Paris – Broadway

“Tokio Confidential”

Atlantic Stage 2, New York • 10.2.12 à 20h
Musique, lyrics et livret : Eric Schorr.

Mise en scène : Johanna McKeon. Direction musicale : Mark Hartman. Avec Jill Paice (Isabella), Mel Maghuyop (Horiyoshi), Benjamin McHugh (Ralph), Jeff Kready (Ernest), Austin Ku (Akira), Manna Nichols (Sachiko), Mike O’Carroll (Grant).

1879 : une Américaine débarque au Japon après la mort de son mari. Elle tombe en extase devant l’art du pays, notamment en découvrant le temple Hase-dera de Kamakura consacré à Kannon, la déesse de la miséricorde (que j’ai visité en 2006). Sous l’influence de son hôte, elle se passionne aussi pour l’art du tatouage… avec des conséquences qui vont changer sa vie.

C’est un délice inattendu qui attend les spectateurs de ce petit théâtre situé quatre étages sous le niveau de la rue. Car Eric Schorr a composé une partition bourrée de charme et de raffinement, superbement interprétée par une distribution impeccable et par un orchestre composé d’un piano, d’une contrebasse et de deux musiciens jonglant avec les instruments à vent.

Le rôle principal est tenu magnifiquement par Jill Paice, qui était la Scarlet O’Hara du récent Gone With the Wind de Londres, mais que j’ai vue aussi à Washington dans Ace et à New York dans Curtains, dans la récente version concert de Company et récemment dans l’exquis Death Takes a Holiday.

La mise en scène crée de belles ambiances en s’appuyant notamment sur des parois coulissantes sur lesquelles sont projetés des dessins japonais. Les visuels sont à la fois simples et inspirés. On est transporté dans un monde de beauté et de passion, joliment illustré par la petite “pièce dans la pièce” dans le style du théâtre nô vers la fin du premier acte.

Peu importe, dans ces conditions, que le livret ne soit pas encore totalement abouti. Ou que la partition ait tendance à faire quelques courtes citations sans doute involontaires. Car l’impression dominante est celle d’une histoire singulière et touchante, racontée avec beaucoup sensibilité et infiniment de talent.

“Myths and Hymns”

West End Theatre, New York • 9.2.12 à 20h
Musique et lyrics : Adam Guettel. Livret : Elizabeth Lucas.

Mise en scène : Elizabeth Lucas. Direction musicale : Katya Stanislavskaya. Avec Linda Balgord (Woman), Anika Larsen (Daughter), Bob Stillman (Husband), Lucas Steele (Son), Ally Bonino (Trickster), Matthew Farcher (Lover), Donell James Foreman (Shapeshifter).

Myths and Hymns a été créé en 1998 sous le titre Saturn Returns et était conçu à l’origine comme un cycle de chansons sans autre lien qu’une thématique tournée vers les mythes (il y est question d’Icare, de Sisyphe, de Pégase…) et vers les aspirations éternelles de l’âme humaine.

Comme pour The Light in the Piazza, l’œuvre la plus connue d’Adam Guettel, le premier contact (via le CD) avec Myths and Hymns m’avait laissé songeur. Mais, comme pour The Light in the Piazza, les écoutes suivantes ont agi comme un révélateur… et je trouve maintenant cette partition absolument somptueuse.

Une appréciation que je maintiens après avoir vu cette production… même si les conditions d’exécution sont loin d’être idéales.

La “Prospect Theater Company” a en effet réuni une troupe dont les moyens vocaux sont nettement en-dessous de ce qu’exigerait la partition de Guettel. L’un des comédiens, Bob Stillman, a fait faire une annonce avant la représentation pour indiquer qu’il était malade et, effectivement, il a craqué la plupart de ses aigus. C’était pourtant le plus capable d’affronter les exigences de la musique, avec ses mélismes permanents et sa tessiture très large.

Du coup, on reste sans véritable avis face à la tentative d’Elizabeth Lucas de doter l’œuvre d’un livret… ou plutôt d’une sorte de fil rouge, au rythme des souvenirs d’une femme, interprétée de manière émouvante par Linda Balgord — un nom associé à la comédie musicale Sunset Boulevard, dont elle a été l’une des Norma (et à Cats, dont elle a été une Grizabella).

Le lieu se prête vraiment bien à l’exercice car le West End Theatre n’est en réalité qu’un étrange recoin de l’église méthodiste de Saint-Paul et Saint-André, une bien curieuse pièce coiffée d’une coupole… un écrin idéal pour une pièce aux accents de liturgie laïque.

“The Suicide”

Jerry Orbach Theater, New York • 9.2.12 à 17h30
Musique : Simon Gray. Lyrics : Raymond Bokhour. Livret : David Bridel, d’après la pièce de Nicolaï Erdman.

Mise en scène : John Rando. Direction musicale : Fred Lassen. Avec Raymond Bokhour (Semyon Semyonovitch Podsekalnikov), Christine Bokhour (Masha), Joanna Glushak (Serafima), Malachy Cleary (Fedya Petunin), Maia Guest (Margarita), Adam Dannheisser (Alexander Kalabushkin), Jennifer Frankel (Cleopatra Turnmeova), Jeffrey Kuhn (Viktor Viktorovich), Craig Fols (Father Elpidi), Kevin Carolan (Pugachov), Jason Patrick Sands (Burkin), Drew McVety (Aristarch Dominikovich Golashchapov), Michael Dionissiou (Dream Stalin).

Le “Musical Mondays Theatre Lab” propose depuis 1999 des représentations en version concert d’œuvres en gestation n’ayant pas encore reçu de production commerciale.

Cette étrange mais distrayante comédie musicale (qui revendique sa qualité de “musical comedy”) nous emmène dans l’Union Soviétique de 1928 (à peu près la même époque de Bed and Sofa). Un homme finit par se convaincre que la meilleure façon de laisser une marque est le suicide. Un policier du régime stalinien compte utiliser l’occasion pour démasquer des rebelles contre-révolutionnaires. Il fera chou blanc lorsque l’anti-héros se découvrira plus de passion pour le tuba que pour le suicide.

Difficile de rester indifférent face à cette histoire complètement surréaliste, inspirée d’une pièce qui annonce le théâtre de l’absurde trente ans avant l’heure. Une pièce bien sûr interdite par Staline (et qui vient d’ailleurs d’être montée à la MC93 de Bobigny il y a quelques semaines à peine).

Très belle partition de Simon Gray, qui se nourrit de nombreux styles musicaux. Interprétation étonnamment au point pour une représentation unique à la mise en scène forcément rudimentaire. C’est le librettiste, Raymond Bokhour, qui interprète le personnage principal de Semyon Semyonovitch : il lui donne une forme de mélancolie rêveuse qui équilibre bien les effets de la farce.

