Paris – Broadway

“The Artist”

UGC Ciné-Cité les Halles, Paris • 16.10.11 à 16h50

Michel Hazanavicius (2011). Avec Jean Dujardin, Bérénice Bejo, …

Un film original, ambitieux et émouvant. Une entreprise qui, manifestement, vient du cœur, et qui est truffée d’allusions et de références dont je n’ai pas dû saisir la moitié. Le scénario et la réalisation sont bourrés d’idées originales et fascinantes. Dujardin a un chien fou et une sacrée gueule qui sait faire du gringue à la caméra sans vergogne. 

Reste que l’émotion met un peu de temps à décoller. Peut-être à cause de la partition de Ludovic Bource, qui tourne un peu en rond. Peut-être à cause de ce chien horripilant — peu de choses m’agacent autant que les animaux “savants”. Mais ma gorge s’est serrée instantanément lorsque le sublimissime thème de Bernard Herrmann pour Vertigo a envahi la salle. Les dix dernières minutes du film sont absolument géniales et se terminent sur des images qui rendent heureux.

À titre personnel, j’aurais appelé le film The Artiste plutôt que The Artist.

“Black Swan”

Dans le train • 7.5.11
Darren Aronofsky (2010). Avec Natalie Portman.

Un film inutile : scénario téléphoné (on a tout compris dans les dix premières minutes), réalisation convenue, interprétation sans génie (Vincent Cassel est à peu près aussi convaincant en chorégraphe que moi en pêcheur de pleine mer). On a un peu l’impression de voir un condensé de tous les films fantastiques de série Z (Carrie), propulsé par erreur dans la “cour des grands”. Prétentieux et sans âme.

“L’Année dernière à Marienbad”

Dans l’avion • 9.4.11
Alain Resnais (1961). Avec Delphine Seyrig, Giorgio Albertazzi, Sacha Pitoëff…

Je n’avais jamais vu ce chef d’œuvre d’Alain Resnais, qui doit son charme à une étonnante combinaison : le scénario virtuose et la prose envoûtante d’Alain Robbe-Grillet, la cinématographie sublimement stylisée de Sacha Vierny avec ses noirs et ses blancs hypnotiques, la musique oppressante de Francis Seyrig, les performances habitées de Delphine Seyrig — avec ses grands yeux hallucinés et ses poses statuaires —, Giorgio Albertazzi — avec son accent italien étonnamment dur — et de Sacha Pitoëff, avec son inquiétante silhouette interminable et sa diction fascinante.

Le temps et l’espace se déploient comme des fractales : des motifs élémentaires se répètent à l’envi dans des variations infinies. Jeux de facettes et de miroirs ; un couloir mène toujours à un autre couloir et une porte, à une autre porte dans cet univers clos, sans dehors apparent. “C’est un drôle d’endroit”, dit l’un des personnages. “Pour être libre ?”, lui renvoie un autre.

Les deux personnages principaux, qui n’ont pas de nom (“les noms n’ont pas d’ïmportance”, répète plusieurs fois l’homme à l’accent italien), semblent confronter des souvenirs, des réminiscences qui viennent par bribes et se confrontent sans toujours se superposer. “Rappelez-vous !” : une incantation répétée comme une obsession. Jusqu’à ce que le personnage de Giorgi Albertazzi admette : “Je ne me souviens plus”, d’une voix angoissée, à un moment où le film s’accélère pour prendre la direction de son dénouement, vers une sortie tellement étrangère qu’on ne peut la montrer vraiment.

Les silences sont lourds et perceptibles même lorsque la musique d’orgue prend le dessus. Le temps semble élastique et les regards, éternels. Dans ce lieu “trop sombre, ou inconnu”, les mouvements semblent rituels. Dans ce labyrinthe baroque, cette cage dorée, les hommes semblent pris au piège. Mais que font-ils au juste ? Cherchent-ils, précisément, à échaper à leurs souvenirs ?

