Paris – Broadway

Concerts New York Philharmonic / Gilbert à Pleyel

Salle Pleyel, Paris • 6 et 7.2.12 à 20h
New York Philharmonic, Alan Gilbert

6.2.12

Beethoven : concerto pour violon (Frank Peter Zimmermann, violon)
Stravinski : symphonie en trois mouvements
Ravel : Daphnis et Chloé — Suite n° 2 

7.2.12

Magnus Lindberg : Feria
Bartók : concerto pour piano n° 2 (Lang Lang, piano)
Prokofiev : symphonie n° 5

Deux concerts passionnants et débordants d’énergie.

Ce sont les deux concertos qui constituent les moments forts de ces deux concerts. Le Beethoven est une indescriptible splendeur, d’une opulence sonore exceptionnelle, un déluge de couleurs, un déchaînement de tensions exquises. Zimmerman est le premier violoniste que j’entends saturer ainsi l’acoustique de la Salle Pleyel, d’habitude plutôt peu amène à l’endroit des solistes à cordes. Sa technique est époustouflante… et le son qu’il tire de son Stradivarius est quasiment solaire. Quand Beethoven est joué comme ça (c’est-à-dire quasiment jamais), je n’ai vraiment aucun problème.

Pour le concerto de Bartók, l’orchestre est installé de manière bien peu conventionnelle — l’harmonie à gauche du chef, les cordes à droite (ce qui permet de spatialiser le son de manière très spécifique dans les deux premiers mouvements). Le piano se fond un peu dans l’orchestre. Gilbert et Lang Lang, dont l’entente est frappante, vont chercher de longues phrases très lyriques et très expressives. Les exigences techniques phénoménales de la partition empêchent Lang Lang de s’adonner à ses maniérismes agaçants et canalisent parfaitement son étonnante virtuosité. L’attaque du deuxième mouvement par un orchestre sublimement crépusculaire est vraisemblablement le moment le plus magique de ces deux concerts. Très belle prestation du timbalier tout au long du concerto.

Les autres œuvres interprétées pêchent un peu par excès de brillance. La symphonie de Prokofiev est magnifiquement bien jouée (par des musiciens dont les visages sont souvent illuminés par le plaisir de jouer), mais elle manque de rugosité. La suite de Daphnis et Chloé, trop monochrome, oublie de se laisser pénétrer par les clairs-obscurs ravéliens. On dirait qu’elle a été écrite par un lointain cousin américain : à sa façon, cette œuvre “nouvelle” est assez captivante.

Abondance de bis. Le mardi, ils me rappellent à quel point Berlioz me laisse indifférent et combien le New York Philharmonic est irrésistible quand il interprète Bernstein.

Il faut vraiment qu’Alan Gilbert change de tailleur…

Concert Orchestre Philharmonique de Radio-France / Karabits à Pleyel

Salle Pleyel, Paris • 3.2.12 à 20h
Orchestre Philharmonique de Radio-France, Kirill Karabits

Chostakovitch : concerto pour violon n° 1 (Alina Ibragimova, violon)
Rachmaninov : Danses symphoniques 

Le concerto d’Alina Ibragimova est très impressionnant, mais pas inoubliable. Dans le premier mouvement, elle applique de longs coups d’archet et réduit le vibrato au minimum : le son qu’elle produit est très blanc et très rude, mais l’effet crépusculaire généralement associé à ce mouvement est curieusement absent. On se console avec des pianissimi bouleversants. Dans le deuxième mouvement, les attaques deviennent sauvages et le son se pare d’une délicieuse violence : Ibragimova y laisse la moitié de son archet, qui ne résiste pas à un traitement aussi physique, d’autant plus étonnant compte tenu du gabarit relativement frêle de la violoniste. L’acoustique de Pleyel, qui n’a jamais favorisé les violons, ne rend pas justice à l’effort de la soliste : j’imagine que la transmission radiophonique doit être plus réussie. Dans le troisième mouvement, Ibragimova adopte à nouveau de longs coups d’archet extrêmement lyriques : grâce à une osmose parfaite avec l’orchestre, c’est le mouvement le plus tendu et aussi le plus réussi. La cadence est franchement sidérante.

Les Danses symphoniques sont somptueusement interprétées. On y entend beaucoup d’échos des autres œuvres de Rachmaninov. L’entente réelle entre Karabits et l’orchestre est palpable ; les dernières mesures sont particulièrement électriques.

Concert Philharmonia Orchestra / Davis à Festival Hall

Royal Festival Hall, Londres • 29.1.12 à 15h
Philharmonia Orchestra, Andrew Davis

Vaughan Williams : The Lark Ascending (Zsolt-Tihamér Visontay, violon)
Delius :
– concerto pour violoncelle (Julian Lloyd Webber, violoncelle)
– Brigg Fair
Elgar : Variations Enigma 

Ce concert, proposé dans le cadre des célébrations du 150ème anniversaire de Delius, m’a laissé dans un intense état de bonheur.