“Children of Eden”

Prince of Wales Theatre, Londres • 29.1.12 à 19h
Musique & lyrics : Stephen Schwartz. Livret : John Caird.

Mise en scène : Drew Baker. Direction musicale : Paul Frankish. Avec Anton Stephans (Father), Oliver Thornton (Adam), Louise Dearman (Eve), Russell Grant (Snake), Gareth Gates (Cain), John Wilding (Abel), Tom Pearce (Noah), Brenda Edwards (Mama Noah), Waylon Jacobs (Japheth), Aaron Sidwell (Ham), Jamie Papanicolaou (Shem), Daisy Tonge (Aphra), Daniella Bowen (Aysha), Lauren Samuels (Yonah), Craig Rhys Barlow, Matt Brinkler, Chloe Hart, Joanna Kirkland, Gemma Sandzer, Robbie Scotcher (Storytellers), Ben Radcliffe (Young Cain), Marcus Billany (Young Abel).

C’est au bénéfice d’une œuvre charitable qu’était organisée cette représentation unique “en concert” de Children of Eden, une comédie musicale du compositeur Stephen Schwartz, connu pour Godspell, Pippin, The Baker’s Wife… mais surtout désormais pour Wicked (dont le succès planétaire semble inversement proportionnel à mon faible enthousiasme)… sans compter son excellent opéra Séance on a Wet Afternoon.

Children of Eden date de 1991 et possède une histoire compliquée. C’est aujourd’hui l’une des comédies musicales les plus représentées dans les théâtres amateurs et locaux alors qu’elle n’a jamais été produite à Broadway et que la production originale londonienne fut un échec. J’en avais vu une bonne production au minuscule Landor Theatre en février 2000. On est à l’opposé avec cette production qui emploie un orchestre de bonne taille et une imposante distribution, installés sur la scène du Prince of Wales Theatre, où l’on représente normalement la comédie musicale Mamma Mia!

La représentation est de très bon niveau et rend justice à l’inspiration mélodique de la partition de Stephen Schwartz. Elle rend aussi assez visibles les lacunes du livret de John Caird, qui fait un peu bric à brac — l’histoire suit pourtant largement une source dramatique largement éprouvée : la Genèse, depuis les aventures d’Adam et Ève à Éden jusqu’à la fin du Déluge.

Le seul reproche que l’on puisse faire à la représentation, c’est que les comédiens ont tendance à chanter à pleins poumons… et que, pour certains, il y laissent des plumes. On comprend l’attrait de ce style démonstratif : l’intensité de l’accueil par le public est directement proportionnelle au volume sonore produit. Malheureusement, le résultat n’est plus très théâtral…

“The Producers”

Arts Educational Schools, Londres • 28.1.12 à 15h
Musique et lyrics : Mel Brooks. Livret : Mel Brooks et Thomas Meehan, d’après le film de 1968 écrit et réalisé par Mel Brooks.

Mise en scène : Russell Labey. Chorégraphie : Drew McOnie. Direction musicale : Caroline Humphris. Avec Matthew Corner (Max Bialystock), Piers Bate (Leo Bloom), Melissa James (Ulla), Simon Bamforth (Franz Liebkind), Lewis Kirk (Roger DeBris), Robbie Boyle (Carmen Ghia), …

C’est la deuxième fois que je vois un spectacle dans cette école d’arts de la scène (après un Grand Hotel mémorable) et la deuxième fois que j’en ressors soufflé par autant de talent.

The Producers n’est pourtant pas une pièce facile à monter : outre les exigences techniques liées à la taille de l’œuvre, il faut deux comédiens particulièrement solides pour tenir les deux rôles principaux, qui sont très exigeants.

Défi relevé haut la main par des étudiants de dernière année, manifestement prêts à s’embarquer pour une carrière professionnelle. Si la mise en scène et la chorégraphie s’inspirent parfois du travail de Susan Stroman, la conceptrice de la production originelle, elles savent aussi se distinguer par de multiples trouvailles. Le décor de Colin Mayes, avec ses lettres lumineuses de grande taille, est superbe… et il s’adapte très bien (et avec beaucoup d’humour) aux situations successives de la pièce. Une plate-forme surélevée au milieu de la fosse d’orchestre permet de prolonger la scène et de créer à plusieurs reprises des effets très originaux.

Je suis encore sidéré par un mouvement créé sans doute par le chorégraphe Drew McOnie, qui montre Ulla descendre du bureau sur lequel elle est perchée en glissant sans difficulté apparente sur le dos d’un personnage penché sur le bureau.

Il reste, bien sûr, des maladresses… comme l’erreur de donner une canne à Leo dès le début de “I Want to Be a Producer”… ou l’effet comique manqué en ne ménageant pas de pause avant le lyric “It’s the worst show in town” dans le numéro d’ouverture. C’est aussi vraiment une très mauvaise idée d’avoir coupé le grand “numéro de onze heures” de Max, “Betrayed”. Cela affaiblit considérablement la fin du spectacle.

À part la forme de cabotinage très particulière de Matthew Corner, qui incarne le personnage principal, Max, et qui peut ne pas être du goût de tout le monde, c’est peu de dire que les comédiens font tous l’unanimité. Un régal.

“My Fair Lady”

Fred Kavli Theatre, Thousand Oaks (Los Angeles) • 21.1.12 à 14h
Musique : Frederick Loewe (1956). Livret et lyrics : Alan Jay Lerner, d’après Pygmalion de George Bernard Shaw.

Mise en scène : Jeffrey B. Moss. Direction musicale : John Tarbet. Avec Aurora Florence (Eliza Doolittle), Chris Carsten (Henry Higgins), Richard Springle (Pickering), Jesse Graham (Mrs. Pearce), Joyce Gilbert Bohus (Mrs. Higgins), Arthur Wise (Alfred P. Doolittle), Daniel Cardenas (Freddy Eynsford-Hill), Kate Scott (Mrs. Eynsford-Hill)…

Non, je ne suis pas venu à Los Angeles pour assister à une énième production de My Fair Lady. Mais voilà, la raison pour laquelle j’ai organisé ce voyage ayant disparu, il a bien fallu s’occuper. Un ami qui avait vu cette tournée à Detroit me l’a recommandée : je n’ai donc pas trop hésité à aller faire un tour du côté de Thousand Oaks, à 45 minutes de route environ du centre de Los Angeles.

C’est une production de très bonne qualité qui est proposée par les concepteurs de cette tournée. À part pour l’intérieur du domicile du Professeur Higgins, elle utilise uniquement de bonnes vieilles toiles peintes, très belles et également très bien éclairées. On s’habitue assez vite à l’orchestre de neuf musiciens, qui réussit assez bien à rendre justice à la belle partition de Frederick Loewe.