La prose de Robbe-Grillet se dévore comme une gourmandise douce-amère dont les goûts ne se dévoilent que progressivement : l’usage obsessif et noble de la deuxième personne, les descriptions détaillées de lieux et de postures physiques, les répétitions…

“Je ne suis jamais restée aussi longtemps nulle part!", dit l’héroïne vers la fin du film : c’est en effet une petite éternité que l’on a vécue en sa compagnie.

“The September Issue”

Dans l’avion • 3.4.11
R.J. Cutler (2009)

Ce documentaire suit la célèbre et redoutée rédactrice en chef du Vogue américain, Anna Wintour (qui avait déjà inspiré en partie le personnage de Miranda Priestly dans le film The Devil Wears Prada) pendant la période qui précède le bouclage du fameux “numéro de septembre”, la mylthique livraison de rentrée du magazine.

Si le film ne fait que confirmer l’image que l’on se fait de Wintour, il ne réserve pas moins un petit rebondissement quand la belle Grace Coddington, la directrice artistique du magazine, vole peu à peu la vedette à sa chef, avec qui les relations semblent tendues. Du coup, le documentaire sert aussi de vitrine au remarquable travail de Coddington, dont le brillant esprit créatif produit de petites merveilles.

“The Shawsank Redemption”

Dans l’avion • 31.3.11
Frank Darabont (1994). Avec Tim Robbins, Morgan Freeman, Bob Gunton…

Je n'avais pas vu ce film du réalisateur de l’inoubliable Green Mile lors de sa sortie en salle, mais je comprends qu'il ait autant soulevé l'enthousiasme à l'époque — il est toujours aujourd’hui en tête du palmarès des films préférés des utilisateurs de l’IMDB.

Un scénario bien ficelé, une réalisation au cordeau, deux performances enthousiasmantes de Tim Robbins mais surtout de Morgan Freeman, dont le sourire et les intonations sont irrésistibles. Le film, dans sa générosité, offre plusieurs de ces moments enchantés qui prennent irrésistiblement à la gorge, dont l'un bénéficie de la complicité bienveillante de Mozart.

“Winter’s Bone”

Dans l’avion • 27.3.11
Debra Granik (2010). Avec Jennifer Lawrence, John Hawkes,…

Un film lumineux et touchant, à l’image de cette campagne du Missouri qui lui fournit ses paysages. Des personnages qui vivent dans un monde aux valeurs et aux repères tellement exotiques que l’atmosphère de paisible normalité qui semble irriguer le film est un paradoxe permanent. Des comédiens extraordinaires : Jennifer Lawrence s’est attirée de nombreux éloges pour son incarnation du personnage principal, Ree, mais les personnages secondaires sont tout aussi fascinants, notamment le Teardrop de John Hawkes et la fabuleuse Merad de Dale Dickey.

La première fois — sans doute la dernière — que je trouve la musique country supportable.

“Exit Through the Gift Shop”

Dans le train • 4.3.11
Banksy (2010)

Que ce film soit un vériatable documentaire ou qu’il soit en réalité une savante fiction comme certains le pensent, il n’en est pas moins passionnant. Même si mon cerveau gauche résiste un peu à l’idée que l’activité consistant à couvrir en douce certains murs de pièces de “street art” puisse être en quoi que ce soit respectable, elle ne fournit finalement ici que le prétexte à une curieuse histoire de retournement — ou comment l’homme qui suivait ces artistes des rues de manière compulsive, caméra à la main, a fini par monter un coup d’éclat retentissant

Le film pose au fond une question éminemment pertinente sur la valeur commerciale de cet art qui se veut a priori indépendant de toute considération de marché. Les artistes des rues “historiques” présents dans le film — Space Invader, Shepard Fairy, Banksy lui-même — sont désormais totalement assimilés et entretenus par le système en dehors duquel ils se plaçaient d’eux-mêmes. Comment, dans ces conditions, reprocher à un original excentrique d’entrer de plain-pied dans ce système commercial sans gagner sa légitimité par des actes plus subversifs ? C’est tout à l’honneur de Banksy de saisir cet épisode — qu’il soit réel ou imaginaire importe finalement assez peu — pour poser candidement cette question à laquelle il n’a pas la prétention de répondre.