Dans les pays anglo-saxons, The Lark Ascending est considérée comme l’une des œuvres les plus sublimes de l’histoire de la musique. Et comment ne pas se laisser emporter par cette merveille de légéreté et de poésie ? Le Philharmonia et son supersoliste, Zsolt-Tihamér Visontay, en donnent une lecture enivrante. Certes, la musique n’est pas beaucoup plus épaisse qu’un fil, mais quand on la laisse aussi bien prendre son envol, on se sent soi-même porté par un mouvement irrésistible. En fermant les yeux, j’ai eu plus d’une fois le sentiment de m’envoler et de partir à la découverte de paysages merveilleux et sans cesse renouvelés.

Julian Lloyd Webber ressemble beaucoup à son frère Andrew, le compositeur de comédies musicales. Il ressemble aussi un peu à Spock, et le bandeau qu’il porte sous les cheveux (pour se protéger de la transpiration ?) ne fait qu’accentuer son apparence un peu curieuse. Il a créé un nombre impressionnant d’œuvres contemporaines… et il paraît que certains critiques préfèrent son concerto d’Elgar à celui de Jacqueline du Pré — ça me semble difficile, mais il faudra que j’aille écouter ça.

Le concerto de Delius est comme une longue complainte assez peu contrastée. Tout repose sur la capacité à maintenir une forme de tension élégiaque… et il faut reconnaître à Lloyd Webber, à défaut d’une technique bouleversante, un vrai talent pour tirer de son instrument des notes longues et incroyablement expressives, qui ne sont pas sans rappeler Yo-Yo Ma. C’est assez fascinant de le voir attaquer autant les cordes de son Stradivarius ; chaque note devient l’objet d’une attention particulière, d’une mise en scène propre. Étonnant.

La deuxième partie rapproche deux œuvres qui ont beaucoup en commun car elles sont toutes deux des variations sur un thème… et elles se caractérisent toutes les deux par des orchestrations d’une enthousiasmante richesse, qui multiplient les atmosphères et les couleurs.

Brigg Fair et les Variations Enigma sont deux grands moments, menés avec un instinct sans faille par un Andrew Davis parfaitement à l’aise dans le répertoire anglais. Le Philharmonia ne pourrait pas avoir plus changé de monde par rapport à son concert Bartók deux jours plus tôt au TCE… et pourtant, il semble tellement en résonance avec ces deux magnifiques partitions que c’en est presque surnaturel.

Des deux œuvres, c’est Brigg Fair qui produit la plus forte impression. C’est pourtant, des deux, la moins jouée…

Concert LPO / Jurowski à Festival Hall

Royal Festival Hall, Londres • 28.1.12 à 19h30
London Philharmonic Orchestra & Choir, Vladimir Jurowski

Prokofiev :
- extraits de la musique de scène des Nuits égyptiennes (Andrey Breus, baryton ; Simon Callow & Miranda Richardson, narrateurs) ;
- Ivan le Terrible, création mondiale de la suite arrangée par Lev Atovmyan (Ewa Podleś, contralto ; Andrey Breus, baryton)

Un concert inhabituel et passionnant, mené avec une énergie considérable par un Vladimir Jurowski décidément capable d’emmener le London Philharmonic sur des sommets dès qu’il s’agit d’interpréter le répertoire russe.

Les Nuits égyptiennes sont une sorte de mélodrame expérimental conçu en 1934 par Alexandre Taïrov autour de textes de Shakespeare, Pouchkine et Shaw ayant trait à Cléopâtre. L’orchestre interprète une partie des 44 numéros composés par Prokofiev pour soutenir l’action ou faire patienter pendant les changements de décor. C’est une musique sensuelle, gorgée de couleurs et de senteurs exotiques, assez irrésistible. Simon Callow et Miranda Richardson disent les textes avec un talent considérable.

La suite d’Ivan le Terrible arrangée par Lev Atovmyan n’a été retrouvée qu’en 2007 chez sa fille. Elle était interprétée ici pour la première fois par un LPO et son chœur, en grande forme. Il y a de petits décalages ici ou là, sans doute liés au rythme auquel l’orchestre enchaîne les concerts d’un mini festival Prokofiev… et la voix d’Eva Podleś n’a plus la souplesse d’antan… mais la représentation rend magnifiquement justice à la force d’une partition épique et colorée.