La scène du bal est coupée… ce qui se révèle être une excellente idée. Du coup, le premier acte (qui est déjà bien assez long comme ça) s’achève sur le départ des protagonistes pour le bal : la partition donne tellement l’impression qu’on est sur le point d’entamer l’entracte que j’ai souvent vu des spectateurs commencer à quitter la salle à ce moment-là. Le deuxième acte commence avec une scène où les personnages, de retour du bal, en racontent le déroulement. On ne manque donc rien… si ce n’est la magnifique valse, qui aurait pu être transformée en ouverture pour le deuxième acte (mais ce n’est pas le cas).

La mise en scène est attentive à la fois au texte et à la musique : bien que “traditionnelle”, elle est parfaitement réussie… et certains passages en ressortent mis en valeur comme rarement. C’est un vrai plaisir, par exemple, d’entendre le public s’amuser de voir Freddy toujours posté devant le 27A Wimpole Street comme s’il y avait campé jour et nuit lorsque vient la scène où il reprend “On the Street Where You Live”.

De manière générale, cette production se caractérise par un sens visuel particulièrement affûté, qui compense souvent de manière très efficace la modestie des moyens engagés. Tableaux vivants, chorégraphie inventive, lumières de grande qualité : tout y contribue. La mise en scène de “Take Me To the Church On Time” est l’une des plus réussies que j’aie vues.

La distribution est solide et associe de jeunes comédiens tout juste sortis de l’école avec des vétérans des tournées nationales. L’alchimie fonctionne très bien. On remarque notamment le Higgins assez peu conventionnel de Chris Carsten, qui propose une très intéressante lecture du personnage, caractérisée notamment par un débit assez rapide, autant dans les passages parlés que dans les séquences chantées.

Je trouve assez rafraîchissant de revenir de temps à autre à des productions qui ne reposent pas sur la débauche de moyens que peuvent s’autoriser les productions de Broadway. Quand elles sont aussi attentives au détail et aussi inventives que celle-ci, on ne peut qu’être convaincu.

“Miss Saigon”

Beatrix Theater, Utrecht • 14.1.12 à 20h
Musique : Claude-Michel Schönberg. Lyrics : Alain Boublil & Richard Maltby, Jr. Livret : Alain Boublil & Claude-Michel Schönberg. Adaptation néerlandaise : Seth Gaaikema.

Mise en scène : Laurence Connor. Direction musicale : Marcel Visser. Avec Stanley Burleson (The Engineer), Na-Young Jeon (Kim), Ton Sieben (Chris), Brigitte Heitzer (Ellen), Edwin Jonker (John), Kok-Hwa Lie (Thuy), …

Bien que Miss Saigon soit l’un des grands succès de ces vingt dernières années, je ne l’ai vu que deux fois, à Londres en 1995 et à New York en 1999. Près de douze ans après ma dernière rencontre avec l’œuvre, j’ai donc saisi avec plaisir l’occasion qui m’était offerte de voir cette nouvelle production, installée dans le grand et moderne Beatrix Theater d’Utrecht.

On n’est guère dépaysé par rapport à la production originale, du moins pour les souvenirs que j’en ai. Le célèbre hélicoptère est maintenant évoqué par le biais d’une projection, mais l’effet est vraiment réussi… et il est accompagné d’effets sonores qui auraient sans doute été difficiles à réaliser en 1991, à l’époque de la création du spectacle.

Cette production n’a qu’un défaut : les rôles principaux ont tous des difficultés avec leur voix. Certes, c’est la deuxième représentation du jour… et la partition est sans pitié… mais Stanley Burleson n’a plus une once d’aigu et Ton Sieben a de gros problèmes de justesse. La Kim de Na-Young Jeon s’en tire mieux, mais sa voix n’a pas le charme d’autres comédiennes ayant interprété le rôle, notamment sa célèbre créatrice, Lea Salonga, que j’ai vue en 1999 à New York.

L’œuvre est souvent grandiloquente, mais elle parvient aussi à être touchante… et il est indéniable que les deux auteurs des Misérables ont retrouvé — avec l’aide des autres auteurs crédités — une voix théâtrale qui atteint ses objectifs.

Puisque cette production est montée sous l’égide de Stage Entertainment, on pourrait s’attendre à la voir s’installer un jour à Mogador. Ne serait-ce pas justice pour ses deux auteurs français ?

Je suis un peu surpris qu’une partie des lyrics anglais me revienne au fur et à mesure que les chansons se succèdent, mais c’est sans doute parce que la plupart des chansons sont devenues des standards et que je les ai beaucoup entendues.

“Frankenstein Junior”

Théâtre Déjazet, Paris • 7.1.12 à 20h30
Young Frankenstein. Musique et lyrics : Mel Brooks. Livret : Mel Brooks et Thomas Meehan. D’après le scénario du film du même nom, de Gene Wilder et Mel Brooks. Adaptation française : Stéphane Laporte.

Mise en scène : Ned Grujic. Avec Vincent Heden (Dr Frederick Frankenstein), Zacharie Saal (Igor), Gaëlle Pineihro (Elizabeth), Camille Glémet (Inga), Valérie Zaccomer (Frau Blucher), Patrice Latronche (la Créature), Arnaud Delmotte (Kemp), …

Ayant décidé au dernier moment de passer le week-end à Paris, j’en ai profité pour revoir ce spectacle, dont je disais en octobre tout le bien que j’en avais pensé.

Les deuxièmes visites peuvent être décevantes. En l’occurrence, à part la gestion calamiteuse de la caisse du théâtre, qui dépasse l’entendement (à un point tel que les mots me manquent), j’ai retrouvé avec plaisir tout ce qui m’avait enchanté lors de mon premier passage : une œuvre servie avec intelligence par une troupe talentueuse et extrêmement professionnelle, une mise en scène qui s’accommode avec créativité des limitations budgétaires, une chorégraphie pleine d’esprit, une prise de son au niveau des meilleurs standards internationaux.

Les comédiens sont toujours aussi savoureux. Difficile de choisir, mais on voit rarement sur des scènes musicales parisiennes des prestations aussi superbes que celles de Zacharie Saal en Igor ou de Valérie Zaccomer en Frau Blucher. Pas un maillon faible dans la distribution principale, qui met la barre très haut.

Je suis le premier surpris de ne pas être vraiment gêné par l’absence d’un orchestre “live”. L’utilisation d’une bande enregistrée heurte certaines de mes convictions, mais il faut lui reconnaître au moins une vertu : la capacité à émuler un effectif orchestral sans rapport avec ce qui est envisageable de nos jours sur le plan budgétaire. Malgré quelques aspérités un peu “synthétiques”, l’illusion est plutôt réussie… et la synchronisation avec les comédiens est étonnante de précision.