“Animal Kingdom”

Dans le train • 27.2.11
David Michôd (2010). Avec James Frecheville, Jacki Weaver, Ben Mendelsohn, Sullivan Stapleton, Luke Ford, Joel Edgerton, …

Un film australien à la fois inattendu et captivant. Il commence sur une géniale trouvaille scénaristique, qui met d’emblée la barre très haut : le jeune J (Joshua) regarde la télé assis à côté de sa mère assoupie. Des infirmiers débarquent et on comprend que J a dû appeler des secours parce que sa mère a “encore” abusé de l’héroïne. Alors que les secouristes s’activent, le regard de J dérive inéluctablement en direction de la télévision : le sort de sa mère lui importe peu ; c’est une émission débile qui capte son attention.

Sa mère est morte. J va vivre avec sa grand-mère et ses oncles, une bande de gangsters particulièrement gratinés dont sa mère l’avait volontairement protégé. La qualité d’écriture ne se dément pas : combinée à une interprétation et une réalisation remarquables, elle aboutit à une irrésisitible galerie de portraits, dont le plus réjouissant est celui de la grand-mère Janine, surnommée Smurf, qui se promène toujours avec un large sourire sur le visage et dont la psychologie ne se révèlera que progressivement, couche après couche (formidable Jacki Weaver).

J va se trouver en position de témoigner contre ses oncles et devra décider où placer sa loyauté. Au moment où on pense avoir compris où va l’intrigue, elle prend soudain des chemins de traverse et se dirige vers un dénouement très bien trouvé, qui permet au film de s’achever sur une situation à peu près aussi géniale que la scène d’ouverture. Un régal.

Cerise sur le gâteau, l’accent australien omniprésent, une fois dompté, est un petit bonheur.

“Toy Story 3”

Dans le train • 26.2.11
Lee Unkrich (2010). Avec les voix de Tom Hanks (Woody), Tim Allen (Buzz Lightyear), …

Bon, ça se confirme : les petits génies de Pixar parviennent à faire monter les enchères à chaque nouveau film et ce troisième et vraisemblablement dernier épisode de la série des Toy Story est aussi le meilleur. À part quelques scènes d’ailleurs un peu longuettes vers la fin du film, jamais les exploits techniques ne prennent le dessus et c’est bien la créativité inépuisable des auteurs qui laisse pantois. J’essayais pourtant pendant les premières scènes de deviner où pouvait bien aller le scénario, mais j’étais loin d’imaginer le génial délire qui se préparait. C’est incroyablement bien trouvé, superbement réalisé et, en fin de course, très émouvant.

Volontairement ou non, Randy Newman cite une phrase musicale de “A Heart Full of Love”, une chanson des Misérables, en conclusion du tout dernier passage musical du film, intitulé “So Long”.

“The Social Network”

Dans le train • 19.2.11
David Fincher (2010). Avec Jesse Eisenberg (Mark Zuckerberg), Andrew Garfield (Eduardo Saverin), Justin Timberlake (Sean Parker)…

Ce film m’a laissé baba. Dieu sait que le sujet — l’histoire de la création de Facebook — ne m’attirait pourtant pas particulièrement. Mais il est rare de croiser des scénarios aussi bien écrits… sauf — le constat se confirme un peu plus chaque jour — dans certaines séries télé. On n’est donc qu’à moitié surpris que le scénario soit signé d’Aaron Sorkin, un auteur dramatique (A Few Good Men) connu surtout pour avoir créé la série The West Wing. Les dialogues de Sorkin sont des joyaux : ciselés, acérés, rythmés, ils font souvent l’effet d’un uppercut décoché en pleine mâchoire. La construction par flashbacks, assez classique, est utilisée parfaitement pour aboutir à une fin elle aussi très bien écrite.

