Paris – Broadway

“Das Rheingold”

Opéra de Leipzig • 18.5.13 à 20h
Wagner (1869)

Gewandhausorchester, Ulf Schirmer. Mise en scène : Rosamund Gilmore. Avec Tuomas Pursio (Wotan), Thomas Mohr (Loge), Jürgen Linn (Alberich), Nicole Piccolomini (Erda), Stephan Klemm (Fasolt), James Moellenhoff (Fafner), Karin Lovelius (Fricka), Sandra Trattnigg (Freia), Michael Kraus (Donner), James Allen Smith (Froh), Dan Karlström (Mime), Eun Yee You (Woglinde), Kathring Göring (Wellgunde), Sandra Janke (Floßhilde).

Les célébrations en l’honneur du 200e anniversaire de la naissance de Richard Wagner battent leur plein dans le monde entier… et notamment, bien sûr, dans sa ville natale de Leipzig, qui lui consacre un festival riche de nombreux événements. (“Richard ist Leipziger”, affirme en une un magazine local, comme s’il ne fallait pas oublier de revendiquer cette paternité).

Cette production de Rheingold est contrastée car elle semble avoir été réalisée avec des moyens contraints — décor unique, distribution passable —, qui contrastent avec le luxe musical qui émane de la fosse, où le Gewandhausorchester propose une musique d’un infini lyrisme, sous la direction d’un Ulf Schirmer dont le seul défaut est de ne pas appuyer davantage certains accents. Les cors, en particulier, sont tout simplement sublimes.

Si la qualité des chanteurs est variable, on s’agace de devoir supporter le Fasolt très défaillant de Stephan Klemm, incapable de tenir une note longue sans partir dans des trémolos incontrôlés qui ne méritent pas l’appellation de vibrato. La meilleure prestation est celle du Loge espiègle de Thomas Mohr (mon Siegmund de Cologne d’il y a sept ans — il était déjà excellent).

La mise en scène est assez convaincante malgré le budget manifestement limité. Rosamund Gilmore utilise de manière assez aboutie une série de figurants / danseurs : c’est infiniment plus intelligent que ce que propose le duo Cassiers / Cherkaoui à Milan et plus convaincant que les tentatives un peu désordonnées de Kriegenburg à Munich. Et elle marque beaucoup de points dans mon estime en marquant visuellement de manière très nette le basculement que constitue à mon avis l’introduction du thème du renoncement à l’amour.

Et, pendant ce temps, Leipzig accueille comme chaque année l’un des plus grands rassemblements mondiaux de gothiques et assimilés. Le moins qu’on puisse dire, c’est qu’il y a du spectacle dans la rue.

“Falsettos”

Daniels Spectrum, Toronto • 12.5.13 à 14h
Musique & lyrics : William Finn. Livret : William Finn & James Lapine.

Mise en scène : Robert McQueen. Direction musicale : Reza Jacobs. Avec Stephen Patterson (Marvin), Eric Morin (Whizzer), Glynis Ranney (Trina), Darrin Baker (Mendel), Michael Levinson (Jason), Sarah Gibbons (Cordelia), Sara-Jeanne Hosie (Dr. Charlotte).

Cela faisait plus d’un an que j’attendais ce moment avec excitation (le communiqué de presse date du 6 avril 2012). Falsettos occupait en effet depuis au moins quinze ans la première place sur ma liste de comédies musicales à voir absolument… mais les productions, malheureusement, sont rares (il y a eu quelques occasions ratées).

Falsettos, que l’on doit à l’inclassable et génial William Finn, raconte sur un mode éminemment original le destin d’une famille juive bien peu conventionnelle (le mari a quitté sa femme pour vivre avec un autre homme ; elle se réconforte dans les bras du psychanalyste de service ; leur fils continue néanmoins à constituer un solide trait d’union entre eux), finalement brisée par le Sida. Il s’agissait à l’origine des deuxième et troisième parties d’une trilogie, March of the Falsettos et Falsettoland, créées Off-Broadway respectivement en 1981 et 1990, puis rassemblées en un ouvrage unique présenté à Broadway sous le titre Falsettos en 1992.

La partition de William Finn ne ressemble à rien de connu et elle crée un univers très particulier, hautement attachant, où comédie et tragédie cohabitent joyeusement, ce qui en démultiplie l’effet.

L’heureuse surprise, c’est que cette production a comblé toutes mes attentes, avec une distribution excellente, une mise en scène au cordeau et une interprétation musicale de toute première qualité. Je ne pouvais rêver meilleure expérience, et la très haute estime dans laquelle je tiens Falsettos depuis vingt ans en est ressortie largement confirmée.

“Murder Ballad”

Union Square Theatre, New York • 11.5.13 à 17h
Musique & lyrics : Juliana Nash. Livret & lyrics : Julia Jordan.

Mise en scène : Trip Cullman. Direction musicale : Justin Levine. Avec John Ellison Conlee (Michael), Rebecca Naomi Jones (Narrator), Caissie Levy (Sara), Will Swenson (Tom).

Ce n’était pas ma journée. Après m’être copieusement ennuyé avec Jekyll & Hyde, j’ai eu l’impression de franchir encore une étape vers l’insupportable avec cette comédie musicale rock, heureusement assez courte, qui enchaîne les lieux communs musicaux comme dramatiques.

Installé dans un théâtre à l’italienne transformé en bar pour l’occasion (sacrilège !), Murder Ballad raconte l’histoire d’un triangle amoureux et de sa fin tragique. Le seul intérêt de l’aventure, c’est que le titre amène naturellement à essayer de deviner qui va tuer qui parmi les quatre protagonistes. Le dénouement de la pièce choisit d’ailleurs une voie de traverse assez peu acceptable en ne capitalisant nullement sur ce qu’on a pu entrapercevoir des personnages pendant 70 douloureuses minutes.

On perçoit dans tout cela une tentative assez peu convaincante d’être “à la page”. Le résultat est prétentieux, paresseux et copieusement ennuyeux.

“Jekyll & Hyde”

Marquis Theatre, New York • 11.5.13 à 14h
Musique : Frank Wildhorn. Livret & lyrics : Leslie Bricusse.

Mise en scène : Jeff Calhoun. Direction musicale : Steven Landau. Avec Constantine Maroulis (Jekyll / Hyde), Deborah Cox (Lucy Harris), Teal Wicks (Emma Carew), Laird Mackintosh (John Utterson), Richard White (Sir Danvers Carew), …

J’avais évoqué cette comédie musicale lorsque je l’avais vue dans un petit théâtre londonien en juin 2012. Et voici que Broadway accueille une tournée du spectacle, qui pose ses valises au Marquis Theatre pendant quelques semaines, avec dans les rôles-titres un finaliste de l’émission de télé-réalité “American Idol”, Constantine Maroulis. [La durée de séjour à Broadway a été écourtée et je voyais l’une des dernières représentations.]

Contrairement à la production londonienne, qui évitait de tomber dans la caricature, cette mise en scène de Jeff Calhoun semble vouloir grossir le trait en soulignant de manière systématique le côté gothique de l’œuvre. Du coup, on éprouve très vite une forme d’écœurement très difficile à combattre — pour ma part, je me suis délibérément autorisé à m’endormir dans le deuxième acte pour échapper, ne serait-ce que temporairement, à cette accumulation caricaturale.