Concert Philharmonia Orchestra / Salonen au TCE

Théâtre des Champs-Élysées, Paris • 27.1.12 à 20h
Philharmonia Orchestra, Esa-Pekka Salonen

Bartók :
- Suite de danses
- concerto pour violon n° 2 (Christian Tetzlaff, violon)
Debussy : Prélude à l’après-midi d’un faune
Bartók : Le Mandarin merveilleux, suite

Pour moi, Bartók ne prend réellement vie que si on ose le traiter avec une forme de sauvagerie primordiale. Non seulement les interprètes de ce concert en sont-ils manifestements conscients, mais ils assument sans aucun complexe l’espèce d’état d’abandon dans lequel ils livrent la musique au public.

Ce qui n’empêche nullement l’orchestre de conserver une étonnante discipline collective, perceptible dès la magnifique Suite de danses, dans laquelle on est frappé par l’unité d’intention et d’expression des pupitres de cordes.

Sous la baguette de Salonen, qui est en ce moment l’un des chefs qui me font le plus vibrer, le concert est un moment magnifique et incroyablement énergisant. Le Philharmonia se donne corps et âme, avec une forme de rugosité primale et viscérale qui parle aux entrailles autant qu’à la tête.

Tetzlaff, que je trouve d’habitude plutôt froid et mécaniquement virtuose, s’accorde ici parfaitement au programme. Il produit dans le concerto un son rude, cru et délicieusement intense, semblant puiser dans le sol une force tellurique qui passe de manière extrêmement visible par les pieds. Le Bach obligatoire qu’il propose en bis est joli mais tellement peu à sa place qu’il en serait presque désagréable.

Le point bas du concert est un Prélude à l’après-midi d’un faune trop brillant, qui oublie de flâner et de se laisser imprégner par la sublime poésie en demi-teinte d’une partition dans laquelle il faut savoir se perdre.

Concert LA Philharmonic / Dudamel au Walt Disney Concert Hall

Walt Disney Concert Hall, Los Angeles • 20.1.12 à 20h
Los Angeles Philharmonic, Gustavo Dudamel

Mahler : symphonie n° 1

J’ai souvent photographié le Walt Disney Concert Hall, œuvre de l’architecte Frank Gehry, à qui l’on doit également le Musée Guggenheim de Bilbao… mais je n’avais encore jamais réussi à y entendre un concert.

Cette lacune est donc désormais comblée. L’intérieur de la salle offre un écrin particulièrement chaleureux à la représentation musicale, un contraste certain par rapport aux accents métalliques des façades. La visibilité semble excellente depuis chacun des sièges, et l’acoustique est étonnante de chaleur et de précision.

Lorsque le Los Angeles Philharmonic était passé par Paris l’année dernière, je m’étais interrogé à haute voix sur la désignation de Gustavo Dudamel comme Directeur Musical de l’excellente phalange, encore largement marquée par les années Salonen. Dudamel sait se rendre sympathique, et son enthousiasme non feint est touchant… mais il semble encore un peu jeune, encore un peu tendre, pour ce poste.

Dudamel s’est lancé dans une entreprise aux accents “gergieviens” : il va diriger en cinq semaines l’intégrale des symphonies de Mahler, avec “ses” deux orchestres, le Los Angeles Philharmonic et le Simón Bolívar Symphony Orchestra du Venezuela, d’abord à Los Angeles puis à Caracas — les deux orchestres joignant leurs forces pour la huitième.

La première symphonie interprétée lors de ce concert est beaucoup plus convaincante que celle avec laquelle Dudamel avait inauguré son poste. Le chef et l’orchestre se sont manifestement apprivoisés. La communion d’intention et de ressenti est plus grande… et il est évident que Dudamel a communiqué à l’orchestre une partie de son enthousiasme juvénile.

Je n’adhère toujours pas à ces contrastes extrêmes dans les tempos, mais certains des passages lents sont superbes. Et il faut reconnaître que l’emballement final a vraiment de la gueule : le son des cuivres est magnifique (même si les cors ont connu quelques faiblesses) et l’acoustique très détaillée de la salle met en valeur l’ensemble impeccable de l’orchestre.

Ce que j’ai surtout compris, à l’occasion de cette visite, c’est que “l’effet Dudamel” est bien plus qu’un coup marketing réussi de la part du Los Angeles Philharmonic. L’orchestre est en train de construire un nouveau type de relation avec son public, et tout le monde y trouve son compte.

Le public de ce concert était d’une variété incroyable : beaucoup de jeunes, beaucoup de latinos, … Dans cette série des “Casual Fridays”, les musiciens gardent leurs vêtements de ville, comme pour une répétition (l’occasion de voir quelques horreurs, mais passons). Dudamel dirige en jeans et Converse. L’un des musiciens, le violoncelliste Barry Gold, fait une petite présentation avant le concert. Après le concert, Gold, Dudamel et Deborah Borda, la présidente du Los Angeles Philharmonic, proposent un dialogue avec le public : plus de la moitié des spectateurs restent dans la salle ! L’amour réciproque est palpable.