Réalisation impeccable, interprétation au cordeau — Jesse Eisenberg et Justin Timberlake sont remarquables. Réussir aussi bien un film sur un sujet aussi peu cinématographique a priori est un petit exploit.

“The King’s Speech”

UGC Normandie, Paris • 25.1.11 à 20h

Tom Hooper (2010). Avec Colin Firth (King George VI), Geoffrey Rush (Lionel Logue), Helena Bonham Carter (Queen Elizabeth), Michael Gambon (King George V), Claire Bloom (Queen Mary), Guy Pearce (King Edward VIII), Eve Best (Wallis Simpson), Derek Jacobi (Archbishop Cosmo Lang), Timothy Spall (Winston Churchill), …

Bon, allez, c’est vrai, la publicité dit vrai : ce film est génial et bouleversant. D’autant qu’il est brillamment servi par un étonnant échantillon de ce que le Royaume-Uni et le Commonwealth ont produit de plus éblouissant en matière d’art dramatique.

On a vaguement envie de chercher les défauts pour ne pas succomber à la prévisible adoration générale. Il faut reconnaître que le film utilise toutes les ficelles possibles pour séduire, avec son scénario et sa réalisation bien mélodramatiques et une musique d’Alexandre Desplat (incontournable, ces jours-ci) parfaitement calibrée… avec tout de même un vaillant renfort de Papy Beethoven pour que les deux dernières scènes soient encore plus irrésistibles. (Quiconque n’est pas terrassé par les larmes pendant les dix dernières minutes doit sérieusement s’inquiéter pour sa santé.) Mais sont-ce vraiment des défauts ?

Le scénario est un régal, avec ses petites touches d’humour savamment réparties pour équilibrer le mélo. Et on ne peut qu’être subjugué par les prestations de Colin Firth (que j’adore depuis la géniale mini-série anglaise Lost Empires, diffusée dans les années 1980) et de Geoffrey Rush. L’espèce d’étincelle mutine qui brille au fond des yeux de Rush pendant tout le film est simplement jubilatoire. Quant à Firth, la complexité et la profondeur qu’il parvient à projeter laissent sans voix, sans compter sa capacité à porter un scénario dont l’apex émotionnel est la lecture d’un discours devant un micro de radio ! Il faut dire qu’il est très très bien servi par le scénariste, dont je découvre qu’il a travaillé sur le script du génial Tucker de Coppola.

La réalisation de Tom Hooper oscille entre un classicisme bon teint et quelques touches plus audacieuses, généralement plutôt efficaces mais occasionnellement inutilement maniérées.

Un des très rares films dont je sais d’ores et déjà que j’y reviendrai régulièrement, juste pour replonger dans cet océan d’émotion.

“También la lluvia”

UGC Ciné-Cité les Halles, Paris • 19.1.11 à 22h30

Même la pluie. Icíar Bollaín (2010). Avec Gael García Bernal, Luis Tosar, Karra Elejalde, Juan Carlos Aduviri…

Une équipe arrive en Bolivie pour y tourner un film sur les méfaits de la colonisation de l’Amérique par les Espagnols après l’arrivée de Colomb, mettant particulièrement en avant le rôle d’Antonio de Montesinos et son célèbre sermon sur la cruauté du traitement des indigènes. L’un des indiens quechuas embauchés pour jouer les figurants est également le meneur d’un mouvement populaire contre la privatisation de l’approvisionnement en eau et les augmentations de prix monumentales qui en résultent. L’actualité et la représentation historique se superposent et s’entrecroisent de multiples manières.

Un film intéressant qui parvient à échapper à une catégorisation trop marquée. Un peu de comédie, un peu d’histoire, un peu de conscience sociale pas trop bébête, quelques biens jolis paysages… On n’échappe pas à quelques poncifs prévisibles (l’exploitation abusive des ressources naturelles par une multinationale sans visage et sans âme ; l’apprenti capitaliste qui se découvre un grand cœur au détour d’un chemin ; les champions de la conscience sociale dont les principes ne résistent pas à une confrontation avec la dure réalité), mais la mise en abyme réalisée par le scénario parvient à faire réfléchir de manière convaincante et, parfois, touchante.