Disons-le, le pauvre Constantine Maroulis ne parvient pas vraiment à trouver le “poids” de son personnage. On a d’ailleurs envie de rigoler lorsqu’on voit arriver son personnage du Docteur Jekyll, avec ses longs cheveux permanentés rassemblés en queue de cheval sortant à l’arrière de son chapeau-melon dans la première scène.

C’est paradoxalement l’écoute de l’orchestre qui se révèle l’expérience la plus intéressante du spectacle. Les orchestrations sont beaucoup plus subtiles que ce que mériterait la partition de Frank Wildhorn, et il y a dans la fosse un corniste qui pourrait donner des leçons à beaucoup de ses confrères des orchestres symphoniques de la planète.

“Sleep No More”

McKittrick Hotel, New York • 10.5.13 à 23h15

Il est malheureusement impossible de décrire ce spectacle sans en déflorer le charme. La compagnie Punchdrunk s’est rendue célèbre en concevant des expériences théâtrales dans lesquelles le spectateur se trouve immergé dans un monde inattendu et foisonnant. C’est le cas de ce Sleep No More, inspiré de Macbeth, mais dans lequel on trouve également l’écho des années folles — le monde de Gatsby n’est pas loin non plus. Installé dans un immeuble de Chelsea occupé autrefois par un célèbre lieu nocturne, le spectacle constitue à la fois une gigantesque installation et une série de performances aussi inattendues qu’admirables.

C’est du théâtre qui ne ressemble à rien d’autre… et on en ressort en ayant vécu une expérience personnelle unique et forte. Peu de spectacles réussissent à obtenir un tel effet. Absolument incontournable pour qui prétend s’intéresser au théâtre.

“Kinky Boots”

Al Hirschfeld Theatre, New York • 10.5.13 à 20h
Musique & lyrics : Cyndi Lauper. Livret : Harvey Fierstein.

Mise en scène : Jerry Mitchell. Direction musicale : Brian Usifer. Avec Stark Sands (Charlie Price), Billy Porter (Lola), Annaleigh Ashford (Lauren), Celina Carvajal (Nicola), Daniel Stewart Sherman (Don), Marcus Neville (George), …

Kinky Boots est à l’origine un film anglais (avec l’excellent Chiwetel Ejiofor, dont la prestation dans Dirty Pretty Things a marqué les mémoires). Cette histoire au grand cœur raconte le sauvetage d’une fabrique de chaussures en difficulté financière grâce à une diversification inattendue dans le domaine des bottes pour Drag Queens.

On voit, du coup, d’où vient l’idée d’en faire une comédie musicale. Je ne sais, en revanche, d’où vient l’idée d’en confier la partition à Cyndi Lauper… mais le pari n’était finalement pas si insensé vu le résultat, d’autant que cette native du Queens possède manifestement la culture du théâtre musical et sait écrire des chansons adaptées aux personnages et aux situations d’une œuvre dramatique.

Kinky Boots met en scène la rencontre de deux mondes peu compatibles au premier abord et, même si tout paraît finalement trop simple dans ce livret dégoulinant de bons sentiments, il est difficile de rester insensible à cette histoire humaine et émouvante.

La partition se laisse écouter ; la mise en scène est inventive et énergique ; les comédiens sont attachants… avec une mention spéciale pour la Lauren délicieusement déjantée d’Annaleigh Ashford. Au total, donc, un spectacle léger et touchant qui se laisse regarder avec plaisir.

“On Your Toes”

New York City Center • 9.5.13 à 19h30
Musique : Richard Rodgers. Lyrics : Lorenz Hart. Livret : Rodgers & Hart et George Abbott.

Mise en scène : Warren Carlyle. Direction musicale : Rob Fisher. Avec Christine Baranski (Peggy Porterfield), Kelli Barrett (Frankie Frayne), Walter Bobbie (Sergei Alexandrovitch), Jeremy Cohen (Sidney Cohn), Joaquin De Luz (Beggar), Irina Dvorovenko (Princess Zenobia), Dalton Harrod (Phil Dolan III, Junior), Randy Skinner (Phil Dolan II), Shonn Wiley (Phil Dolan III), Karen Ziemba (Lil Dolan), …

La série des “Encores!” réserve généralement d’excellentes surprises : en se fixant comme objectif d’interpréter, le temps de quelques représentations, les grandes partitions du passé avec des moyens orchestraux que les productions commerciales ne pourraient plus financer, elle permet souvent de découvrir ou de redécouvrir des œuvres magnifiques.

Dire de la partition de Richard Rodgers pour On Your Toes (1936) qu’elle est magnifique ne lui rend qu’imparfaitement justice, tant Rodgers y affiche un génie aux multiples facettes, aussi à l’aise quand il écrit une ballade immanquablement destinée à devenir un standard (“Glad to Be Unhappy”, “Quiet Night” — dont la polyphonie donne la chair de poule, “There’s a Small Hotel”), une parodie de ballet classique (“Princess Zenobia”, une merveille) ou encore un ballet jazzy, l’immortel “Slaughter On Tenth Avenue”, toujours au répertoire de plusieurs compagnies de danse.

Le traitement réservé à On Your Toes dans le cadre de cette production est royal, et pas seulement parce que la musique est interprétée de manière irrésistible par un orchestre époustouflant. La recréation des chorégraphies originales de George Balanchine (oui, Balanchine) y contribue aussi de manière significative. On apprécie également le fait que la mise en scène parvienne à rester relativement “détendue”, ce qui donne à l’ensemble un air de facilité assez déconcertant.

Le seul point agaçant, au fond, est cette fichue manie de la série des “Encores!” de supprimer certains passages du livret… ce qui rend l’intrigue, certes maigre, difficile à suivre. Et on regrettera aussi le relatif manque de charisme du pourtant talentueux Shonn Wiley, qui tient le rôle central et sur qui repose le ballet final.

“Little Me”

Eureka Theatre, San Francisco • 8.5.13 à 19h30
Musique : Cy Coleman. Lyrics : Carolyn Leigh. Livret : Neil Simon.

Mise en scène : Eric Inman. Direction musicale : Brandon Adams. Avec Jason Graae (Noble Eggleston, Mr. Pinchley, Val du Val, Fred Poitrine, Otto Schnitzler, Prince Cherney, Noble Junior), Teressa Byrne (Miss Poitrine today), Sharon Rietkerk (Belle, Baby), Darlene Popovic, Zack Thomas Wilde, Kelly Brandenburg, Janine Burgener, Caleb Haven Fraper,  Nicole Frydman, Stewart Kramar, Zac Schuman, David Visini, Skye Violet Wilson.

Enfin ! Voilà longtemps que j’avais envie de voir cette comédie musicale de Cy Coleman, après avoir loupé la dernière reprise à Broadway, en 1998/1999. Little Me constitue un sacré défi car il faut un comédien capable de jouer sept rôles différents, ceux des amants et maris successifs de la bien nommée Belle Poitrine.