Cette relation renouvelée entre l’orchestre et son public est une très belle réussite et on sent qu’elle crée beaucoup d’émotion de part et d’autre. J’étais moi-même extrêmement touché d’en être le témoin.

À un spectateur venu de Russie qui lui fait une remarque sur le fait qu’il dirige sans partition, Dudamel répond “ne vous inquiétez pas, je sais lire la musique”, ce qui fait beaucoup rire.

Concert ONF / Mintz au TCE

Théâtre des Champs-Élysées, Paris • 19.1.12 à 20h
Orchestre National de France, Shlomo Mintz

Beethoven : concerto pour violon (Shlomo Mintz, violon)
Dvorák : symphonie n° 8

Ça commençait pourtant mal, avec un concerto terne et poussif, interprété avec une épouvantable rigueur métronomique et des sonorités grinçantes. Je me demandais si ce n’était pas une façon pour Mintz de masquer une technique un peu fatiguée, mais le bis était manifestement conçu pour démontrer le contraire.

Appliquée à la magnifique symphonie de Dvorák, la technique Mintz produit un effet inattendu et miraculeux : la sobriété de la pulsation permet aux soli de s’épanouir de manière sereine ; le son de l’orchestre est à la fois lumineux et d’une étonnante densité dramatique. On est scotché par le résultat, d’une irrésistible beauté.

Concert Philharmonique de Radio-France / Vedernikov à Pleyel

Salle Pleyel, Paris • 6.1.12 à 20h
Orchestre Philharmonique de Radio-France, Alexander Vedernikov

Tchaïkovski : concerto pour piano n° 1 (Mikhaïl Rudy, piano)
Prokofiev : Cendrillon, extraits et suites

J’avoue que j’avais été poussé par une forme de curiosité malsaine en prenant un billet pour ce concert. Et mon intuition était fondée : si Mikhail Rudy a conservé un fort joli toucher, qui magnifie les passages les plus élégiaques de la partition de Tchaïkovski (un toucher mis aussi très en valeur dans le bis), il n’a en revanche plus du tout les moyens techniques de l’œuvre. L’entendre savonner ainsi dans les passages les plus virtuoses finit par provoquer un profond embarras compte tenu de la quantité de notes loupées, défigurées ou carrément perdues corps et âme.

Très jolie deuxième partie, interprétée avec esprit par un orchestre en bonne forme. L’osmose avec le chef semble excellente ; le travail préparatoire a dû être fructueux.

Concert EOP / Langrée au TCE

Théâtre des Champs-Élysées, Paris • 21.12.11 à 20h
Ensemble Orchestral de Paris, Louis Langrée

Bizet : L’Arlésienne, extraits
Poulenc : concerto pour deux pianos (Katia et Marielle Labèque, pianos)
Saint-Saëns : Le Carnaval des animaux (Grand Corps Malade, récitant ; K. & M. L., pianos)
Ravel : Ma mère l’Oye, suite d’orchestre

Voir les sœurs Labèque le lendemain d’Edita Gruberová place définitivement la semaine sous la thématique d’une certaine monstruosité. Les sœurs Labèque, ce sont un peu les frères Bogdanoff du piano : martiennes, inquiétantes… on ne comprend pas toujours où elles veulent en venir. Le concerto de Poulenc est, du coup, défiguré par des accents, des effets de manche et des manières hors de propos.

Le concert regagne en intérêt lors de la deuxième partie avec un magnifique Carnaval des animaux, marqué par un bel enthousiasme collectif de l’orchestre et par la superbe et envoûtante voix de Grand Corps Malade qui, comme me le fait très justement remarquer mon compagnon de concert, ne déparerait pas au Théâtre-Français.

Concert Orchestre de Paris / Conlon à Pleyel

Salle Pleyel, Paris • 15.12.11 à 20h
Orchestre de Paris, James Conlon

Barber :
– The School for Scandal, ouverture
– concerto pour violon (Gil Shaham, violon)
Debussy : Nocturnes, triptyque symphonique avec chœur de femmes
Poulenc : Gloria (Patricia Petibon, soprano)

Un concert très satisfaisant malgré ses imperfections.

L’ouverture de Barber est une magnifique mise en énergie. Le concerto pour violon aurait constitué un bon souvenir s’il n’avait été suivi de l’inévitable Gavotte de Bach. Gil Shaham est amusant à observer, avec son air de ravi de la crèche. Il produit un son propre et noble que je trouve fort séduisant.

Le Debussy n’est pas suffisamment atmosphérique à mon goût mais, même lorsqu’il n’est pas au top, l’Orchestre de Paris excelle à jouer la musique française. Le troisième mouvement, “Sirènes”, associe le chœur de voix de femmes (qui n’est pas 100 % féminin)… et la magie décuple.