La réalisation de l’Espagnole Icíar Bollaín est un peu monotone, mais elle se débrouille plutôt bien des contraintes que l’on suppose attachées au budget forcément modeste du film. Il est néanmoins frappant de constater à quel point les tics des réalisateurs sont victimes, eux aussi, de la mondialisation. La scène d’ouverture, notamment, paraît sortie directement d’un film américain.

Belle distribution menée par Gael García Bernal, qui continue son joli chemin après Amores Perros et La Mala Educación. C’est cependant Luis Tosar et sa “gueule” qui marquent le plus — il faut dire que c’est son personnage, Costa, à qui le scénario fait vivre la plus belle aventure. Et puis il y a ces indiens quechuas : ce ne sont pas les meilleurs acteurs du monde, mais ils dégagent quelque chose, une sorte de noblesse un peu fragile, qui les rend fascinants.

“Potiche”

UGC Ciné-Cité les Halles, Paris • 19.12.10 à 11h35

François Ozon (2010). Avec Catherine Deneuve, Gérard Depardieu, Fabrice Luchini, Karin Viard, Jérémie Renier, Judith Godrèche…

Difficile de dire ce qui m’excitait le plus dans cette aventure : l’idée de revoir l’excellente comédie de Barillet et Grédy, indissociable du souvenir de la géniale Jacqueline Maillan ; le fait que ce soit François Ozon qui se soit collé à l’aventure ; ou encore la curiosité de voir Catherine Deneuve endosser le rôle trucculent de Suzanne Pujol, la potiche moins cruche qu’il n’y paraît.

Ce n’est pas, je pense, faire injure à Catherine Deneuve que de dire que chacune de ses répliques semble sortir tout droit de la bouche de Jacqueline Maillan. Un bonheur légèrement teinté de la nostalgie qu’inspire inévitablement le souvenir d’une comédienne qui nous a tant fait rire.

Deneuve donne la réplique à un Gérard Depardieu capable d’une étonnante finesse de jeu, totalement à l’opposé de l’impression que dégage un physique aux proportions considérables.

Mais il y a deux autres raisons pour lesquelles Potiche est si plaisant.

La première, c’est l’espièglerie avec laquelle Ozon pastiche les travers du théâtre de boulevard, notamment ses jeunes premières trop blondes et trop éthérées pour être prises au sérieux et ses jeunes premiers à l’hétérosexualité douteuse.

La seconde, c’est cette minutieuse reconstitution de l’atmosphère des années 1970, que ce soit à travers la bande son ou à travers les visuels. Je n’ose imaginer le plaisir qu’a dû éprouver l’équipe artistique du film à reconstituer ces ambiances, ces voitures, ces tissus, ces objets — ah, les pastilles rouge et verte sous la semelle des Kickers, le générique d’Aujourd’hui, Madame, le protège-téléphone en skaï coloré…

“Tangled”

UGC Ciné-Cité les Halles, Paris • 17.12.10 à 20h25

Nathan Greno & Byron Howard (2010).

Il n’y a au fond rien d’étonnant à ce que les studios Disney, pour leur 50ème long métrage animé, s’attaquent enfin au conte Rapunzel des frères Grimm, moins connu en France que dans les pays anglo-saxons (et particulièrement connu des amateurs de comédie musicale puisqu’il figure en bonne place parmi les histoires entremêlées dans la comédie musicale Into the Woods).

Les concepteurs de ce nouvel opus ont manifestement cherché à “moderniser” l’image des productions Disney, que ce soit en adoptant un dessin qui lorgne en direction des mangas japonais ou en s’autorisant une bonne dose d’humour décalé à la Pixar — qui rappelle parfois ce petit bijou injustement méconnu qu’est The Emperor’s New Groove (qui, coïncidence ou non, était le 40ème long métrage animé de Disney).