San Francisco possède sa version locale des “Lost Musicals” de Londres ou des “Encores!” de New York. La série est intitulée “42nd Street Moon” ; j’avais déjà assisté en décembre 2002, dans ce même Eureka Theatre, à une production de la très rare comédie musicale Too Many Girls de Rodgers & Hart. Et c’est donc grâce à “42nd Street Moon” que j’ai pu biffer Little Me de ma liste de comédies musicales à voir.

Malgré des moyens limités (deux instrumentistes seulement, un décor largement fixe), les productions de “42nd Street Moon” sont professionnelles et de qualité. Ce Little Me le confirme. C’est Jason Graae, un excellent comédien doté d’une expérience significative à Broadway, qui s’attelle aux sept rôles créés par le redoutable Sid Caesar en 1962 ; il est absolument et exquisément excellent.

Il est assez bien entouré, notamment par la délicieuse Sharon Rietkerk, qui passe beaucoup de temps en scène (et pour cause, la pièce est censée raconter l’histoire de sa vie).

Le livret de Neil Simon, très bien écrit, est excessivement drôle. Quant à la partition de Cy Coleman, elle possède, comme toujours, une abondance de chansons superbes : “The Other Side of the Tracks”, “Real Live Girl”, “I’ve Got Your Number” ou encore “Poor Little Hollywood Star”… d’autant plus irrésistibles que les lyrics de Carolyn Leigh possèdent une forme de facilité rarement égalée. Un régal.

Une journée à San Francisco

7.5.13

Petit-déjeuner chez Boudin, une boulangerie spécialisée dans le sourdough, ce délicieux pain au levain typique de San Francisco. On y sert une brouillade au fromage (entre autres) dans une boule de pain évidée et grillée. Beurre et confiture sont également fournis pour savourer le pain (ou la mie retirée, qui est conservée).

La ligne de tramway F, puis le bus n° 21 m’emmènent à l’entrée est du Golden Gate Park, ce grand parc urbain de plus de 400 hectares qui dessine un rectangle parfait dans la carte de la ville. Je m’y promène tout l’après-midi, pour en ressortir finalement au coin nord-ouest, où l’on débouche tout à coup sur un moulin à vent, puis sur une plage fréquentée par les surfeurs.

Je m’attarde particulièrement à la roseraie et au jardin botanique… mais surtout dans le paisible Japanese Tea Garden, qui me donne envie de sauter dans le premier vol pour Kyoto.

Les bus 18 et 71 me ramènent à Market en longeant notamment Haight, la rue emblématique du mouvement hippie-bohème des années 1960. L’histoire semble se répéter, car j’y repère beaucoup plus de looks hippies invraisemblables que lors de mes précédents passages.

Il est 18h, je vais dîner au Zuni Café, une recommandation du blog Domestic Daddy. Délicieux dîner : salade César, flétan, sablé aux fraises… accompagnés d’un verre de pinot noir californien et, au dessert, d’un sublime Tokaji Aszú hongrois qui me rappelle Budapest. Tout est blanc éclatant : les murs, les nappes, les chemises des serveurs.

Comme il fait encore jour, je reprends le bus n° 21 pour monter à Alamo Square, l’un de ces parcs offrant une très belle vue panoramique sur la ville. Mais il fait un drôle de temps, avec du vent, et la visibilité n’est pas très bonne.

Retour par le même bus et le tramway F, qui me ramène jusqu’à Fisherman’s Wharf.

L’album photo de la journée.

“Parsifal”

Staatstheater, Stuttgart • 5.5.13 à 16h
Wagner (1882)

Direction musicale : Sylvain Cambreling. Mise en scène : Calixto Bieito. Avec Andrew Richards (Parsifal), Christiane Iven (Kundry), Attila Jun (Gurnemanz), Levente Molnár (Amfortas), Martin Winkler (Klingsor), Matthias Hölle (Titurel), …

Je savais que je prenais un risque en allant voir un Parsifal dirigé par Sylvain Cambreling, mais je sous-estimais le talent destructeur du chef français. Certains font de l’assurance “zéro tracas, zéro blabla” ; eh bien, Cambreling fait de la musique “zéro tension”. C’est-à-dire de la non-musique. Une succession ordonnée de notes sans la moindre trace de contenu dramatique. À croire qu’on lui a greffé un métronome dans le cerveau et que la moindre déviation par rapport à une battue réglée à la milliseconde lui envoie une décharge électrique pour le punir.

Le premier acte, qui n’est qu’une succession de tensions et de détentes, en souffre tout particulièrement. Au point que j’ai trouvé l’heure et demie interminable et que je me suis demandé au premier entracte si j’allais rester. Mais comme Stuttgart n’offre pas nécessairement beaucoup d’alternatives, j’ai descendu un grand verre de Riesling et j’y suis retourné courageusement.

Calixto Bieito fait partie de ces metteurs en scène que je suis avec intérêt (sauf erreur, ma dernière rencontre avec lui date du Carmen de l’ENO). Son Parsifal est glauque mais intéressant — transposé dans un monde post-apocalyptique et dystopique, la rédemption y prend une connotation nettement moins spirituelle que celle imaginée par Wagner. Comme toujours avec Bieito, c’est la chair et ses faiblesses qui prennent le devant la scène.

La distribution n’est pas très enthousiasmante, même si Andrew Richards est un Parsifal solide. Il termine la pièce nu (la marque de fabrique de Bieito) et on découvre qu’il a un très joli… sourire, très américain, lors des saluts. Christiane Iven est un peu juste pour chanter Kundry — ses aigus sont stridents et laids. Attila Jun est un très bon Gurnemanz, mais il n’est pas aussi spectaculaire que lors du remplacement de dernière minute qu’il a assuré à Munich récemment. Amfortas et Klingsor très honnêtes de Levente Molnár et Martin Winkler.

Sans doute le moins bon Parsifal que j’aie vu depuis un moment.

Autant j’étais plutôt moins habillé que la moyenne la veille à Dresde, autant à Stuttgart, je n’ai pas l’ombre d’un complexe. Il y a même un jeune-homme en short et débardeur très échancré au parterre. S’il y a une caractéristique qui unit tous les publics de la Terre, c’est la propension à se mettre à tousser dès qu’une vague trace de fumée — pourtant parfaitement inerte et inodore — apparaît sur scène. Le public de Stuttgart est particulièrement tonique ce ce point de vue — il faut dire que, contrairement à Dresde ou Lucerne, les bonbons Ricola ne sont pas fournis à l’entrée.

“Manon Lescaut”

Semperoper, Dresde • 4.5.13 à 19h
Puccini (1893). Livret : c’est compliqué… d’après L’Abbé Prévost.

Direction musicale : Asher Fisch. Mise en scène : Stefan Herheim. Avec Norma Fantini (Manon Lescaut), Christoph Pohl (Lescaut), Thiago Arancam (Renato des Grieux), Maurizio Muraro (Geronte di Ravoir), Giorgio Berrugi (Edmondo), …

Stefan Herheim est devenu pour moi depuis quelque temps le metteur en scène à suivre. Après son Parsifal de Bayreuth, son Eugène Onéguine d’Amsterdam, sa Bohème d’Oslo, sa Rusalka de Bruxelles, je guette avec trépidation chacune de ses nouvelles aventures. Je ne prétendrai pas avoir compris tous les aspects de sa mise en scène de Manon Lescaut, qui repose sur un triangle étonnant constitué de Puccini lui-même (un rôle muet), un des Grieux qui, tel Bartholdi, est en train de concevoir la Statue de la Liberté (magnifique décor de Heike Scheele)… et une Manon qui semble être restée dans son époque originelle.