Le Gloria n’est peut-être pas l’œuvre sacrée la plus réussie de Poulenc, mais je me suis régalé d’entendre toutes ces harmonies si caractéristiques du compositeur : on se trouve plongé successivement dans les ambiances bien connues des Dialogues ou des concertos pour piano. Patricia Petibon se donne sans réserve et sans filet : sa prestation ne peut que susciter l’adhésion.

“Hooray For Hollywood!”: John Wilson & the John Wison Orchestra à Festival Hall

Royal Festival Hall, Londres • 9.12.11 à 19h30
The John Wilson Orchestra, John Wilson

Avec Annalene Beechey, Kim Criswell, Matthew Ford, Noah Stewart.

Chacun de leurs concerts aux Proms est un événement. Le John Wilson Orchestra s’est fait une spécialité de faire revivre la grande époque des comédies musicales hollywoodiennes en interprétant, avec de généreux effectifs orchestraux, les arrangements de génies comme Conrad Salinger, Robert Russell Bennett ou Ray Heinsdorf.

On pensait difficile de surpasser le plaisir provoqué par le dernier concert en date, donné au Royal Albert Hall en août dernier. C’était compter sans la dose de magie supplémentaire que permet un environnement un peu plus intime comme le Royal Festival Hall, dont l’acoustique est idéale en l’occurrence.

L’effectif orchestral est légèrement plus restreint, mais il reste quand même six trombones, quatre trompettes et un tuba, six cors, un assortiment improbable de clarinettes et de saxophones, les deux pianos devenus la marque de fabrique du John Wilson Orchestra, la contrebasse “rythmique” en complément des contrebasses du rang, etc. Dès l’envolée initiale de l’ouverture, initiée par les cordes, portée par les cuivres et ponctuée d’un spectaculaire coup de cymbales, le ton est donné : on est là pour se faire plaisir, sans complexe et sans retenue.

L’enthousiasme des musiciens fait plaisir à voir. Les cuivres, en particulier, swinguent avec abandon et exubérance : de la formidable séquence-hommage à Fred Astaire et Ginger Rogers au “Put On Your Sunday Clothes” de Hello, Dolly! en passant par la sublime ouverture de Gypsy, on passe son temps à faire l’aller-retour entre l’émerveillement et le bonheur à l’état pur. En l’absence de chœur (contrairement au concert des Proms), ce sont les musiciens eux-mêmes qui fournissent à l’occasion un morceau d’accompagnement vocal, quand ils ne s’amusent pas à imiter un motif de claquettes avec leurs pieds.

Les solistes sont manifestement choisis pour leur précision et pour leur capacité à rendre les œuvres interprétées avec authenticité. Deux d’entre eux, Annalene Beechley et Matthew Ford, étaient déjà au Royal Albert Hall. Deux autres chanteurs se sont joints à eux : le ténor d’opéra qui monte, Noah Stewart, qui interprète sublimement la “Sérénade” du Student Prince de Sigmund Romberg ; et la légendaire Kim Criswell, qui semble se bonifier avec l’âge : son interprétation de “Strike Up the Band” est irrésistible. Et, lorsqu’elle s’attaque à la mythique chanson “The Man That Got Away” (que John Wilson décrit comme étant possiblement la plus belle chanson du 20ème siècle), elle est tout bonnement sensationnelle.

Le public fait un triomphe aux interprètes et obtient deux bis, interprétés dans un magnifique enthousiasme collectif. John Wilson fait saluer les pupitres individuellement : chaque groupe de musiciens a préparé un petit pas de danse à interpréter ou un accessoire à porter à ce moment-là. Les voir aussi heureux est peut-être le moment le plus touchant de la soirée.

Concert Philharmonia / Sokhiev à Festival Hall

Royal Festival Hall, Londres • 4.12.11 à 15h
Philharmonia Orchestra, Tugan Sokhiev

Berlioz : Le Carnaval romain
Chopin : concerto pour piano n° 1 (Evgeni Bozhanov, piano)
Rachmaninov : symphonie n° 2

Un de ces concerts exceptionnels dont Tugan Sokhiev a le secret : la rencontre de ce chef génial avec les musiciens particulièrement enthousiasmants du Philharmonia produit une alchimie de rêve.

C’est avec plaisir que l’on entend le trop rare concerto de Chopin, interprété avec une redoutable sobriété par le curieux Evgeni Bozhanov, qui s’assied étonnamment bas par rapport au clavier. Mais c’est la sublime symphonie de Rachmaninov, portée par un irrésistible souffle romantique, qui rend le concert inoubliable.