Même si tout cela donne l’impression d’appliquer des formules marketing, le résultat est un régal car le film parvient par ailleurs à conserver les caractéristiques essentielles et instantanément identifiables des grands films Disney : une belle et grande histoire romantique, des personnages savoureux — notamment du côté du règne animal — et une partition irrésistible.

C’est Alan Menken (dont nous parlions ici et là, mais qui est aussi l’un des artisans du renouveau des films Disney dans les années 1990 avec Beauty & the Beast, Aladdin ou encore The Hunchback of Notre Dame) qui signe la musique et sa patte est instantanément reconnaissable.

Mais, à mon sens, la plus grande force du film est la performance de la géniale Donna Murphy, qui campe une Mother Gothel absolument irrésistible. Sa chanson “Mother Knows Best” est pour moi le sommet du film.

“Harry Potter and the Deathly Hallows – Part 1”

UGC Ciné-Cité les Halles, Paris • 17.12.10 à 16h20

David Yates (2010).

Je profite de ma deuxième mésaventure aérienne du mois pour rattraper quelque peu mon retard en matière cinématographique.

Ce film nous rapproche du dénouement de la saga des Harry Potter… et on n’est pas franchement mécontent tant est forte l’impression de revoir toujours plus ou moins le même film, maintenant que la fraîcheur et la créativité de l’épisode initial ne sont plus qu’un lointain souvenir émerveillé.

Le scénario se distingue néanmoins par de réels efforts pour éviter de faire des personnages des caricatures sans substance. On apprécie l’injection plutôt réussie d’une bonne dose d’humour, tournant notamment autour de l’adolescence des personnages principaux. Il y a également quelques scènes très émouvantes, comme au début du film, lorsque Hermione prend congé de ses parents en effaçant toute trace d’elle-même dans leurs souvenirs et sur les photos de famille : non seulement la réalisation en est très réussie, mais la musique d’Alexandre Desplat qui l’accompagne est particulièrement inspirée.

Du côté négatif, on aimerait qu’une logique plus forte apparaisse dans l’enchaînement des aventures des jeunes gens. Ils ne se demandent jamais très longtemps dans quelle direction ils doivent diriger leurs pas pour la prochaine étape de leur épopée, sans qu’on comprenne très bien quel raisonnement les y pousse.

Reste qu’on ne peut que se réjouir de voir rassemblée ainsi la fine fleur de l’art britannique dramatique : la somme de talent représentée à l’écran est absolument inégalable.

“A Single Man”

À bord du vol AF 9 • 23.5.10
Tom Ford (2009). Avec Colin Firth, Julianne Moore, Nicholas Hoult, Matthew Goode, …

J’ai enfin pu regarder ce film assez fascinant de Tom Ford, même si c’est le type de film qu’il n’est pas idéal de regarder dans un avion. J’imagine que certains ont dû reprocher au film son côté esthétisant ; je le trouve au contraire absolument scotchant. Superbe bande son idéalement mélodramatique d’Abel Korzeniowski : comme pour l’image, c’est assumé et fort. Formidables performances de Colin Firth et de Julianne Moore : ce n’est pas une surprise…

Mais quand les gens ont-ils cessé d’être aussi élégants ?

“The Red Shoes”

Le Nouveau Latina, Paris • 17.4.10 à 21h
Michael Powell et Emeric Pressburger (1948). Avec Marius Goring (Julian Craster), Victoria Page (Moira Shearer), Anton Walbrook (Boris Lemontov),…

Ce film mythique parmi les balletomanes bénéficie grâce à Martin Scorsese d’une restauration destinée à montrer la beauté des images tournées par l’un des maîtres du Technicolor, Jack Cardiff. Il y a quelques longueurs dans ce film inspiré par un conte assez triste de Hans Christian Andersen, mais le grand ballet d’une quinzaine de minutes qui intervient à peu près au milieu du film ainsi que la belle fin romanesque justifient la réputation de l’œuvre.