Mais ce n’est pas que sur scène que Puccini est mis en valeur. L’orchestre mené par Asher Fischer (décidément génial dans Puccini — sa Bohème du TCE était incandescente) fait des merveilles avec l’une des plus belles partitions du répertoire, remarquable pour son inspiration mélodique et harmonique autant que pour les trouvailles de son instrumentation ou encore son irrésistible intensité dramatique. Je trouve le génie musical de Puccini sous-estimé… il y a même dans la musique de Manon Lescaut une préfiguration du thème de Star Wars.

Le sublime Intermezzo qui sert normalement de jointure entre l’acte 2 et l’acte 3 a été transformé en ouverture (par Christian Thielemann, qui dirigeait la première). On sent bien qu’il n’a rien à faire là, mais la musique en est tellement magnifique qu’on s’en fiche éperdument. Le sommet musical de la représentation est le défilé des courtisanes qui embarquent à l’acte 3 : la stratification de la musique et des voix en est aussi virtuose que fascinante… et l’expérience fut d’autant plus réussie que le chœur était impeccable.

Distribution contrastée : Norma Fantini a une voix un peu “lourde” pour le rôle, mais au moins elle assure dans les climax ; Thiago Arancam a fait faire une annonce avant la représentation (enfin je pense que c’était pour lui, je n’ai rien compris)… et, effectivement, la voix était fatiguée et régulièrement couverte par l’orchestre, même si Asher Fisch se montrait particulièrement attentif à son égard. Les seconds rôles sont, quant à eux, globalement solides.

Quelques photos de Dresde ici.

“The Full Monty”

Théâtre Comédia, Paris • 3.5.13 à 20h15
Musique et lyrics : David Yazbek. Livret : Terrence McNally, d’après le film. Adaptation en français : Nathaniel Brendel et Baptiste Charden. 

Mise en scène : ?. Direction musicale : Olivier Decrouille. Avec Sylvain Gultz (Jerry), Alexandre Jerome (Malcolm), Guillaume Bouchède (Dave), Olivier Ruidavet (Harold), Christophe Peyroux (Etalon), Grégory Amsis (Ethan), Lina Lamara (Pam), Dalia Constantin (Vicki), Dominique Nobles (Jeannette), Juliette Moraine (Georgie).

Je ne suis pas le seul à penser que les débuts du compositeur David Yazbek avec The Full Monty en 2000 marquaient l’entrée de la comédie musicale dans le 21e siècle. Yazbek réalise en effet une synthèse heureuse et intelligente entre la tradition de Broadway et le répertoire pop/rock. Bien que The Full Monty ait tenu l’affiche deux ans et ait été nominé pour dix Tony Awards (sans en gagner un seul), Yazbek a ensuite connu deux échecs relatifs avec Dirty Rotten Scoundrels et Women on the Verge of a Nervous Breakdown (encore deux adaptations de films… et deux partitions solides — j’ai réévalué mon appréciation de la seconde à l’écoute du CD). Aujourd’hui, il semble malheureusement avoir tourné la page et être passé à autre chose.

J’avoue avoir approché cette production française du spectacle avec un a priori négatif. Eh bien je dois faire amende honorable et reconnaître la qualité de l’entreprise. Certes, la malédiction française est bien toujours présente et certains comédiens éprouvent une réelle difficulté à “parler juste”… difficulté en partie excusable compte tenu de la qualité assez inégale des textes français. Certes, certains choix laissent rêveur, comme celui de distribuer le rôle de Jeannette à Dominique Nobles, qui est beaucoup trop jeune.

Mais, dans l’ensemble, on n’est guère habitué à une telle qualité en-dehors du Châtelet et de Mogador : de vrais décors nombreux et réussis (qui rappellent beaucoup ceux de Broadway) ; un orchestre excellent, constitué notamment d’une remarquable brochette de cuivres ; une mise en scène raisonnablement fluide et professionnelle.

Du coup, la sauce prend progressivement… et on se retrouve sous le charme de cette histoire touchante et de ces personnages attachants. 

Encore un spectacle sans programme de salle. Je déroge exceptionnellement à ma règle consistant à ne pas me fatiguer à aller chercher le nom des comédiens dans ce cas.

“Oblivion”

Ciné-Cité les Halles, Paris • 30.4.13 à 22h10
Joseph Kosinski (2013). Avec Tom Cruise, Olga Kurylenko, Andrea Riseborough, Morgan Freeman, …

Ce n’est peut-être pas le scénario le plus original de l’année — beaucoup de situations ont un goût de déjà vu et on voit arriver certaines “surprises” de très loin —, mais voilà un film joliment conçu, bien ficelé et superbement photographié qui, à sa façon, rend hommage à tout un pan du cinéma de science fiction.

Le seul bémol, malheureusement, est la prestation un peu marmoréenne de Tom Cruise, qu’on a connu plus expressif.

Concert ONF / Gatti au TCE

Théâtre des Champs-Élysées, Paris • 29.4.13 à 20h
Orchestre National de France, Daniele Gatti

Stravinsky : Petrouchka
Ravel :
– concerto pour la main gauche (Alexandre Tharaud, piano)
– Daphnis et Chloé, suite n° 2

Joli concert, remarquable surtout pour l’interprétation enthousiasmante de la suite de Daphnis et Chloé par un orchestre survolté. Le concerto pour la main gauche ne m’a qu’à moitié convaincu car Tharaud est incroyablement crispé et la musique y perd beaucoup de sa fraîcheur ; je me suis précipité à peine rentré chez moi sur mon enregistrement fétiche, réalisé par Alicia de Larrocha (évidemment, on ne saura jamais s’il n’y a vraiment que de la main gauche…).

“Die Walküre”

De Nederlandse Opera, Amsterdam • 28.4.13 à 13h30
Wagner (1870)

Orchestre Philharmonique des Pays-Bas, Harmut Haenchen. Mise en scène : Pierre Audi. Avec Christopher Ventris (Siegmund), Catherine Naglestad (Sieglinde), Thomas Johannes Mayer (Wotan), Catherine Foster (Brünnhilde), Günther Groissböck (Hunding), Doris Soffel (Fricka), Marion Ammann (Gerhilde), Elaine McKrill (Helmwige), Lien Haegeman (Waltraute), Julia Faylenbogen (Schwertleite), Martina Prins (Ortlinde), Wilke te Brummelstroete (Siegrune), Helena Rasker (Grimgerde), Cécile van de Sant (Rossweisse).

“Vivement la suite”, écrivais-je en sortant de Das Rheingold en novembre dernier. Eh bien la suite se révèle tout aussi magnifique.

La mise en scène de Pierre Audi, sans perdre son caractère un peu générique, impressionne par sa monumentalité assumée. La direction musicale de Harmut Haenchen est une merveille avec ses contrastes dramatiques bouillonnants et son lyrisme magnifique — d’autant plus perceptible que le positionnement de l’orchestre au sein du dispositif scénique rend l’acoustique particulièrement plaisante.