Concert Orchestre Philharmonique d’Oslo / Petrenko à Pleyel

Salle Pleyel, Paris • 30.11.11 à 20h
Orchestre Philharmonique d’Oslo, Vasily Petrenko

Rolf Wallin : Act
Sibelius : concerto pour violon (Joshua Bell, violon)
Tchaïkovski : symphonie n° 4

Un concert marqué par le plaisir de jouer ensemble. Il en émane une énergie communicative et euphorisante.

Le concerto de Joshua Bell, tout en tensions savamment entretenues, est à la fois exaltant et épuisant. Le style de Bell est très particulier, et il faut quelques instants pour se laisser séduire. Le jeu est mordant et sauvage, avec des coups d’archet kilométriques. Bell transforme la musique en un formidable objet dramatique : la pression monte dans la cocote-minute en même temps que le visage du soliste se recouvre d’une transpiration abondante. L’apogée n’en est que plus intense.

Son bis, un extrait d’Ysaÿe, est littéralement à couper le souffle.

Final en beauté avec une symphonie de Tchaïkovski magnifique : tout n’est pas parfaitement irréprochable sur le plan technique, mais le son est ample et généreux et Petrenko canalise avec talent le séduisant enthousiasme collectif de l’orchestre pour exalter les talents mélodiques et harmoniques du compositeur.

Concerts LSO / Gergiev à Pleyel

Salle Pleyel, Paris • 28 et 29.11.11 à 20h
London Symphony Orchestra, Valery Gergiev

28.11.11

Schumann : concerto pour piano (Hélène Grimaud, piano)
Chostakovitch : symphonie n° 10

29.11.11

Liadov : Le Lac enchanté
Tchaïkovski :  concerto pour violon (Anne-Sophie Mutter, violon)
Rihm : Lichtes Spiel (Mutter)
Chostakovitch : symphonie n° 6

Quel bonheur de voir et d’entendre le LSO à nouveau à Pleyel ! Difficile d’énumérer toutes les qualités de cet orchestre exceptionnel : enthousiasme collectif communicatif, capacité étonnante à parler d’une seule voix, sublime expressivité des solistes, son rutilant et quasiment aphrodisiaque. À la seconde où Emanuel Abbühl entame le solo de hautbois introductif du concerto de Schumann, on est transporté dans un autre monde.

Il faudra attendre un peu pour profiter totalement de ce paradis terrestre car le concerto d’Hélène Grimaud est bien décevant. Grimaud donne l’impression de négocier en permanence avec son piano au lieu de lui imposer sa volonté. Ses doigts restent collés sur des touches à moitié enfoncées et le peu de son qu’elle tire de son instrument refuse de prendre forme, englué qu’il est dans cette curieuse tentative de legato permanent et par la pédale omniprésente. Aucun silence, même microscopique, dans les deux premiers mouvements : il reste toujours un fond sonore, soit parce que les doigts restent sur le clavier, soit parce que la pédale reste enfoncée. Il n’y a guère que dans le troisième mouvement où, emportée par l’exigence technique de la partition, elle se libère de ses lubies et parvient à émouvoir un peu.

Même si l’on se trouve avec Anne-Sophie Mutter à un niveau infiniment plus élevé de musicalité et d’émotion, je ne parviens pas à me laisser convaincre par un son délibérément acescent, presque grinçant. Au filtre de ma sensibilité, cette manie d’accélérer les passages rapides ou techniques (souvent au-delà du raisonnable — il manque des notes) et de ralentir les passages lents ou faciles dénote un goût douteux et non un tempérament artistique supérieur. Reste que, si le concerto ne me convainc pas, le bis (un Bach, encore) sonne d’une manière merveilleusement ronde et chaleureuse, comme un marron qui grille sur le feu à Noël. Mutter propose également une très belle prestation dans l’intéressante pièce pour violon et orchestre de Rihm, Lichtes Spiel. Si seulement elle abordait Tchaïkovski dans le même état d’esprit…

Les deux symphonies de Chostakovitch sont ébouriffantes de tension et de beauté. Elles ont en commun de commencer par un long, très long, mouvement lent (très lent, même, dans le cas de la sixième). Gergiev emmène l’orchestre dans des contrées étranges et fascinantes, où les sonorités s’étirent de manière poétique et envoûtante. Les deux symphonies ont également en commun de déboucher sur des mouvements rapides ou très rapides dans lesquelles le LSO se révèle proprement stupéfiant dans sa capacité à suivre comme un seul homme la conduite d’un chef décidément charismatique. Les deux Allegro de la dixième, le Presto final de la sixième donnent l’impression grisante d’avoir pris place à bord d’un grand huit ou d’un bolide de Formule 1 lancé à fond sur un circuit aux surprises sans cesse renouvelées. C’est enivrant et exaltant, palpitant et électrisant.