“Shutter Island”

UGC Ciné-Cité les Halles, Paris • 16.4.10 à 19h35
Martin Scorsese (2010). Avec Leonardo DiCaprio (Teddy Daniels), Mark Ruffalo (Chuck Aule), Ben Kingsley (Dr Cawley), Max von Sydow (Dr Naehring), …

Bien que le film de Scorsese soit catégorisé comme un thriller, on semble s’écarter des canons du genre à plusieurs reprises pour verser plutôt dans le fantastique. Mais le scénario est suffisamment malin pour donner finalement une certaine cohérence à tout cela lors du coup de théâtre final.

Belle réalisation, servie par une photo très contrastée, presque stylisée. Leonardo DiCaprio propose une interprétation assez solide, mais ce sont les vétérans Ben Kingsley (68 ans) et Max von Sydow (81 ans !) qui crèvent l’écran.

Le choix des œuvres musicales qui constituent la bande sonore est particulièrement réjouissant, à commencer par le fameux (et envoûtant) mouvement de quatuor pour piano et cordes en la mineur de Mahler, qui fournit l’ambiance idéale à l’une des plus belles scènes du film (même si je ne suis pas sûr qu’il avait déjà été enregistré en 1954, l’année où le film est censé se passer — monsieur gvgvsse ?) Pour le reste, très jolies sélections puisées chez John Adams, Penderecki, Ligeti, John Cage, Morton Feldman… un plaisir pour les oreilles autant que pour les yeux.

“Nine”

AMC Loews 34th Street 14, New York • 3.1.10 à 11h30
Rob Marshall (2009)

Avec Daniel Day-Lewis (Guido Contini), Penélope Cruz (Carla), Nicole Kidman (Claudia), Judi Dench (Lilli), Sophia Loren (Mamma), Marion Cotillard (Luisa Contini), Stacy Ferguson (Saraghina), Kate Hudson (Stephanie), …

Ça y est, l’adaptation cinématographique de la comédie musicale Nine, elle-même inspirée du film 8½ de Fellini, est enfin sortie sur les écrans. L’événement est de taille, d’autant que c’est Rob Marshall, déjà à l’origine de l’adaptation plutôt réussie de Chicago, qui s’y est collé.

Les amateurs de la comédie musicale d’origine semblent partagés sur les mérites du film. Il faut dire que le livret a été remanié, que plusieurs chansons ont disparu et que deux nouvelles chansons pas très réussies ont été écrites par l’auteur d’origine, Maury Yeston.

Pour ma part, je trouve cette adaptation raisonnablement réussie.

En premier lieu, il y a cette distribution étonnante. Daniel Day-Lewis, contre toute attente, est parfaitement crédible dans le rôle du metteur en scène italien en crise. On avait été peiné d’apprendre le forfait de Javier Bardem (et on aurait encore plus aimé que le rôle soit tenu par Antonio Banderas, qui avait tenu l’affiche d’une excellente reprise à Broadway en 2003), mais c’est haut la main que Day-Lewis marche dans les pas de Marcello Mastroianni.

Comme d’habitude, Penélope Cruz est superbe. Judi Dench nous régale aussi d’une de ces performances impeccables dont elle a le secret. Quant à Sophia Loren, elle rayonne, tout simplement. Kate Hudson ne démérite pas dans le rôle largement réécrit de Stephanie, bien qu’elle hérite de l’une des chansons nouvelles, une soupe pop intitulée “Cinema Italiano”. Très belle performance également de Stacy Ferguson (alias Fergie, apparemment) dans le rôle redoutable de Saraghina.

On descend de plusieurs crans dans l’échelle du sublime (pour ne pas dire qu’on s’enfonce carrément dans le registre du médiocre) avec une Marion Cotillard qui, en dépit d’un joli minois plutôt bien adapté au look “années 60”, supporte très difficilement la comparaison avec ses co-vedettes. À côté de Penélope Cruz, Judi Dench ou Sophia Loren, elle est à peine visible. C’est malheureusement à son personnage qu’appartient ma chanson préférée, “My Husband Makes Movies”. C’est également elle qui écope d’une nouvelle chanson sans grand intérêt, “Take It All”.