Distribution honnête, à l’exception d’une Doris Soffel stridente, fatiguée et fatigante. Catherine Naglestad est obligée de forcer un peu trop sa voix pour se hisser au niveau sonore général. Les Walkyries sont très hétérogènes. Wotan et Brünnhilde finissent tous les deux sur les rotules, avec des voix éteintes. La meilleure prestations de l’après-midi est sans conteste celle du génial Günther Groissböck, qui propose un Hunding d’anthologie avec sa magnifique voix grave.

Rien compris à l’image finale — quelque chose a dû dysfonctionner.

“The Revenge of Sherlock Holmes!”

Hoxton Hall, Londres • 27.4.13 à 19h30
Livret, musique et lyrics : Leslie Bricusse, d’après Arthur Conan Doyle. 

Mise en scène : Luke Fredericks. Direction musicale : Nathan Jarvis. Avec Tim Walton (Sherlock Holmes), John Cusworth (Dr. Watson), Leonie Heath (Bella Spellgrove), Amanda Goldthorpe-Hall (Signora Moriarty), Andrea Miller (Mrs. Hudson), Stephen Leask (Inspector Lestrade), Ryan Pidgen, Adam Pendrich, Benjamin Bond, Rachel Ensor, Nicola Martin , Melanie Brown.

En 1988, Leslie Bricusse écrivait une comédie musicale intitulée Sherlock Holmes: the Musical, qui fut reçue froidement par la critique, bien qu’elle soit bourrée de très belles mélodies. Le spectacle est aujourd’hui repris sous le titre The Revenge of Sherlock Holmes! dans le cadre étonnant du Hoxton Hall, un music hall victorien magnifiquement préservé.

La pièce est présentée comme les spectacles de music-hall de l’époque victorienne, avec force clins d’œil au public, des numéros de magie, etc. Le décor se résume à quelques toiles peintes, en contraste total avec la technologie déployée dans mon spectacle de l’après-midi.

Et c’est, en un mot, un régal : la pièce est originale, le cadre est envoûtant, la musique est charmante (si l’on arrive à oublier les deux synthétiseurs)… et l’interprétation est pleine d’humour et de bonne humeur. On avait déjà été très impressionné par la mise en scène conçue par Luke Fredericks pour Jekyll & Hyde en juin 2012 ; il confirme avec ce Sherlock Holmes un réel talent pour se jouer des limitations d’un petit théâtre et multiplie les idées originales, parfois géniales. Il me tarde de voir son prochain spectacle.

“The Curious Incident of the Dog in the Night-Time”

Apollo Theatre, Londres • 27.4.13 à 14h30
Simon Stephens, d’après le roman de Mark Haddon

Mise en scène : Marianne Elliott. Avec Luke Treadaway (Christopher Boone), Niamh Cusack (Siobhan), Seán Gleeson (Ed), Holly Aird (Judy), …

Cette pièce, adaptée d’un roman à succès de 2003, évoque un épisode de la vie d’un adolescent vraisemblablement atteint du syndrome d’Asperger (bien que le nom ne soit jamais prononcé). L’enthousiasme qu’elle a suscité parmi le public et la critique n’est sans doute pas un hasard à une époque où les enfants atteints de troubles autistiques provoquent une réelle fascination — à l’instar du jeune Jacob Barnett, un génie précoce, à qui le Times a consacré un portrait très récemment.

L’attrait de la pièce provient pour partie de son ton résolument optimiste et positif et pour partie du dispositif scénique très original censé évoquer les représentations mentales du jeune Christopher. La mise en scène utilise force effets visuels, projections, … de manière souvent frappante. On se prend vite d’affection pour ce sympathique jeune-homme, qui surmonte les obstacles que la vie met sur son chemin avec une forme de courage réellement touchant. La fin, en forme de point d’interrogation, a le courage de ne pas être une manifestation béate d’optimisme, ce qui rend la chute d’autant plus forte.

Marianne Elliott fait partie de l’équipe qui a créé War Horse, une pièce qui m’a laissé assez indifférent (les histoires d’animaux ne me touchent vraiment pas) mais qui est devenue depuis un phénomène planétaire. Elle signe une mise en scène d’une grande force, qui contribue à faire entrer le théâtre résolument dans le 21e siècle.

Concert Orchestre de Paris / Järvi à Pleyel

Salle Pleyel, Paris • 25.4.13 à 20h
Orchestre de Paris, Paavo Järvi 

Ravel : Valses nobles et sentimentales, version pour orchestre
Sibelius : concerto pour violon (Leonidas Kavakos, violon)
Brahms : symphonie n° 3

L’Orchestre de Paris aurait-il consommé du bœuf Spanghero ? Toujours est-il qu’il se trouve métamorphosé sous les effets conjugués de Järvi et de Kavakos. Le concerto met en valeur l’insolente facilité avec laquelle le violoniste grec se mesure à la redoutable partition de Sibelius, tout en engageant l’orchestre dans un dialogue électrique et foisonnant. Le basson solo de l’orchestre est dans une forme éblouissante. Outre la grande générosité des cordes, la symphonie de Brahms souligne la forme olympique dans laquelle se trouvent les solistes de la petite harmonie, qui donnent presque l’impression de vivre une expérience métaphysique. La façon dont la clarinette et le basson s’entendent, en particulier, est une source inépuisable de bonheur. Je craignais de succomber à la fatigue, mais aucun risque d’assoupissement tant l’air est chargé d’électricité.

“Sunday in the Park With George”

Théatre du Châtelet, Paris • 23.04.13 à 20h
Musique et lyrics : Stephen Sondheim. Livret : James Lapine.

Orchestre Philharmonique de Radio-France, David Charles Abell. Mise en scène : Lee Blakeley. Avec Julian Ovenden (Georges / George), Sophie-Louise Dann (Dot / Marie), Nikolas Grace (Jules / Bob Greenberg), Beverkey Klein (Yvonne / Blair Daniels), Rebecca de Pont Davies (An Old Lady / Elaine), Jessica Walker (Nurse / Harriet Pawling), Nicholas Garrett (A Boatman / Dennis), David Curry (A Soldier / Charles Redmond), Rebecca Bottone (Celeste 1 / Betty), Francesca Jackson (Celeste 2 / Billy Webster), Damian Thantrey (Franz / Lee Randolph), …

Deuxième visite à cette superbe production de la très jolie comédie musicale de Stephen Sondheim et James Lapine. Les quelques imperfections notées lors de la première ont disparu et le spectacle est un ravissement de la première à la dernière minute. Une émotion vive et merveilleuse me terrasse à nouveau à la fin. Prestations superbes de la part des deux comédiens principaux, Julian Ovenden et Sophie Louise Dann. Musique enchanteresse. Une troisième visite n’est pas possible, mais on se réjouit à l’idée que le spectacle fasse l’objet d’une captation vidéo pour la postérité.