J’ai la surprise de voir mon billet d’octobre affiché dans le hall à côté des critiques d’organes autrement plus prestigieux.

“Pippin”

Menier Chocolate Factory, Londres • 31.12.11 à 20h
Musique et lyrics : Stephen Schwartz (1972). Livret : Roger O. Hirson.

Mise en scène : Mitch Sebastian. Direction musicale : Tom Kelly. Avec Matt Rawle (Leading Player), Harry Hepple (Pippin), Ian Kelsey (Charles), David Page (Lewis), Frances Ruffele (Fastrada), Louise Gold (Berthe), Carly Bawden (Catherine), Stuart Neal (Theo), …

Ma 103ème et dernière comédie musicale de l’année (sauf erreur de comptage) aura aussi été la plus décevante. Je dois avouer que je m’y attendais un peu. Pippin fait partie (avec Godspell) des œuvres de jeunesse de Stephen Schwartz, surtout connu désormais pour son succès planétaire, Wicked.  La pièce suit l’itinéraire initiatique d’un personnage que l’on pourrait décrire comme un cousin éloigné de Candide, dénommé Pippin parce qu’il est très vaguement (mais vraiment très vaguement) inspiré par Pépin le Bref. Elle est très liée à la mémoire de Bob Fosse, qui mit en scène et chorégraphia la production originale en 1972.

Là où le bât blesse, c’est que le metteur en scène de cette nouvelle production, Mitch Sebastian, prétend révéler des profondeurs soi-disant insondées de l’œuvre en imaginant sa mise en scène comme un gigantesque jeu vidéo et en accentuant les références à la violence et à la sexualité, qu’il trouve d’habitude sous-jouées (on ne sait pas très bien d’où lui vient cette impression).

Il faut reconnaître que le décor de Timothy Bird (qui avait fait des miracles dans ce même théâtre pour Sunday in the Park With George) est très impressionnant, avec ses lasers et ses projections. Mais cela n’empêche pas la représentation d’être globalement affligeante. L’espèce d’atmosphère onirique très “flower power” généralement associée à l’œuvre a disparu au profit d’une esthétique qui étouffe la sa délicate substance, au carrefour du hard rock et du mauvais cinéma d’anticipation. Pippin n’a nullement besoin de traits aussi grossiers et agressifs… sans parler du volume sonore épouvantable. La violence et la sexualité que Mitch Sebastian prétend révéler ont toujours été présents ; il est inutile de les mettre autant mis en exergue.

Je suis, du coup, parti à l’entracte, décidé à ne pas terminer l’année sur un trop mauvais souvenir.

“Crazy For You”

Novello Theatre, Londres • 31.12.11 à 15h
Musique et lyrics : George & Ira Gershwin. Livret : Ken Ludwig.

Mise en scène : Timothy Sheader. Direction musicale : Stephen Ridley. Avec Sean Palmer (Bobby Child), Cara Elston (Polly Baker [understudy / remplaçante]), David Burt (Bela Zangler), Kim Medcalf (Irene Roth), Michael McKell (Lank Hawkins), Harriet Thorpe (Lottie Child / Patricia Fodor), Sidney Livingstone (Everett Baker), Samuel Holmes (Eugene Fodor), …

J’avais vu cette production lors de sa création au théâtre en plein air de Regent’s Park en août dernier. J’avais passé un très bon moment mais avais été quelque peu déçu de ne pas retrouver le niveau de jubilation que m’avait inspiré la découverte du spectacle en 1995.

Le très bon accueil du public et de la critique a conduit les producteurs du spectacle à l’installer dans un petit théâtre du West End, le Novello. On y retrouve la tournette de Regent’s Park, installée à la place de la scène et dépassant un peu dans la salle à travers le cadre de scène (une configuration qui ressemble un peu à ce qui s’était passé lorsque le Oklahoma! du National Theatre s’était installé pour quelque temps au Lyceum Theatre).

Le spectacle fonctionne bien mieux dans ce cadre plus intime : le son se disperse moins ; les lumières sont plus subtiles. Mais on note aussi de considérables progrès dans le jeu des comédiens — j’avais, après tout, vu l’une des toute premières représentations. Le spectacle est beaucoup plus fluide et les scènes comiques ont trouvé un tempo idéal pour mettre en valeur la verve du livret de Ken Ludwig.

Les comédiens ont vraiment “trouvé” leurs personnages. Sean Palmer est un Bobby de rêve : il projette une forme de légèreté, d’insouciance, d’élégance… qui rappelle un certain Fred Astaire. Cara Elston, qui remplace Clare Foster dans le rôle de Polly, est particulièrement bien dotée au plan du charisme ; elle incarne idéalement le côté garçon manqué de son personnage. David Burt a resserré sa prestation et cabotine beaucoup moins. Les deux rôles comiques secondaires interprétés par Michael McKell et Kim Medcalf sont absolument irrésistibles. Et la troupe fait preuve d’une remarquable énergie collective, très communicative.

J’ai, du coup, largement retrouvé le plaisir intense que m’avait procuré la découverte de la production originale de ce spectacle en 1995. On n’écrit plus beaucoup de musique aussi géniale que celle de Gershwin.

“The Importance of Being Earnest”

Riverside Studios, Londres • 18.12.11 à 16h
Musique : Adam McGuinness & Zia Moranne. Livret & lyrics : Douglas Livingstone, d’après la pièce d’Oscar Wilde.

Mise en scène : Iqbal Khan. Direction musicale : Stefan Bednarczyk. Avec Colin Ryan (Algernon Moncrieff), Mark Edel-Hunt (Jack Worthing), Gyles Brandreth (Lady Bracknell), Anya Murphy (Gwendolen Fairfax), Flora Spencer-Longhurst (Cecily Cardew), Susie Blake (Miss Prism), Edward Petherbridge (Dr. Chasuble), Stefan Bednarczyk (Lane, Merriman).

Le chef d’œuvre d’Oscar Wilde a connu bien des adaptations en comédie musicale au fil des années, mais aucune n’a vraiment laissé de marque indélébile dans le répertoire. Il est en effet bien difficile de prendre une comédie aussi bien écrite et de ne pas la diminuer en lui ajoutant des numéros musicaux.

Les auteurs de cette nouvelle tentative ont pourtant réussi l’impossible : leur comédie musicale est un pur régal de bout en bout. Dès les premières notes de la valse légère qui sert d’ouverture, on est conquis par le style élégant et charmant de la partition de McGuinness & Moranne, interprétée par un instrumentarium de rêve : deux pianos, une contrebasse, une batterie.