Et puis il y a la réalisation de Rob Marshall. Pour un metteur en scène aussi “jeune” dans son métier, force est de reconnaître qu’il a un sacré sens de l’image. Alors oui, le montage est parfois un peu fatigant avec ses changements de plans incessants. Oui, les images de Guido Contini fonçant dans Rome dans son bolide décapotable ne sont pas d’une folle originalité, pas plus que les images superbes de son arrivée à Anzio sur une route côtière spectaculaire. Mais il y a une vraie unité de ton et d’intention dans les visuels et les numéros musicaux sont, globalement, très bien gérés.

Ah, les numéros musicaux ! Hollywood semble excessivement mal à l’aise avec l’idée que l’on puisse se mettre à chanter et à danser au milieu d’une action dramatique. Au point qu’on se demande pourquoi des producteurs ont encore envie de financer des comédies musicales. Alors, comme dans Chicago, le scénario imagine des subterfuges — pas toujours totalement compréhensibles — pour éviter aux comédiens de se mettre à chanter comme ça, sans raison apparente. Ça fonctionne raisonnablement bien, même si certains personnages sont mieux servis que d’autres : dans le cas de Luisa, le personnage interprété par Marion Cotillard, on ne comprend pas quel est le prétexte. (Soyons clairs, ce n’est pas de sa faute.)

Le livret a été largement ré-imaginé (par Michael Tolkin et Anthony Minghella) par rapport à la version scénique. Pour ma part, je trouve le résultat convaincant. Il faut reconnaître que le livret original, qui est un petit bijou, a un côté surréaliste parfaitement acceptable sur scène mais qui aurait pu poser problème une fois porté à l’écran. Certains ont monté en épingle une réplique assez crue donnée à Penélope Cruz : vue en contexte, elle ne me choque pas du tout. Au contraire.

Ce qui m’a le plus gêné, au fond, ce sont les deux chansons nouvelles, vraiment peu intéressantes, ainsi que les nouvelles orchestrations des chansons conservées. La plupart du temps, la version originale sonne beaucoup mieux. La disparition de l’ostinato de clavecin dans l’accompagnement de “My Husband Makes Movies” est de ce point de vue assez criminelle.

Dans l’ensemble, je rejoins donc le camp de ceux qui sont convaincus par cette adaptation cinématographique… et il me tarde de savoir si Rob Marshall a d’autres projets dans ses cartons.

Mon accompagnatrice, qui ne connaît rien de la comédie musicale Nine, m’a posé une très bonne question à la sortie du film : mais pourquoi est-ce que ça s’appelle Nine ? Compte tenu des coupes effectuées, la référence à l’âge qu’avait le personnage principal lors d’épisodes déterminants de son enfance est à peine compréhensible.

“A Christmas Carol”

Regal E-Walk Stadium 13, New York • 20.11.09 à 11h45
Robert Zemeckis (2009)

Cette énième version du célèbre conte de Noël de Dickens est un film d’animation Disney réalisé en 3D. Une grande partie des voix est fournie par Jim Carrey, mais on y entend aussi Colin Firth, Gary Oldman ou encore Robin Wright Penn. La 3D — dont je suis vraiment fan — est très réussie et donne à tout le film une impression de profondeur tout à fait réussie.

L’adaptation est très fidèle. Il me semble qu’elle utilise plus de dialogues de Dickens que d’autres versions. Un passage curieux, qui semble être une citation du texte d’origine, s’entend comme une pique à l’encontre des gens d’église. C’est très curieux dans le scénario d’un film américain, produit par Disney de surcroît… d’autant que je ne retrouve pas la phrase dans le texte d’origine.

Le film se regarde avec plaisir, même si quelques scènes inutiles ont été rajoutées vers la fin simplement pour le plaisir du spectacle visuel. Le dénouement, comme toujours, est touchant. La seule condition pour passer un bon moment semble être de ne pas être allergique au style pas très subtil de Jim Carrey (et aux accents anglais mal imités).