Concert EOP / Boyd au TCE

Théâtre des Champs-Élysées, Paris • 16.11.11 à 20h
Ensemble Orchestral de Paris, Douglas Boyd

George Benjamin : A Mind of Winter, pour soprano et orchestre (Lisa Larsson, soprano)
Mozart :
– concerto pour piano n° 18 (Stephen Kovacevich, piano)
– air de concert « Ch’io mi scordi di te ? non temer »
– symphonie n° 31

Bof bof bof. Rien que de repenser à ce concert pour écrire ce billet provoque une crise de bâillements. La vie est trop courte…

Concert Philharmonia / Salonen au TCE

Théâtre des Champs-Élysées, Paris • 15.11.11 à 20h
Philharmonia Orchestra, Esa-Pekka Salonen

Bartók :
– Musique pour cordes, percusion et célesta
– A kékszakállú herceg vára (Le Château de Barbe-Bleue)

Michelle DeYoung, mezzo-soprano
John Tomlinson, basse
Carole Bouquet, récitante

Ce cyle Bartók entamé par Esa-Pekka Salonen à la tête du Philharmonia Orchestra était l’une des informations les plus excitantes de cette nouvelle saison.

Ce premier concert a été à la hauteur des attentes, avec un Château de Barbe-Bleue phénoménal, alignant les paroxymes irrésistibles. Salonen démontre une fois de plus un sens aigu de la forme, multipliant les intuitions géniales et menant son orchestre de sommet en sommet. John Tomlinson fait des merveilles en transformant en ardeur et en justesse dramatique les inévitables limitations apportées par l’âge.

On aurait aimé un peu plus de relief dans la Musique pour cordes, un tout petit peu trop lisse malgré l’excellence superlative du jeu de l’orchestre.

“Love, Loss and What I Wore”

Broadway Playhouse, Chicago • 8.11.11 à 19h30
Nora Ephron & Delia Ephron, d’après le livre d’Ilene Beckerman

Mise en scène : Karen Carpenter. Avec Roni Geva, Cindy Gold, Taylor Miller, Loretta Swit, Whitney White.

Cette pièce, qui est à l’affiche à New York depuis deux ans environ, est actuellement proposée également au public de Chicago. Elle est basée sur un livre d’Ilene Beckerman dans lequel cette dernière évoque des moments qui sont restés gravés dans sa mémoire, en utilisant comme fil conducteur le souvenir de robes ou autres tenues vestimentaires associées. Nora et Delia Ephron en ont tiré une série de sketches destinés à être joués par cinq comédiennes.

La réception critique a été plutôt bonne, mais un certain nombre de voix se sont élevées pour dénoncer la frivolité apparente de sketches évoquant des robes ou encore (pour l’un des plus hilarants) le contenu des sacs à mains. Ces “problèmes de femmes” donneraient de la gent féminine une image bien caricaturale. Le propos n’est pourtant pas si superficiel, et plusieurs des saynètes évoquent des sujets graves comme la maladie ou le viol.

Le format de la pièce, depuis sa création, consiste à assembler une distribution tournante de cinq comédiennes (dont certaines doivent répondre à certaines caractéristiques : il faut “une grosse”, “une vieille”…) Compte tenu du renouvellement rapide, les cinq comédiennes sont assises côte à côte sur des tabourets et lisent leurs scripts posés sur des lutrins devant elles. Ça n’empêche nullement la représentation d’être rythmée et parfaitement au point, avec des moments où la mise en place, cruciale, est irréprochable.

Les comédiennes sont manifestement choisies parce qu’elles sont censées évoquer des souvenirs à au moins une partie du public. Pour ma part, la seule figure connue était celle de Loretta Swit, qui a joué dans la série M*A*S*H, et qui conserve une forme d’entrain juvénile étonnant pour une femme de 74 ans. (Lors de sa création à New York, la pièce pouvait s’enorgueillir de compter Tyne Daly et Rosie O’Donnell parmi ses comédiennes.)

Je me suis beaucoup amusé à écouter ces “histoires de femmes”, dont beaucoup ne sont pas si spécifiques aux femmes. Le seul reproche, au fond, c’est que 90 minutes, c’est bien peu… surtout lorsqu’on a payé son billet près de 70 dollars.

Et j’ai été heureux de revoir ce théâtre, autrefois baptisé le Drury Lane Water Tower, où j’ai vu une splendide production de la comédie musicale Grand Hotel en 2005.

“Koyaanisqatsi”

Avery Fisher Hall, New York • 2.11.11 à 19h30
The New York Philharmonic, The Philip Glass Ensemble, The Collegiate Chorale, Michael Riesman 

Philip Glass : Koyaanisqatsi

Il paraît que le New York Philharmonic n’avait jamais interprété d’œuvre de Philip Glass. Eh bien c’est chose faite avec cette représentation durant laquelle il a interprété en direct, en compagnie du Philip Glass Ensemble, la musique composée par Glass pour servir de bande sonore au film de Godfrey Reggio, Koyaanisqatsi: Life Out of Balance, tandis que le film lui-même était projeté sur grand écran.