Les auteurs enchaînent les choix heureux. La partition, particulièrement exquise, puise son inspiration dans les styles musicaux des années 1920, où l’action a été transposée. Les dialogues de Wilde ont été retaillés avec un instinct difficile à mettre en défaut. Les chansons sont impeccables, à la fois sur le fond et sur la forme : c’est la plus grande réussite de cette adaptation, car il fallait au minimum égaler l’instinct infaillible de Wilde pour servir la réplique juste sur le ton juste au bon moment.

Pour ajouter encore au plaisir, le petit décor de poche est un régal absolu et il est éclairé divinement. La distribution est très solide. Le jeune Colin Ryan, qui semble à peine sorti de l’école, étonne par le naturel et la maturité avec lesquels il incarne Algie. On est tout aussi charmé par la prestation des vétérans Susie Blake et Edward Petherbridge, qui sont éblouissants dans les rôles certes bien servis de Prism et Chasuble : leur chanson, “It All Began in a Garden”, est le sommet du spectacle.

Le seul choix discutable est celui de faire jouer Lady Bracknell par un homme. Ce n’est pas une idée nouvelle : les metteurs en scène ayant fait des choix similaires dans le passé mettent en avant le fait que Lady Bracknell est plus une abstraction asexuée qu’un personnage de chair et de sang. Je ne suis pas convaincu par l’argument. S’il tenait, il faudrait rendre le personnage masculin lorsqu’il est joué par un homme.

“Guys and Dolls”

Upsairs at the Gatehouse • 17.12.11 à 19h30
Musique et lyrics : Frank Loesser. Livret : Jo Swerling et Abe Burrows, d’après les nouvelles de Damyon Runyon.

Mise en scène : Racky Plews. Direction musicale : David Kingsmill. Avec James Kermack (Nathan Detroit), Rebecca Sutherland (Adelaide), Jamie Sampson (Sky Masterson), Amy Bailey (Sarah Brown), Patrick Rufey (Nicely-Nicely Johnson), David Muscat (Big Jule / Calvin), Connor Dowling (Brannigan), Anthony McGill (Arvide Abernathy), Jos Slovick (Benny Southstreet), Paul Bullion (Harry the Horse), Matthew John Gregory (Angie the Ox / Joey Biltmore), Leanne Tain Marshall (General Cartwright), Hayley Ellen Scot (Mimi / Martha), …

Souvent, les productions montées dans les tout petits théâtres transcendent les contraintes du lieu et se révèlent d’une inventivité réjouissante. À l’opposé, il arrive aussi qu’une production ne parvienne que maladroitement à faire oublier l’exiguïté des lieux. C’est malheureusement le cas de ce Guys and Dolls, qui se trouve visiblement à l’étroit dans ce petit théâtre perché au premier étage d’un pub.

Cela n’empêche pas de passer un bon moment, d’autant que le texte de la pièce est écrit dans une langue délicieuse et que la partition de Frank Loesser est magnifique. Mais on perd trop de substance (et, curieusement, d’énergie) dans la mise à l’échelle… surtout du côté de l’orchestre, réduit à une poignée de musiciens, dont un trompettiste aux moyens manifestement limités.

La ditribution elle-même n’est pas si attachante. On y retrouve néanmoins avec plaisir, dans le petit rôle de Benny Southstreet, l’excellent Jos Slovik, remarqué récemment dans le rôle principal de Soho Cinders : on en croit à peine ses oreilles lorsqu’il se met à “scatter” en contrepoint de la reprise de “Sit Down, You’re Rocking the Boat”. Tout à coup, la taille du théâtre n’est plus un sujet…

“Chicago”

Garrick Theatre, Londres • 10.12.11 à 20h
Musique : John Kander (1975). Lyrics : Fred Ebb. Livret : Kander & Ebb.

Mise en scène : Walter Bobbie. Chorégraphie : Ann Reinking. Avec Amra-Faye Wright (Velma Kelly), America Ferrera (Roxie Hart), Darius Campbell (Billy Flynn), James Doherty (Amos Hart), Jasna Ivir (Mama Morton), R. Whitehead (Mary Sunshine)…

Le déménagement de Chicago du Cambridge Theatre (où il a laissé la place à Matilda) au Garrick Theatre m’a fourni une excuse pour retourner voir un spectacle que j’ai déjà beaucoup vu… d’autant que le rôle de Roxie est tenu pour quelques semaines par America Ferrera, la vedette de la série Ugly Betty.

Malheureusement, mon système digestif a comploté contre moi, avec le résultat que je n’ai vu qu’un tiers du spectacle environ. Un spectacle toujours d’excellente tenue bien qu’il tienne l’affiche depuis 14 ans, avec des danseurs qui semblent acquérir des muscles supplémentaires à chaque visite. Quant à America Ferrera, elle propose une prestation honorable mais un peu plombée par une compréhension apparemment limitée du second degré qui infuse la mise en scène, largement inspirée du style de Bob Fosse. Sa co-vedette, Amra-Faye Wright, peine pour ne pas l’éclipser.

“Cinderella”

Tabard Theatre, Londres • 10.12.11 à 14h30
Musique : Richard Rodgers. Livret et lyrics : Oscar Hammerstein II. Adapté pour la scène par Tom Briggs, d’après le scénario pour la télévision de Robert L. Freedman.

Mise en scène : Alex Young. Direction musicale : Eamonn O’Dwyer. Avec Kirsty Mann (Cinderella), Helen Colby (Fairy Godmother / Stepmother), Lydia Jenkins (Grace), Kate Scott (Joy), Vlach Ashton (Prince Christopher), Josh Carter (Lionel), Sarah Dearlove (Queen Constantina), Brendan Matthew (King Maximilian), Paul Dyke, Louis Gookey.

Le Cinderella de Rodgers & Hammerstein occupe une place à part dans l’œuvre de ses auteurs car il s’agit d’une comédie musicale écrite pour la télévision, diffusée pour la première fois en 1957 avec une certaine Julie Andrews dans le rôle-titre. Depuis, le spectacle a été réapproprié par la scène, avec un livret qui semble évoluer à chaque production.

J’avais vu Cinderella à New York en 2001 dans le gigantesque théâtre du Madison Square Garden (5000 places). C’est donc avec un certain plaisir que je me suis précipité sur l’occasion de le revoir dans l’un des plus petits théâtres londoniens, le Tabard (80 places).

La production est inégale, mais elle illustre bien à quel point la magie du théâtre peut être forte, même avec des moyens fortement contraints : la scène de la transformation de Cendrillon en princesse, notamment, est conçue avec une ingéniosité réjouissante.

Distribution solide, dans laquelle se distingue particulièrement le Lionel délicieusement espiègle de Josh Carter.