Les solistes des Berliner Philharmoniker à Pleyel

Salle Pleyel, Paris • 21.4.13 à 16h

Guy Braunstein, violon
Amihai Grosz, alto
Zvi Plesser, violoncelle
Wenzel Fuchs, clarinette
Alexei Volodin, piano

Brahms :
– Trio pour clarinette, violoncelle et piano en la mineur op. 114
– Sonate pour violon et piano n° 2 en la majeur op. 100
– Quatuor pour piano et cordes n° 2 en la majeur op. 26

J’ai eu un peu de mal à rentrer dans ce très joli concert, qui avait le seul inconvénient d’être programmé un après-midi de grand soleil, dans la foulée d’un brunch tout aussi copieux que délicieux. On admire l’intimité des solistes avec cette musique de chambre de Brahms, qu’ils interprètent sans affectation et dans une belle unité.

“Parsifal”

Vlaamse Opera – Opéra de Gand • 20.4.13 à 18h
Wagner (1882)

Direction musicale : Eliahu Inbal. Mise en scène : Tatjana Gürbaca. Avec Zoran Todorovich (Parsifal), Susan Maclean (Kundry), Georg Zeppenfeld (Gurnemanz), Werner Van Mechelen (Amfortas), Robert Bork (Klingsor), Jaco Huijpen (Titurel), …

Un Parsifal superbe sur le plan musical. Eliahu Inbal dirige sur un mode résolument liturgique et l’orchestre de l’Opéra des Flandres fait des étincelles. L’acoustique étonnante du théâtre assure une séparation presque surnaturelle des plans sonores ; en particulier, j’entends la flûte et le basson comme s’ils étaient à côté de moi, ce qui est à la fois déstabilisant et passionnant. Les fortissimi sont à mourir de bonheur. 

La distribution est d’excellente tenue. Elle est dominée par le Gurnemanz sen-sa-tion-nel et sonore de Georg Zeppenfeld, déjà ovationné à Lyon. Il semble s’être encore amélioré depuis… et sa prestation est d’autant plus remarquable que la mise en scène le confine à un fauteuil roulant les trois quarts du temps. Zoran Todorovich est un Parsifal solide (on se souvient de son Jean dans Hérodiade), mais il peine à tenir la distance. J’avais déjà vu la belle Kundry de Susan Maclean à Bayreuth ; elle a toujours autant de mal à aller accrocher les notes aiguës — et son taux de succès s’est maheureusement dégradé.

Mise en scène pas totalement compréhensible sans aller lire les intentions de la metteuse en scène, même si quelques concepts sont identifiables (le Graal symbolisant le culte de la jeunesse dans un monde vieillissant… une situation d’autant plus difficile que les hommes et les femmes se trouvent séparés…). Quelques visuels font mouche (le sang qui dégouline le long de l’immense cyclo qui sert de toile de fond), mais on reste dubitatif devant la mise en scène du dernier tableau, qui montre en substance le lynchage d’Amfortas (et le suicide subséquent de Kundry, qui s’était déjà ouvert les veines à la fin de l’acte 2) afin d’installer Parsifal… au grand chagrin de Gurnemanz, qui a pourtant chanté quelques mesures plus tôt son allégeance inconditionnelle à son nouveau maître.

Concert Orchestre de Paris / de la Parra à Pleyel

Salle Pleyel, Paris • 18.4.13 à 20h
Orchestre de Paris, Alondra de la Parra

Rimski-Korsakov : Capriccio espagnol
Chopin : concerto pour piano n° 2 (Nikolaï Lugansky, paino)
de Falla : Le Tricorne, suites n° 1 et 2
Arturo Márquez : Danzón n° 2 

Un concert à peu près aussi soporifique pendant la première partie qu’excitant par la suite. De la Parra remplaçait Rafael Frühbeck de Burgos, initialement prévu, et la seule modification qu’elle avait apportée au programme était l’ajout du Danzón n° 2 d’Arturo Márquez (que Dudamel interprète régulièrement). Il faut de l’énergie, mais de la Parra réussit à “décoincer” l’Orchestre de Paris juste ce qu’Il faut pour que la magie des rythmes latins produise ses effets. Certains pupitres, en particulier, les contrebasses, font plaisir à voir. Dommage que le tubiste dansant de l’orchestre soit apparemment en vacances.

C’est assez singulier, en y réfléchissant, de voir combien les rythmes syncopés peuvent crisper les musiciens d’un pays qui revendique sa latinité.

“Sunday in the Park With George”

Théatre du Châtelet, Paris • 15.04.13 à 20h
Musique et lyrics : Stephen Sondheim. Livret : James Lapine.

Orchestre Philharmonique de Radio-France, David Charles Abell. Mise en scène : Lee Blakeley. Avec Julian Ovenden (Georges / George), Sophie-Louise Dann (Dot / Marie), Nikolas Grace (Jules / Bob Greenberg), Beverkey Klein (Yvonne / Blair Daniels), Rebecca de Pont Davies (An Old Lady / Elaine), Jessica Walker (Nurse / Harriet Pawling), Nicholas Garrett (A Boatman / Dennis), David Curry (A Soldier / Charles Redmond), Rebecca Bottone (Celeste 1 / Betty), Francesca Jackson (Celeste 2 / Billy Webster), Damian Thantrey (Franz / Lee Randolph), …

Difficile de ne pas être sidéré par l’ampleur des moyens mis à la disposition de cette production par le Théâtre du Châtelet. Il faut dire que la tendance récente parmi les productions de Sunday in the Park With George est à l’utilisation d’effets visuels de plus en plus spectaculaires, que ce soit à la Menier Chocolate Factory de Londres (une production vue à la Menier, puis lors de son transfert dans le West End, puis à New York) ou, plus récemment, au Shakespeare Theater de Chicago.

On pourrait discuter de l’apparente demesure de l’entreprise au regard du caractère relativement intime de la pièce (d’autant que certains éléments du gigantesque dispositif scénique ne servent pas tant que ça), mais on préférera se réjouir de ce que le public parisien puisse découvrir ce chef d’œuvre dans des conditions aussi luxueuses… qui permettent, par exemple, d’apercevoir — coup de génie — ce qui se trouve à gauche et à droite de la scène représentée sur la célèbre toile de Seurat autour de laquelle la pièce est construite.

Ce n’est pas qu’au plan visuel que cette production est extraordinaire, puisqu’elle bénéficie également d’orchestrations nouvelles écrites pour un orchestre presque deux fois plus grand que celui de la création, en 1984. On y gagne globalement en richesse sonore, mais on y perd aussi quelques détails devenus familiers au fil du temps… sans que l’on sache précisément si c’est volontaire de la part de Michael Starobin, l’auteur des orchestrations, ou si c’est dû à quelques accidents d’interprétation en ce soir de première.

La très belle distribution est dominée par le charismatique et talentueux Julian Ovenden, peut-être le meilleur George(s) que j’aie vu. Sa voix est dans une forme éblouissante ; on s’inquiétait pour lui après son retrait de Death Takes a Holiday et une prestation encore timide dans Finding Neverland. À ses côtés, la charmante Sophie-Louise Dann (vue pour la dernière fois dans Gay’s the Word, où elle était magnifique) lui donne fort bien la réplique, en particulier dans le deuxième acte.

La fin de Sunday in the Park With George me bouleverse toujours : après que Marie ait décrit de manière touchante ce qu’un être humain lègue à la postérité - “Children and Art”, ses enfants et ses œuvres d’art —, Dot revient boucler la boucle pour enjoindre George de continuer à vivre sa vie en passant à la suite — “Move On”, l’une des chansons les plus déchirantes de Sondheim et, sans doute, du répertoire de la comédie musicale tout entier. En l’occurrence, j’ai été terrassé, mis à genoux par cette fin sublime.