Ces quatre-vingt-dix minutes, quasi-hypnotiques, constituent l’une des expériences les plus fortes de ces dernières semaines. Le film en lui-même est un très bel objet : images fortes et rythmes inspirés. Le mariage avec la partition de Glass relève de l’orfévrerie de haute précision. L’interprétation en direct par une formation aussi talentueuse est d’une force incroyable : entendre les cinq cors, les six trompettes, les six trombones et les deux tubas du New York Philharmonic dans les quelques moments d’emballement de la musique est de l’ordre de l’orgasme.

Concert Orchestre de Paris / Järvi à Pleyel

Salle Pleyel, Paris • 19.10.11 à 20h
Orchestre de Paris, Paavo Järvi

Rachmaninov :
– Le Rocher, poème symphonique
– concerto pour piano n° 2 (Jorge Luis Prats, piano)
– Danses symphoniques

Tant de splendeurs rachmaninoviennes en quelques jours !

Ce sont les magnifiques Danses symphoniques (dont j’aime malheureusement chaque mouvement un peu moins que le précédent) qui constituent le sommet du concert. L’Orchestre de Paris, décidément très en phase avec son chef, en propose une interprétation d’un joli lyrisme, pleine d’esprit, d’accents et de couleurs.

Le concerto de Jorge Luis Prats est très déconcertant. Prats possède une technique rare, qui rappelle un peu Bronfman ou Toradze. Elle lui permet une approche particulièrement percussive du piano, qui semble trembler sous chacun de ses accords (on pourrait difficilement être plus éloigné d’une Uchida, par exemple). En général, ce type de jeu me séduit infiniment mais, en l’occurence, il produit un effet curieux. C’est que Prats ne cherche nullement à faire émerger un fil mélodique ; il enfonce les accords violemment en donnant des valeurs égales à toutes les notes, ce qui produit une sensation de fouillis, aggravée par la quantité excessive de pédale. Comme il donne par ailleurs à ses tempi une élasticité extrême et très peu conventionnelle, j’ai eu beaucoup de mal à accrocher, même si les splendeurs nombreuses de la partition de Rachmaninov restent présentes en arrière-plan.

Heureusement, Prats se rachète en interprétant divinement une série de bis de compositeurs cubains. Un véritable régal.

Curieusement, l’Orchestre nous gratifie aussi d’un bis, la magnifique Vocalise, dans une orchestration particulièrement belle. Comme toutes les œuvres qui reposent sur une marche harmonique descendante, elle me fait littéralement fondre de bonheur.

Pour une fois, le programme prédit parfaitement l’heure de fin du concert, 22h30, malgré la quantité très inhabituelle de bis.

Concert Orchestre de Paris / Järvi à Pleyel

Salle Pleyel, Paris • 12.10.11 à 20h
Orchestre de Paris, Paavo Järvi

Tubin (1905–1982) : symphonie n° 11
Tchaïkovski : concerto pour violon (Leonidas Kavakos, violon)
Rott (1858–1884) : symphonie en mi majeur

Ce n’est pas tous les jours qu’un concert de l’Orchestre de Paris inclut deux entrées au répertoire ! Deux entrées qui témoignent de l’influence de Järvi, qui dirige régulièrement ces œuvres.

La onzième symphonie de Tubin (un compatriote de Järvi) est en réalité un petit fragment d’une œuvre inachevée. C’est une petite pièce riche et rutilante, mais au tempo un peu trop imperturbable à mon goût.

J’ai une relation en dents de scie avec Leonidas Kavakos. Son concerto de Tchaïkovski est assez fascinant, même si je trouve que son son si particulier est teinté d’une certaine acidité.

Hans Rott est une figure légendaire de l’histoire de la musique : disparu tragiquement à l’âge de 25 ans, il semblait pourtant destiné à de grandes choses à en juger par les appréciations dithyrambiques formulées sur lui par Bruckner (qui fut l’un de ses professeurs) et, encore plus, par Mahler, qui se jugeait inférieur à lui. Sa symphonie en mi majeur ne fut créée dans son intégralité qu’il y a une vingtaine d’années.

C’est une œuvre intense et protéiforme, faisant la part belle aux cuivres. Elle visite successivement des territoires qui évoquent Bruckner, Brahms ou Mahler avant de s’achever dans une atmosphère parfaitement wagnérienne. L’Orchestre de Paris en donne une interprétation généreuse et attachante, marquée par quelques petits décalages surprenants, sans doute dus à la nouveauté de l’œuvre.