“Company”

Crucible Theatre, Sheffield • 3.12.11 à 19h30
Musique et lyrics : Stephen Sondheim (1970). Livret : George Furth, d’après ses pièces de théâtre.

Mise en scène : Jonathan Munby. Direction musicale : Nigel Lilley. Avec Daniel Evans (Bobby), Claire Price (Sarah), Damian Humbley (Harry), Steven Cree (Peter), Samantha Spiro (Amy), Jeremy Finch (Paul), Francesca Annis (Joanne), Anna-Jane Casey (Jenny), Ian Gelder (Larry), David Birrell (David), Samantha Seager (Susan), Lucy Montgomery (April), Kelly Price (Kathy), Rosalie Craig (Marta).

Le Crucible Theatre de Sheffield propose une nouvelle production de Company, peut-être l’une des œuvres les plus révolutionnaires de Stephen Sondheim à sa création en 1970. C’est Daniel Evans, le Directeur artistique du théâtre, dont le nom est associé à Sondheim depuis qu’il a joué le rôle principal de la superbe production de Sunday in the Park With George de la Menier Chocolate Factory, qui joue le rôle principal de Robert, ce trentenaire célibataire qui observe avec perplexité et un brin d’envie les couples mariés qui l’entourent tout en s’interrogeant sur la nature de la relation qu’il entretient avec les jeunes-femmes avec qui il vit des aventures sans lendemain.

L’atmosphère générale rappelle étonnamment celle de la magnifique production du Donmar Warehouse à travers de laquelle je découvris l’œuvre en 1995 : le décor à deux niveaux évoque un loft industriel new-yorkais tandis que l’espace scénique est organisé autour d’un rectangle évoquant un peu un ring de boxe sur lequel se joueraient les batailles des relations entre les personnages.

La différence avec la production du Donmar, c’est que les artisans de cette production ont décidé de la replonger sans ambiguïté dans l’ambiance des années 1970 : accessoires d’époque, costumes vintage et perruques improbables créent l’atmosphère idoine. Daniel Evans est presque méconnaissable avec ses bouclettes, lui qui est presque chauve.

Jonathan Munby a une lecture peut-être un peu sombre — en tout cas assez tourmentée — du livret. Je ne suis pas persuadé qu’il soit nécessaire de forcer autant le trait d’une pièce qui porte déjà bien en elle une forme de détresse puissamment soulignée par les deux magnifiques chansons du personnage principal.

Les comédiens sont globalement de bon niveau, même si on a connu des distributions plus percutantes, notamment du côté des rôles mythiques de Joanne, Amy ou Marta. (J’ai vu l’une des premières représentations ; on peut penser que le spectacle se soit renforcé par la suite.)

“42nd Street”

Curve, Leicester • 3.12.11 à 14h15 (avant-première)
Musique : Harry Warren. Lyrics : Al Dubin. Livret : Michael Stewart & Mark Bramble.

Mise en scène : Paul Kerryson. Chorégraphie : Andrew Wright. Direction musicale : Andy Rumble. Avec Ria Jones (Dorothy Brock), Tim Flavin (Julian Marsh), Daisy Maywood (Peggy Sawyer), Geraldine Fitzgerald (Maggie Jones), Francis Haugen (Billy Lawlor), Ross Finnie (Bert Barry), Steve Fortune (Abner Dillon), Stuart Ramsay (Pat Denning),…

Cette production est une reprise de la mise en scène de Paul Kerryson que j’avais découverte avec enthousiasme à Chichester en juillet 2010. Le spectacle m’avait alors particulièrement emballé.

Malheureusement, et même si ce 42nd Street reste très plaisant, on est loin d’atteindre le même niveau de félicité qu’à Chichester.

Pour partie, cela s’explique sans doute par le fait que je voyais la deuxième représentation de la série et qu’il reste encore pas mal de réglages à faire. Le spectacle n’a pas encore tout à fait trouvé son rythme de croisière : certains enchaînements sont laborieux et on perçoit encore des hésitations ici et là. Même si l’on retrouve avec plaisir la même composition orchestrale qu’à Chichester, avec une quantité impressionnante de cuivres, les musiciens sont moins au point et moins bien sonorisés. La prise de son est d’ailleurs un problème général, avec beaucoup de passages dans lesquels l’équilibre entre l’orchestre et les voix n’est pas bon… dans un théâtre à l’acoustique curieusement réverbérante pour un bâtiment moderne..

D’autres éléments sont plus structurels. Le plus prévisible tient à la différence des configurations des deux théâtres. Kerryson et ses collaborateurs ont conçu leur spectacle pour le Festival Theatre de Chichester, une scène “en auditorium” vaguement circulaire, sans cintres. Le Curve de Leicester est un théâtre traditionnel doté de cintres et d’une énorme scène rectangulaire. Cela permet à Kerryson de rétablir la mise en scène traditionnelle du numéro d’ouverture, avec un rideau qui se lève d’un mètre environ pour révéler les jambes des danseurs en train de faire des claquettes à tout va. Mais, pour le reste, la transposition pose beaucoup de problèmes, dont le principal (qui aurait été facile à corriger) est la taille de la scène, souvent laissée désespérément nue. (Et je ne m’étendrai pas sur le fait que les coulisses sont mal masquées et que l’on y voit beaucoup trop de mouvements pendant la représentation. La magie du théâtre est puissante, mais elle finit par atteindre ses limites.)

Il n’est pas impossible aussi que la distribution soit un poil en-dessous de celle de Chichester, même si on y retrouve l’excellent Tim Flavin en Julian Marsh et s’il ne fait aucun doute que Ria Jones est une Dorothy Brock géniale. Pour le reste, je suis plus sceptique. La plus grosse question est attachée à la comédienne qui interprète le rôle de la jeune Peggy Sawyer, la chorus girl qui est censée se métamorphoser en star pendant le deuxième acte : Daisy Maywood est malheureusement assez peu charismatique et le moins qu’on puisse dire est qu’elle ne brûle pas les planches. La distribution du rôle de Peggy Sawyer est un problème qui traverse toutes les productions de 42nd Street, mais Kerryson s’est en l’occurrence assez lourdement fourvoyé.

Le spectacle reste bien sûr très plaisant grâce à la partition irrésistible de Harry Warren, aux chorégraphiques pleines d’esprit d’Andrew Wright et à l’énergie communicative des jeunes danseurs de la troupe.

