susanna Hurrell (Rose Maurrant), Paul Curievici (Sam Kaplan), Robert Burt (Lippo Fiorentino), Simone Sauphanor (Greta Fiorentino), Margaret Preece (Emma Jones)…

J’avais déjà eu l’occasion de décrire mon émerveillement devant cette géniale production du chef d’œuvre de Kurt Weill lorsque je l’avais vue au Young Vic de Londres en juillet 2008. C’est une version légèrement modifiée que le Châtelet a l’excellente idée de nous présenter… et le constat s’impose à nouveau : Street Scene est un chef d’œuvre de toute première amplitude, y compris à l’aune des canons de la musique “sérieuse”.

L’Orchestre Pasdeloup démontre une belle versatilité en s’immergeant dans cette partition aux multiples facettes, traversée par un swing irrésistible. Distribution irréprochable, dominée par la Anna digne et charismatique de Sarah Redgwick.

On n’a qu’une envie en sortant : y retourner.

“Einstein on the Beach”

Het Muziektheater, Amsterdam • 12.1.13 à 18h30

Musique et lyrics : Philip Glass. Mise en scène : Robert Wilson. Chorégraphie : Lucinda Childs. Direction musicale : Michael Riesman. Avec Helga Davis, Kate Moran, Antoine Silverman, The Lucinda Childs Dance Company, The Philip Glass Ensemble.

J’avais vu cette nouvelle production du mythique opéra de Philip Glass à Londres en mai 2012, mais j’avais dû m’éclipser avant la fin, à mon grand regret. J’ai donc profité de l’étape amstellodamoise du spectacle pour aller le revoir et, confortablement installé dans mon fauteuil fétiche du troisième rang d’orchestre, je me suis laissé aller à nouveau à la contemplation de cette œuvre unique et fascinante.

Einstein on the Beach n’est pas véritablement un opéra, même si l’aria “Bed” du quatrième acte est d’un lyrisme bouleversant. Les moments d’émerveillement visuel abondent, notamment lors des tableaux chorégraphiques de Lucinda Childs, réglés avec une précision d’autant plus fascinante qu’ils paraissent guidés par le hasard. Ils sont d’une beauté confondante et constituent pour moi les sommets de la représentation.

Le tableau “Spaceship”, que je n’avais pas vu à Londres, couronne parfaitement le spectacle. Difficile, après ça, de terminer de manière convaincante. C’est ce que cette production réussit le moins bien, mais je n’ai pas vu le temps passer du tout.

On entend beaucoup parler français dans la salle : le spectacle, aux dernières nouvelles, n’a toujours pas prévu d’étape parisienne…