Une deuxième visite s’impose.

“Parsifal”

Oper am Dom, Cologne • 14.4.13 à 16h
Wagner (1882)

Direction musicale : Markus Stenz. Mise en scène : Carlus Padrissa (La Fura dels Baus). Avec Marco Jentzsch (Parsifal), Dalia Schaechter (Kundry), Matti Salminen (Gurnemanz), Samuel Youn (Amfortas / Klingsor), Young Doo Park (Titurel), …

Carlus Padrissa est l’artisan du magnifique Ring co-produit par Florence et Valence, dont je n’ai malheureusement vu que trois épisodes (R, S, G). Son récent Turandot à Munich ne m’avait en revanche qu’à moitié convaincu, tant le metteur en scène semblait avoir du mal à canaliser sa foisonnante inspiration visuelle.

On retrouve ce foisonnement dans la mise en scène de Parsifal que Padrissa signe pour l’Opéra de Cologne, actuellement hors ses murs tandis que sa salle historique est en travaux. Et, globalement, on adhère assez, même si le dernier tableau déçoit quelque peu.

Padrissa nourrit sa conception de nombreuses projections, pour une bonne partie sur un rideau à l’avant-scène. Il utilise des images, mais aussi du texte (beaucoup… notamment “Zeit” et “Raum” pendant les deux cérémonies… ou encore cette citation de Nietzsche : “Der Mensch ist ein Seil, geknüpft zwischen Tier und Übermensch”) et une abondance de motifs abstraits. Les effets obtenus sont souvent saisissants, comme à l’arrivée de Kundry, accompagnée d’un superbe effet visuel que l’on met du temps à déchiffrer.

On aime aussi l’odeur de l’encens qui envahit la salle pendant la première cérémonie, la spatialisation des voix du chœur, très réussie… ou encore ces immenses gradins sur lesquels prennent place les figurants et qui reconfigurent joliment l’espace scénique. L’un des coups de génie de la mise en scène est de placer l’antre de Klingsor littéralement à l’envers du décor… un concept renforcé par le fait que c’est le même chanteur qui assume les deux rôles “jumeaux” d’Amfortas et de Klingsor.

J’ai la plus grande admiration pour Markus Stenz depuis que j’ai assisté au Ring de Cologne, dont la mise en scène est signée par Robert Carsen, une première fois à Cologne en 2006 (trois épisodes seulement : R, W, G) et à nouveau à Shanghai en 2010 (R, W, S, G). Il signe à nouveau une très belle prestation musicale, à la tête d’un orchestre généralement en grande forme… même s’il y a quelques dérapages regrettables (le trompette solo qui introduit un mordant bien malencontreux dans le thème du Graal… ou encore le tuba qui attaque un peu trop tôt l’accord final du deuxième acte).

La distribution est honnête. Matti Salminen a été un très grand Gurnemanz ; il lui reste aujourd’hui environ 80 % de ses moyens, ce qui reste magnifique. Dalia Schaechter est peut-être le maillon faible de la distribution : son premier acte est vraiment mauvais… mais elle se rachète quelque peu dans le deuxième acte. Parsifal très acceptable de Marco Jentzsch, qui dérape une ou deux fois dans les aigus. On admire Samuel Youn d’assurer (fort bien) à la fois le rôle d’Amfortas et celui de Klingsor. Et on aime beaucoup la prestation de Young Doo Park, qui chante magnifiquement Titurel depuis la coulisse tandis que le visage de Richard Wagner (le “père”, donc) est projeté en tournant sur le rideau d’avant-scène. 

Le parti pris le plus curieux de cette mise en scène est de montrer Gurnemanz sous les traits d’une espèce de boulanger. Au premier acte, il collecte la farine auprès des héros morts qui l’entourent et pétrit les pâtons avec l’aide de deux assistants. Au troisième acte, il enfourne les miches pour les récupérer, cuites, lors du dernier tableau, où elles sont partagées par les protagonistes en signe de communion… tandis que les figurants font circuler des paniers de pain parmi le public. Ce n’est malheureusement pas du pain fraîchement cuit… en tout cas pas au balcon, où il faut se contenter de tranches de Schwarzbrot un peu sèches.

“A Class Act”

Landor Theatre, Londres • 13.4.13 à 15h
Musique et lyrics : Edward Kleban. Livret : Linda Kline & Lonny Price.

Mise en scène : Robert McWhir. Direction musicale : James Cleeve. Avec John Barr (Ed Kleban), Sarah Borges (Sophie), Gary Jordan (Bobby / Michael Bennett), Erin Cornell (Mona), Barry Fantoni (Lehman Engel), Charles Hagerty (Charley / Marvin Hamlisch), Laura McCulloch (Felicia), Jane Quinn (Lucy), …

Quand j’ai vu A Class Act à Broadway en 2001, j’ai été tellement enthousiasmé que je suis retourné voir le spectacle dès le lendemain, ce qui ne m’arrive presque jamais. Malheureusement, cette comédie musicale intimiste n’avait rien à faire à Broadway, et ses producteurs eussent été mieux avisés de laisser le spectacle vivre sa vie dans un plus petit théâtre, Off-Broadway, où il était né.

A Class Act s’intéresse à la vie d’Edward Kleban, le lyriciste de A Chorus Line, qui mourut à 48 ans sans avoir réussi à faire produire une seule de ses œuvres — Kleban était aussi compositeur et, comme Sondheim, il avait hésité à commencer sa carrière en n’écrivant “que” des lyrics.

Le spectacle incorpore des chansons écrites par Kleban lui-même : en temps normal, l’insertion de force de chansons existantes dans une histoire écrite sur mesure est un exercice qui atteint très vite ses limites. En l’occurrence, le livret est tellement bien écrit… et les chansons tellement bien choisies… que la sauce prend de manière spectaculaire. Kleban écrivait avec son cœur, sur ce qu’il connaissait… ce qui rend ses chansons particulièrement adaptées à l’exercice. Sans compter qu’il possédait un évident don mélodique — le CD du spectacle est l’un de ceux que j’écoute le plus.

Je n’arrivais pas à intégrer ce spectacle à mon emploi du temps et j’ai été obligé de sacrifier autre chose pour pouvoir y assister. Je ne le regrette pas une seconde car j’ai retrouvé les sentiments qui m’avaient assailli en 2001 : admiration, émotion… émoi, même. Comme souvent au Landor Theatre, la mise en scène est excellente… et la distribution, extrêmement attachante. John Barr réalise un véritable tour de force avec une interprétation qui, à elle seule, mériterait que le spectacle soit vu par un public plus large.

“Quasimodo”

King’s Head Theatre, Londres • 7.4.13 à 15h
Musique, lyrics et livret : Lionel Bart. Compléments au livret : Chris Bond & Robert Chevara.

Mise en scène : Robert Chevara. Direction musicale : Peter Mitchell. Avec Steven Webb (Quasimodo), James Wolstenholme (Claude Frollo), Zoë George (Esmeralda), James Hume (Pierre Gringoire), Sean Paul Jenkinson (Clopin / Fleurien), Iestyn Arwel (Phoebus de Chateaupers), Helen Sheals (Pacquette), Melanie Bright (Yvette).