“Burlesque”

Jermyn Street Theatre, Londres • 27.11.11 à 15h30
Musique : Adam Meggido. Livret et lyrics : Adam Meggido & Roy Smiles

Mise en scène : Adam Meggido. Direction musicale : Duncan Walsh-Atkins. Avec Linal Haft (Freddie Le Roy), Buster Skeggs (Lula Malkah), Chris Holland (Rags Ryan), Jon-Paul Hevey (Johnny Reno), Alicia Davies (Honey Hogan), Sinead Mathias (Georgia Mitchell), Victoria Serra (Amy Delamero), Alex Bartram (Bill Henry), Jeremiah Harris-Ward (Saul Sunday).

C’est à la fois incroyable et typique de l’état actuel de la comédie musicale que ce soit dans le microscopique Jermyn Street Theatre, où je n’étais pas allé depuis longtemps mais où j’ai d’excellents souvenirs, que se joue une nouvelle pièce ambitieuse et intelligente, dont la partition est deux fois plus entraînante que celles de Ghost, Matilda, Lend Me a Tenor et Betty Blue Eyes réunies.

1952, quelque part aux États-Unis : un théâtre s’accroche à un genre mourant, le “burlesque”, enchaînement de tableaux comiques et musicaux alternant avec de vrais/faux strip-teases — quiconque a vu la comédie musicale Gypsy visualise sans doute très bien l’atmosphère. Pendant ce temps, le maccarthysme, sous prétexte de protéger la nation contre le communisme, sème la terreur. Les auteurs font bien sûr un parallèle silencieux avec les États-Unis d’aujourd’hui et leur “guerre contre la terreur”.

La pièce alterne des tableaux “à la façon du burlesque” et des scènes pour le petit monde qui peuple les coulisses du “Palace Theater”. Il y a les deux vieux comédiens reconvertis en organisateurs de spectacles ; le talentueux comique condamné à jouer dans des théâtres de seconde zone parce qu’il est blacklisté par les maccarthystes ; son compère, un Irlandais homosexuel et alcoolique ; et les trois ecdysiastes (je ne crois pas que le mot existe en français, mais je ne peux pas résister) qui font partie du spectacle.

Il suffit de dix secondes au début de la pièce pour que l’émotion s’installe : les merveilleux Linal Haft et Buster Skeggs (qui sont mari et femme dans la vie), les yeux vagues et la voix embuée, se remémorent le passé dans une vraie/fausse nostalgie, point de départ d’un magnifique et virtuose numéro d’ouverture comme on en voit peu. Ils inaugurent une série de personnages plus touchants les uns que les autres, le sommet étant atteint avec le duo comique de Johnny Reno et Rags Ryan, les sublimes Paul Hevey et Chris Holland.

La partition enchaîne les moments de bonheur. Un piano, une batterie, une clarinette doublant le saxophone : il ne faut rien de plus pour accumuler les ambiances délicieuses. Les moments forts de la partition sont trop nombreux pour être tous cités, mais le numéro final du premier acte, “Luck Of The Irish”, et le numéro d’ouverture du deuxième acte, “Little Red Riding Hood”, sont particulièrement jubilatoires.

La mise en scène et la magie de la pièce parviennent à nous faire oublier que la scène fait la taille d’un timbre poste.

Mais que fait Burlesque dans un aussi petit théâtre ? Et où nous cachait-on ce Adam Meggido jusqu’à présent ? J’espère pour lui que son téléphone a beaucoup sonné ces dernières semaines.

Deux choses à bannir absolument dans les théâtres : les cigarettes au maïs (à tout prendre, je préfère encore les vraies) et la musique de fond qui se déclenche automatiquement dès que les lumières de la salle sont allumées, y compris pendant les saluts !

“Matilda the Musical”

Cambridge Theatre, Londres • 26.11.11 à 14h30
Musique & lyrics : Tim Minchin. Livret : Dennis Kelly, d’après le roman pour enfants de Roald Dahl.

Mise en scène : Matthew Warchus. Direction musicale : Bruce O’Neil. Avec Bertie Carvel (Miss Trunchbull), Paul Kaye (Mr. Wormwood), Josie Walker (Mrs. Wormwood), Lauren Ward (Miss Honey), Peter Howe (Michael Wormwood), Melanie LaBarrie (Mrs. Phelps), Matthew Malthouse (The Escapologist), Emily Shaw (The Acrobat), Tim Walton (Teacher / Doctor), Gary Watson (Rudolpho), … Et les enfants : Cleo Demetriou (Matilda), Ruby Bridle (Lavender), Zachary Harris (Bruce), William Keeler (Nigel), Lucy May Pollard (Amanda), Louis Suc (Eric), Jemima Morgan (Alice), Katie Lee (Hortensia).

Roald Dahl est l’un des auteurs pour enfants les plus connus du 20ème siècle : Charlie and the Chocolate Factory, James and the Giant Peach, Fantastic Mr. Fox, c’est lui. Dahl a aussi écrit pour les adultes, et je me souviens avoir dévoré ses deux volumes autobiographiques, Boy et Going Solo, avec délectation peu après leur publication.

La Royal Shakespeare Company a eu l’idée de commander une adaptation en comédie musicale d’une histoire pour enfants de Dahl manifestement très connue par les Anglais : Matilda. Créée il y a à peu près exactement un an à Stratford Upon Avon (où je souhaitais la voir, mais mon emploi du temps ne me l’a pas permis), elle a été tellement bien reçue par la critique qu’elle a finalement été installée à Londres, dans le petit Cambridge Theatre, où se jouait naguère la comédie musicale Chicago.

Matilda est un excellent spectacle. Mais les échos étaient tellement dithyrambiques que je m’attendais à être un peu plus enthousiasmé. Ma déception relative vient pour une bonne part de la partition de Tim Minchin qui, à l’exception de la chanson “When I Grow Up”, beaucoup utilisée pour promouvoir la pièce, me semble assez peu inspirée. (Si vous n’avez jamais entendu parler de Tim Minchin, faites une recherche sur son nom dans YouTube…)

Pour le reste, on ne peut qu’admirer la qualité de l’adaptation de Dennis Kelly, qui parvient à conserver le style si particulier de Dahl alors que le medium théâtral est bien différent de son mode d’expression original. L’histoire conserve tout son mordant et son acidité, des dimensions essentielles de l’œuvre de Dahl, qui ne sont évidemment pas étrangères à son succès auprès des enfants. La mise en scène de Matthew Warchus est une source inépuisable d’émerveillement, en partie grâce au sublime décor de Rob Howell, qui pourrait faire retrouver une âme d’enfant au plus endurci des spectateurs.

Belle distribution du côté des adultes. Le choix de faire jouer la redoutable directrice d’école Miss Trunchbull par un homme travesti, dans la droite ligne de la tradition très anglaise de la pantomime, est peut-être le choix le plus contestable de cette adaptation. Du côté des enfants, on doit admettre une certaine admiration pour cette troupe pleine d’entrain et de talent, d’autant qu’il faut trois titulaires pour chaque rôle compte tenu des contraintes légales et pratiques. Cleo Demetriou, qui interprète le rôle-titre lors de cette représentation, ne peut que forcer l’admiration compte tenu de sa capacité à mémoriser un rôle d’une longueur quasi-shakespearienne et à le restituer avec un naturel et un professionnalisme désarmants.

“The Best Little Whorehouse in Texas”

Union Theatre, Londres • 12.11.11 à 19h30
Musique et lyrics : Carol Hall. Livret : Larry L. King & Peter Masterson.

Mise en scène : Paul Taylor-Mills. Direction musicale : Tom Turner. Avec Sarah Lark (Miss Mona), James Parkes (Sheriff Ed Earl Dodd), Luke Barron (Mayor Rufus Poindexter), Frankie Jenna (Angel), Nancy Sullivan (Shy), Lindsay Scigliano (Doatsey Mae), Leon Craig (Melvin P. Thorpe), Stephanie Tavernier (Jewel), Tony Longhurst (Senator Wingwoah), Anthony WIlliamson (Governor), Aimee Buchanan (Ruby Rae), Jodie Lee Wilde (Dawn), Kimberly Powell (Beatrice), Sasi Strallen (Ginger), Katy Stredder (Durla), Kelle Walters (Linda Lou), Stephen Oliver Webb (C.J. Scruggs), Patrick George, Dayle Hodge, Oliver Metcalfe, Dan O’Brien, Jarred Page, Jamie Papanicolaou, Scott Wheeler.

Cette comédie musicale de 1978, que je n’avais jamais eu l’occasion de voir sur scène, a été représentée presque quatre ans à Broadway (où elle a obtenu deux Tony Awards) avant de donner lieu à une adaptation cinématographique assez connue mettant en vedette Dolly Parton et Burt Reynolds (et dont le titre français, La Cage aux poules, est particulièrement malheureux). C’est l’histoire d’une maison close du Texas, contrainte de fermer ses portes lorsqu’elle est prise pour cible par les ligues de vertu.

Outre qu’elle est inhabituelle par son sujet, l’intrigue est malheureusement un peu fine. Le livret, désespérément linéaire, repose essentiellement sur des personnages hauts en couleur et sur l’espèce de mélancolie que cause la fermeture du bobinard pour essayer de surnager.

La partition ne m’a jamais beaucoup attiré compte tenu de son style très “country”. Deux chansons du spectacle sont assez connues : le grand numéro “The Aggie Song” qui clôt le premier acte et qui voit une équipe de football se préparer à attaquer la troisième mi-temps après un match (la version du film mérite d’être vue au moins une fois dans sa vie) et la chanson mélancolique qui clôt le spectacle, “Hard Candy Christmas”, devenue un tube.

Je n’ai pas été emballé par cette petite production du petit Union Theatre, qui a du mal à donner de la substance et de l’allant au spectacle. La légèreté de l’intrigue aurait besoin d’être compensée par la mise en œuvre de moyens plus substantiels.

J’ai été assez déçu par la prestation de Leon Craig (remarqué autrefois dans l’inclassable Jerry Springer, the Opera), qui interprète le “prêcheur” Melvin P. Thorpe comme dans une grosse farce, sans subtilité et sans nuance. La prestation de Sarah Lark est douce-amère à souhait dans le rôle de la tenancière, Miss Mona, … et l’on est heureux de retrouver parmi les seconds rôles masculins le jeune et talentueux Jamie Papanicolaou, le magnifique Kringelein de la récente production de Grand Hotel de Arts Ed.

“The Go-Between”

Royal Theatre, Northampton • 12.11.11 à 14h30
Musique : Richard Taylor. Livret : David Wood. Lyrics : Wood & Taylor. D’après le roman de Leslie Pole Hartley.

Mise en scène : Roger Haines. Direction musicale : Jonathan Gill. Avec Guy Amos (Leo), Sophie Bould (Marian), Adam Bradbury (Marcus), Stephen Carlile (Trimingham), Philip Cox (Mr. Maudsley), Richard Kent (Denys), Fiona O’Carroll (Stanford/Leo’s Mother/Eulalie), Gemma Page (Mrs. Maudsley), James Staddon (Colston), Chris Theo-Cook (Henry/Charles), Stuart Ward (Ted).

J’ai bien failli passer à côté de cette nouvelle comédie musicale, basée sur le roman de 1953 (connu aussi pour son adaptation cinématographique réalisée par Joseph Losey sur un scénario de Harold Pinter, couronnée par la Palme d'Or à Cannes en 1971... et dont le thème musical, “I Still See You”, fait partie des plus jolis tubes de Michel Legrand).

Pas facile de créer une œuvre de théâtre musical à partir de l’histoire de cet homme qui se trouve, à plus de 60 ans, toujours marqué par un incident survenu pendant son adolescence : alors qu’il passait l’été dans la demeure des parents d’un camarade de classe, d’une classe sociale bien plus élevée que la sienne, il s’est laissé entraîner à servir de “messager” (le titre français du roman) entre la sœur aînée de son camarade et le fermier dont elle était secrètement la maîtresse. Confusion des sentiments, choc des classes… l’histoire se termine bien sûr de manière tragique, et c’est sur le jeune héros, Leo, qu’elle produira les effets les plus durables, comme le révèle l’épilogue.

Les auteurs ont néanmoins réussi à trouver un format convaincant. Ils sont restés très proches de la structure du roman ; c’est Leo “adulte” qui raconte son histoire en flash-back et c’est lui qui interprète la quasi-totalité des chansons de son personnage, même lorsqu’il est flanqué de Leo “enfant”, qui joue la plupart des scènes. (Lorsque les autres personnages lui intiment de se souvenir — “Remember!” — au début de la pièce, on se croirait un peu dans A Little Night Music.)

Le magnifique décor fixe de Michael Pavelka, qui évoque le naufrage du monde magique de l’enfance, encombré de souvenirs, contribue beaucoup à créer l’atmosphère idoine. La partition, qui cherche manifestement à éviter la “facilité”, est interprétée par un piano seul — par choix et non par nécessité, d’après les déclarations du compositeur. On ne peut pas dire qu’on soit scotché par l’invention mélodique, mais la musique joue bien son rôle sur le plan dramatique.

La force principale du spectacle réside dans sa distribution. James Staddon (méconnaissable sur la photo de sa bio) est particulièrement splendide dans le rôle du personnage principal. Il est excessivement bien entouré… avec une mention spéciale pour Stuart Ward, qui dégage le charme idéal de l’amant rustique. Même les deux enfants sont étonnants — Dieu sait pourtant que les enfants comédiens me tapent vite sur les nerfs.