L’événement est de taille. Lionel Bart, le compositeur anglais connu surtout pour Oliver!, a laissé à sa mort en 1999 une adaptation inachevée en comédie musicale de Notre-Dame de Paris. Le petit King’s Head Theatre en propose la création mondiale.

Il a fallu boucher les trous tant bien que mal… et le résultat semble avoir du mal à trouver une tonalité cohérente — on passe un peu vite et un peu violemment d’un registre à l’autre. Mais la partition de Bart regorge de très jolies pages, que l’on est heureux de découvrir.

La distribution est excellente. On y remarque bien sûr l’attachant Steven Webb, qui parvient à donner vie à Quasimodo de manière très convaincante. Mention spéciale pour la belle Zoë George, qui chante superbement la touchante ballade d’Esmeralda.

Très jolie mise en scène de Robert Chevara, pleine d’énergie, qui oublie à faire oublier à quel point l’espace scénique est exigu.

Le hasard réserve parfois de belles surprises : je vois le spectacle le dimanche de l’octave de Pâques, autrement dit le jour de la fête de quasimodo… le jour-même où Frollo découvre le bébé abandonné sur les marches de Notre-Dame (et lui donne un nom inspiré par le calendrier).

“Darling of the Day”

Union Theatre, Londres • 6.4.13 à 19h30
Musique : Jule Styne. Lyrics : E. Y. Harburg. Livret : Nunnally Johnson, d’après l’œuvre de Arnold Bennett.

Mise en scène : Paul Foster. Direction musicale : Inga Davis-Rutter. Avec James Dinsmore (Priam Farll), Katy Secombe (Alice Challice), Michael Hobbs (Clive Oxford), Rebecca Caine (Lady Vale), Matthew Rowland (Alf), John Sandberg, Dan Looney, Andy Secombe, Jonathan Leinmuller, Catherine Digges, Danielle Morris, Will Keith, Olivia Maffett, Bethan-Wyn Davies.

Darling of the Day est l’un des flops du légendaire compositeur Jule Styne. L’histoire de sa création en 1968 ressemble à celle de beaucoup d’autres flops : nombreuses réécritures, changements multiples au sein de l’équipe artistique, …

On avait déjà eu l’occasion de découvrir l’œuvre à l’automne 2010 lorsque la série des Lost Musicals en avait présenté une version concert. Voici que le petit Union Theatre nous propose de voir la pièce dans de meilleures conditions, dans une mise en scène énergique et inventive de Paul Foster, qui se distingue notamment par une utilisation très fine de la lumière.

La distribution n’est qu’à moitié convaincante, même si Katy Secombe est une Alice extrêmement touchante. Mais James Dinsmore n’a pas la voix assez solide pour le rôle exigeant de Priam Farll et il est tout le temps au bord de l’accident.

On sort en ayant compris pourquoi la pièce fut un échec… même si certaines chansons sont charmantes. Mais on sort surtout avec une envie furieuse d’éviscérer — lentement et cruellement, de préférence — l’arrangeur qui a cru bon de faire ponctuer par le batteur chaque temps de chaque mesure de presque chaque chanson. L’effet de fanfare municipale est insupportable. La contrebasse suffisait amplement à marquer le rythme, surtout dans un aussi petit théâtre ; voilà un salaire de musicien qu’il aurait été facile d’économiser.

“A Chorus Line”

London Palladium, Londres • 6.4.13 à 15h
Livret : James Kirkwood et Nicholas Dante. Musique : Marvin Hamlisch. Lyrics : Edward Kleban.

Mise en scène : Bob Avian. Direction musicale : Alan Williams. Avec John Partridge (Zach), Scarlett Strallen (Cassie), Victoria Hamilton-Barritt (Diana), Gary Wood (Paul), …

Reprise à Londres de ce grand classique de la comédie musicale, que j’avais évoqué à l’occasion de la récente production de Broadway. La mise en scène et la chorégraphie sont encore une fois des reconstitutions de la conception originale du génial Michael Bennett, bien que la chorégraphie ait été rendue un peu plus “athlétique” au passage.

On apprécie l’enthousiasme de la troupe, qui parvient à donner vie à des personnages devenus quasiment mythiques. Tous ne sont pas parfaits — en particulier du côté du chant — mais ils compensent par un enthousiasme électrique.

La Diana de Victoria Hamilton-Barritt est particulièrement remarquable et domine largement la distribution. À l’opposé, Scarlett Strallen n’a pas le dixième du talent et du charisme de Donna McKechnie, la créatrice du rôle de Cassie. Sa prestation, très faible, marque malheureusement un point bas de la représentation.

Il y a aussi des moments où le son de l’orchestre est nettement différent de celui de l’enregistrement original. Sans pouvoir analyser précisément les différences, on craint que les synthétiseurs n’aient gagné du terrain dans la fosse…

Mais les petits reproches s’effacent devant la force de ces histoires individuelles inspirées par des récits réels de danseurs cherchant à réaliser le rêve de leur vie en décrochant un rôle à Broadway. Bob Avian (qui était l’assistant de Michael Bennett) choisit sagement de jouer le spectacle sans entracte, ce qui permet à la tension de ne jamais retomber. Après le déchirant “What I Did For Love”, le final spectaculaire permet à la représentation de s’achever sur une note exaltée et exaltante.

Récital Leif Ove Andsnes au TCE

Théâtre des Champs-Élysées, Paris • 5.4.13 à 20h
Leif Ove Andsnes, piano

Beethoven  : sonates n° 22 et n° 28
Liszt : Harmonies poétiques et religieuses, n° 4 “Pensées des morts”
Chopin :
– Nocturne op. 48 n° 1
– Ballade n° 4 op. 52 

Je pense avoir un peu dormi pendant la première partie — les sonates de Beethoven ne me passionnent que lorsque je les joue (infiniment moins bien qu’Andsnes, malheureusement) — mais la deuxième partie mit encore une fois en évidence le jeu envoûtant du pianiste norvégien, caractérisé par des phrasés époustouflants et enivrants. Magnifique série de bis pour conclure. On reviendra.

Récital Elisabeth Leonskaja à Pleyel

Salle Pleyel, Paris • 3.4.13 à 20h
Elisabeth Leonskaja, piano

Mozart : sonate n° 12
Schumann : Papillons
Schubert : sonate n° 4
Tchaïkovski : Grande Sonate 

Je n’aurais sans doute pas choisi d’aller voir Leonskaja sur la foi de son seul nom, mais l’occasion s’est présentée lorsque Nelson Freire a dû annuler son récital pour raisons de santé. Et quel régal ! Une virtuosité étourdissante mise au service d’interprétations profondes, parfois inattendues, toujours passionnantes, jamais prétentieuses. J’adore la façon dont Leonskaja utilise la pédale pour donner un peu de consistance sans jamais compromettre la clarté. On commence de manière particulièrement délicieuse avec l’une des plus belles sonates de Mozart… puis le plaisir reste au rendez-vous jusqu’au dernier bis (avec un petit creu quand même pendant la sonate de Schubert).